Ein Kunstwerk ist eine Definition in der Literatur. Wissenschaftliche Grundlage für die Analyse eines Kunstwerks. Ästhetik als Kunstphilosophie
§ 3. Ein Kunstwerk als Struktur
(struktureller Aspekt des wissenschaftlichen Modells von A. Potebnya)
1. Strukturmodell eines Kunstwerks
als Analogie zum Strukturmodell des Wortes.
Aus Potebnyas Sicht ähneln „all diese Bestandteile, die wir in Kunstwerken finden“, den Bestandteilen eines Wortes. Voraussetzung dafür ist, dass „jedes Wort, soweit es unsere Erfahrung reicht, notwendigerweise den Zustand durchläuft, in dem dieses Wort ein dichterisches Werk ist“. In Fällen, in denen ein Wort zu einem zweiteiligen Wort geworden ist, bei dem die innere Form vergessen ist, verloren geht und die Bedeutung direkt an den Klang angrenzt, kann dieser vorherige „poetische“ Zustand durch das Studium der Wortgeschichte wiederhergestellt werden , d.h. Methoden der etymologischen Analyse.
Hier ist ein Beispiel von Potebnya aus seinen Vorlesungen zur Theorie der Literatur. Im Namen der Pflanze „Huflattich“ geht die innere Form verloren. Es wurde mit der Korrelation im Verstand von so komplexen emotionalen Zuständen wie Liebe und Abneigung in Verbindung gebracht. Auch heute noch können wir diese Phänomene nicht "mit der Genauigkeit, mit der es wünschenswert wäre", wissenschaftlich bestimmen. Aber Spuren davon, dass eine Person Liebe mit Wärme und Abneigung mit Kälte verband, blieben in der Sprache erhalten (zum Beispiel im ukrainischen Wort „ostuda“, was Abneigung und gleichzeitig „kalt“ bedeutet, oder auf Russisch „hasserfüllt“. “, und auch wenn das Wort „kalt“ im Sinne von „lieblos“ verwendet wird). In einem ukrainischen Lied wird die Liebe der Mutter und die Abneigung der Stiefmutter wie folgt ausgedrückt: "Die Mutter liebt es, wie die Sommersonne wärmt, aber die Stiefmutter liebt nicht, sie ist kalt wie die Wintersonne." Diese bildliche Darstellung (Liebe ist warm, Abneigung ist kalt) bildete die Grundlage für den Namen der Pflanze „Huflattich“, denn sie hat „die Oberseite der Blätter ist glänzend und kalt, und der untere ist nicht grün und weißlich, weich, warm wie mit weißen Spinnweben bedeckt. Somit ist die Pflanze sowohl „Mutter“ als auch „Stiefmutter“. Der Kontrast zwischen der Wärme der Liebe und der Kälte der Abneigung bildete daher den inneren bildlichen Kern des Wortes „Huflattich“.
Die Analyse eines Kunstwerks ähnelt in gewisser Weise der etymologischen Untersuchung eines Wortes: Sie muss (hat das Ziel), die Struktur des Werks aufzudecken, seinen figurativen Kern zu ermitteln und damit den Schlüssel zum Verständnis seines Inhalts zu liefern.
Was auch immer das Kunstwerk ist: groß oder klein, einfach oder komplex, unabhängig von den einzelnen Merkmalen seiner Struktur (Genre, Komposition, Handlung, Stilistik usw.) - immer noch das Meiste Allgemeines das Prinzip seiner Struktur ähnlich Die Struktur des Poetischen die Wörter.
Wie ein Wort hat es eine ÄUSSERE FORM (aber wenn es in einem Wort eine Reihe artikulierter Laute ist, dann ist es in einem Kunstwerk seine „verbale Verkörperung“); INTERNE FORM (im Wort - "Repräsentation", ein Symbol, ein Bedeutungszeichen, in einem Kunstwerk - ein Bild oder eine Reihe von Bildern, die den Inhalt darstellen, darauf hinweisen, ihn symbolisieren); und schließlich INHALT (mit einem Wort - lexikalische Bedeutung, in einem Kunstwerk - eine Reihe von Gedanken und Stimmungen, die Autor in einem Bild ausdrückt und (oder) die Gesamtheit der Gedanken und Gefühle, die das Bild hervorruft Leser).
Im Allgemeinen haben wir oben bereits darüber gesprochen, und jetzt werden wir versuchen, all diese Elemente der Arbeit und ihre Beziehungen zueinander genauer zu verstehen.
Diese Elemente finden sich in einem Kunstwerk jeglicher Art wieder: in Architektur, Bildhauerei, Malerei, Musik, Literatur ... Der Unterschied zwischen ihnen liegt vor allem (aber nicht nur) darin Material, aus denen die äußere Form dieser oder jener Kunst aufgebaut ist. Potebnya selbst zieht die folgende Analogie und verwendet als Beispiel die einfachste Art von Bildern - eine Allegorie: „Die gleichen Elemente befinden sich in einem Kunstwerk, und es wird nicht schwierig sein, sie zu finden, wenn wir so argumentieren: „Dies ist ein Marmorstatue (äußere Form) einer Frau mit Schwert und Waage (innere Form), die Gerechtigkeit (Inhalt) darstellt".
Wie Ton und Marmor in der Skulptur, Farbe in der Malerei, Klang in der Musik, so ist in der Literatur das Wort das Material. Über die Tatsache, dass das Wort Besondere ein anderes Material als die oben genannten Materialien, aus denen die äußere Form anderer Künste aufgebaut ist, das Gespräch wird noch kommen. Nun wollen wir andere – allen Künsten gemeinsame – Eigenschaften betonen: erstens, dass ein Wortwerk in seiner Komposition Werken anderer Kunstgattungen ähnlich ist, und zweitens, dass seine äußere Form laut Potebnya nicht etwas rein Materielles ist. träge, eigentlich formal - schon ist es, da es sowohl „äußerlich“ als auch „materiell“ ist („materiell“, wie die Formalisten gerne sagten), keine Art von „reiner“ (d.h. „rein“ vom Gedanken, von der Bedeutung) Form . In Fortsetzung seiner Analogie sagt Potebnya über die äußere Form derselben Skulptur, dass „diese letzte in der Statue kein grober Marmorblock ist, sondern auf bestimmte Weise behauener Marmor“, d.h. bereits verarbeitet (und die Verarbeitung setzt eine bestimmte Zielsetzung voraus, also einen gedanklichen, ideellen Inhalt, den der Schöpfer in seinem Material ausdrückt, verarbeitet, modifiziert). Ebenso ist die äußere Form eines verbalen Werkes nicht nur eine Ansammlung artikulierter Laute. Schließlich ist diese Menge von Klängen laut Potebnya im Wort „auch nicht Klang als Material, sondern Klang bereits durch Gedanken geformt» 1 . Insbesondere betrifft es die äußere Form eines Kunstwerks.
Fiktion ist neben Musik, Malerei, Skulptur usw. eine der Kunstarten. Fiktion ist ein Produkt der kreativen Tätigkeit eines Schriftstellers oder Dichters und hat wie jede Kunst ästhetische, kognitive und weltkontemplative (assoziierte mit der Subjektivität des Autors) Aspekte. Dies verbindet Literatur mit anderen Kunstformen. Eine Besonderheit ist, dass der materielle Träger der Bildsprache literarischer Werke das Wort in seiner schriftlichen Inkarnation ist. Dabei hat das Wort immer auch Bildcharakter, formt ein bestimmtes Bild, das laut V.B. Khalizeva, beziehen sich Literatur auf die bildenden Künste.
Die von literarischen Werken geformten Bilder werden in Texten verkörpert. Ein Text, insbesondere ein literarischer, ist ein komplexes Phänomen, das durch eine Vielzahl von Eigenschaften gekennzeichnet ist. Der literarische Text ist die komplexeste aller Textsorten, ja sogar eine ganz besondere Textsorte. Der Text eines Kunstwerks ist nicht dieselbe Botschaft wie beispielsweise ein dokumentarischer Text, da er keine realen konkreten Tatsachen beschreibt, obwohl er Phänomene und Objekte mit denselben sprachlichen Mitteln benennt. Laut Z.Ya. Turaeva, natürliche Sprache ist ein Baumaterial für einen literarischen Text. Im Allgemeinen unterscheidet sich die Definition eines literarischen Textes von der Definition eines Textes im Allgemeinen dadurch, dass auf seine ästhetischen und figurativ-expressiven Aspekte hingewiesen wird.
Per Definition I.Ya. Tschernukhina, ein literarischer Text ist „… ein ästhetisches Mittel der vermittelten Kommunikation, dessen Zweck die bildliche und expressive Erschließung des Themas ist, das in der Einheit von Form und Inhalt dargestellt wird und aus Spracheinheiten besteht, die eine kommunikative Funktion erfüllen. " Literarische Texte seien, so die Forscherin, von absolutem Anthropozentrismus geprägt, literarische Texte seien nicht nur in der Ausdrucksform anthropozentrisch, wie alle Texte, sondern auch inhaltlich, im Fokus darauf, das Bild einer Person zu enthüllen.
IV. Arnold stellt fest, dass "ein literarischer und künstlerischer Text ein in sich zusammenhängendes, vollständiges Ganzes ist, das eine ideologische und künstlerische Einheit hat". Die wesentliche Besonderheit eines literarischen Textes, die ihn von anderen Texten unterscheidet, ist die Erfüllung einer ästhetischen Funktion. Gleichzeitig ist das Organisationszentrum des literarischen Textes, wie L.G. Babenko und Yu.V. Kazarin, ist seine emotionale und semantische Dominante, die die Semantik, Morphologie, Syntax und den Stil eines literarischen Textes organisiert.
Die Hauptfunktion der Fiktion besteht darin, durch den Einsatz sprachlicher und spezifischer Stilmittel zur Offenlegung der Intention des Autors beizutragen.
Eines der auffälligsten Merkmale der Fiktion ist die Bildsprache. Das Bild, das durch verschiedene sprachliche Mittel erzeugt wird, ruft beim Leser eine sinnliche Wahrnehmung der Realität hervor und trägt dadurch zur Schaffung der gewünschten Wirkung und Reaktion auf das Geschriebene bei. Ein literarischer Text zeichnet sich durch eine Vielfalt an Formen und Bildern aus. Die Schaffung verallgemeinerter Bilder in Kunstwerken ermöglicht es ihren Autoren, nicht nur den Zustand, die Handlungen und die Eigenschaften eines bestimmten Charakters durch den Vergleich mit einem künstlerischen Symbol zu bestimmen, sondern auch den Helden zu charakterisieren, die Einstellung zu ihm nicht zu bestimmen direkt, aber indirekt, zum Beispiel durch künstlerischen Vergleich .
Das häufigste Leitmerkmal des künstlerischen Sprachstils, das eng mit der Bildsprache verbunden und voneinander abhängig ist, ist die emotionale Färbung von Aussagen. Die Eigenschaft dieses Stils ist die Auswahl von Synonymen zum Zweck der emotionalen Wirkung auf den Leser, die Vielfalt und Fülle von Epitheta, verschiedene Formen emotionaler Syntax. In der Fiktion erhalten diese Mittel ihren vollständigsten und motiviertesten Ausdruck.
Die Hauptkategorie in der linguistischen Untersuchung von Belletristik, einschließlich Prosa, ist das Konzept des individuellen Stils des Autors. Akademiker V.V. Vinogradov formuliert das Konzept des individuellen Stils des Schriftstellers wie folgt: „ein System der individuellen ästhetischen Verwendung der Mittel des künstlerischen und verbalen Ausdrucks, die für eine bestimmte Periode in der Entwicklung der Fiktion charakteristisch sind, sowie ein System der ästhetischen und kreativen Auswahl, des Verständnisses und Anordnung verschiedener Sprachelemente."
Der literarisch-künstlerische Text zielt wie jedes andere Kunstwerk in erster Linie auf die Wahrnehmung ab. Ohne dem Leser buchstäbliche Informationen zu liefern, ruft ein literarischer Text eine komplexe Reihe von Erfahrungen in einer Person hervor und erfüllt damit ein bestimmtes inneres Bedürfnis des Lesers. Ein bestimmter Text entspricht einer bestimmten psychologischen Reaktion, und die Reihenfolge des Lesens entspricht einer bestimmten Veränderungsdynamik und Interaktion von Erfahrungen. In einem künstlerischen Text steht hinter den abgebildeten Bildern des realen oder fiktiven Lebens immer ein subtextuell interpretierender Funktionsplan, eine sekundäre Realität.
Der literarische Text basiert auf der Verwendung figurativer und assoziativer Sprachqualitäten. Das Bild darin ist das ultimative Ziel der Kreativität, im Gegensatz zu einem Sachbuch, wo verbale Bilder nicht grundsätzlich notwendig sind und, wenn vorhanden, nur ein Mittel zur Übermittlung von Informationen werden. In einem literarischen Text werden die Mittel der Bildlichkeit dem ästhetischen Ideal des Schriftstellers untergeordnet, da Fiktion eine Art Kunst ist.
Ein Kunstwerk verkörpert die Art und Weise, wie der einzelne Autor die Welt wahrnimmt. Die in literarischer und künstlerischer Form ausgedrückten Vorstellungen des Autors über die Welt werden zu einem Gedankensystem, das sich an den Leser richtet. In diesem komplexen System gibt es neben dem universellen menschlichen Wissen auch einzigartige, originelle, sogar paradoxe Ideen des Autors. Der Autor vermittelt dem Leser die Idee seiner Arbeit, indem er seine Einstellung zu bestimmten Phänomenen der Welt zum Ausdruck bringt, indem er seine Einschätzung zum Ausdruck bringt, indem er ein System künstlerischer Bilder schafft.
Bildsprache und Emotionalität sind die wesentlichen Merkmale, die einen literarischen Text von einem Sachbuch unterscheiden. Ein weiteres charakteristisches Merkmal eines literarischen Textes ist die Personifizierung. In den Charakteren der Kunstwerke ist alles zu einem Bild, zu einem Typus verdichtet, obwohl es ganz konkret und individuell gezeigt werden kann. Viele Heldenfiguren der Fiktion werden als bestimmte Symbole wahrgenommen (Hamlet, Macbeth, Don Quijote, Don Juan, Faust, D "Artagnan usw.), hinter ihren Namen stehen bestimmte Charakterzüge, Verhaltensweisen und Lebenseinstellungen.
In Belletristiktexten kann eine Personenbeschreibung sowohl in einem bildlichen und beschreibenden als auch in einem informativen und beschreibenden Register erfolgen. Der Autor hat völlige Freiheit, verschiedene Stilmittel und Mittel zu wählen und zu verwenden, die es ermöglichen, eine visuell-figurative Darstellung einer Person zu erstellen und seine Einschätzung seiner äußeren und inneren Qualitäten auszudrücken.
Bei der Beschreibung und Charakterisierung der Charaktere eines Kunstwerks verwenden die Autoren verschiedene Mittel der emotionalen Bewertung sowohl aus der Sicht des Autors als auch aus der Sicht anderer Charaktere. Die Einschätzung des Autors zu den Helden seiner Werke kann sowohl explizit als auch implizit zum Ausdruck kommen, sie wird meist durch die Verwendung eines Komplexes sprachlicher und stilistischer Mittel vermittelt: lexikalische Einheiten mit bewertender Semantik, Epitheta, metaphorische Nominierungen.
Die Stilmittel zum Ausdruck der Ausdruckskraft von Emotionalität, der Einschätzung des Autors, der Bildgestaltung sind verschiedene Stilmittel, einschließlich Tropen, sowie verschiedene künstlerische Details, die in den Texten der künstlerischen Prosa verwendet werden.
Aus den Ergebnissen des Literaturstudiums lässt sich also schließen, dass Belletristik eine besondere Art von Kunst ist und ein literarischer Text eine der komplexesten Textsorten in Bezug auf Struktur und Stil ist.
Ein besonderer Platz in einem literarischen Werk gehört der eigentlichen Inhaltsschicht an. Es ist legitim, es nicht als eine weitere (vierte) Seite des Werkes zu charakterisieren, sondern als dessen Substanz. Künstlerischer Inhalt ist eine Einheit von objektiven und subjektiven Prinzipien. Das ist die Gesamtheit dessen, was dem Autor von außen zukam und ihm bekannt war (ca Themen Kunst, siehe S. 40–53), und was er ausdrückt und aus seinen Anschauungen, Intuitionen, Persönlichkeitsmerkmalen hervorgeht (zur künstlerischen Subjektivität s. S. 54–79).
Der Begriff „Inhalt“ (künstlerischer Inhalt) ist mehr oder weniger synonym mit den Wörtern „Konzept“ (oder „Konzept des Autors“), „Idee“, „Bedeutung“ (nach M. M. Bachtin: „die letzte semantische Instanz“). W. Kaiser, der die inhaltliche Schicht des Werkes (Gnhalt), seine Rede (Sprachliche Formen) und Komposition (Afbau) als die Hauptsache charakterisiert Konzepte der Analyse, benannter Inhalt (Gehalt) Konzept der Synthese. Der künstlerische Inhalt ist in der Tat der synthetisierende Anfang der Arbeit. Dies ist ihre tiefe Grundlage, die der Zweck (die Funktion) der Form als Ganzes ist.
Der künstlerische Inhalt wird nicht in einzelnen Wörtern, Phrasen, Phrasen verkörpert (materialisiert), sondern in der Gesamtheit dessen, was in der Arbeit vorhanden ist. Wir stimmen Yu.M. Lotman: „Die Idee steckt nicht in irgendwelchen, auch gut gewählten Zitaten, sondern kommt in der gesamten künstlerischen Struktur zum Ausdruck. Der Forscher, der das nicht versteht und in einzelnen Zitaten nach einer Idee sucht, ist wie jemand, der, nachdem er erfahren hat, dass ein Haus einen Plan hat, anfangen würde, die Mauern niederzureißen, auf der Suche nach einem Ort, an dem dieser Plan zugemauert ist. Der Plan wird nicht in den Wänden eingemauert, sondern in den Proportionen des Gebäudes umgesetzt. Der Plan ist die Idee des Architekten, die Struktur des Gebäudes ist seine Umsetzung.
Thema. Erstens sind Themen die wesentlichsten Bestandteile der künstlerischen Struktur, Aspekte der Form und der unterstützenden Techniken. In der Literatur sind dies die Bedeutungen von Schlüsselwörtern, was durch sie festgelegt wird. In dieser terminologischen Tradition nähert sich das Thema (falls nicht identifiziert) mit Motiv. Dies ist ein aktiver, hervorgehobener, akzentuierter Bestandteil des künstlerischen Gewebes. Eine andere Bedeutung des Begriffs „Thema“ ist wesentlich für das Verständnis des kognitiven Aspekts der Kunst: Sie geht auf die theoretischen Experimente des letzten Jahrhunderts zurück und ist nicht mit den Elementen der Struktur verbunden, sondern direkt mit dem Wesen des Werks als solchem ganz. Das Thema als Grundlage des künstlerischen Schaffens ist alles, was zum Gegenstand des Interesses, des Verständnisses und der Bewertung des Autors geworden ist (das Thema Liebe, Tod, Revolution). Das Thema ist ein bestimmter Rahmen, dem alle Elemente eines Werkes unterworfen sind, eine bestimmte im Text verwirklichte Intention.
Künstlerische Themen sind komplex und facettenreich. Auf theoretischer Ebene ist es legitim, es als eine Kombination aus drei Prinzipien zu betrachten. Dies sind erstens ontologische und anthropologische Universalien, zweitens lokale (manchmal sehr großräumige) kulturelle und historische Phänomene und drittens die Phänomene des individuellen Lebens (vor allem des Autors) in ihrem Eigenwert.
Pathos folgt aus der Weltanschauung des Künstlers, aus seinen hohen sozialen Idealen, aus seinem Wunsch, die akuten sozialen und moralischen Probleme unserer Zeit zu lösen (nach Belinsky). Er sah die primäre Aufgabe der Kritik darin, das Werk zu analysieren und sein Pathos zu bestimmen. Aber nicht jedes Kunstwerk hat Pathos. Es existiert beispielsweise nicht in naturalistischen Werken, die die Realität kopieren und frei von tiefen Problemen sind. Das Lebensgefühl des Autors steigt in ihnen nicht zu Pathos auf.
Der Gehalt an Pathos in einem Werk mit historisch wahrheitsgemäßer ideologischer Ausrichtung hat zwei Quellen. Sie hängt sowohl von der Weltanschauung des Künstlers als auch von den objektiven Eigenschaften jener Lebensphänomene (dieser Charaktere und Umstände) ab, die der Schriftsteller erkennt, bewertet und reproduziert. Das Pathos der Bejahung und das Pathos der Verneinung in der Literatur weisen aufgrund ihrer signifikanten Unterschiede auch mehrere Spielarten auf. Die Arbeit kann heroisch, tragisch, dramatisch, sentimental und romantisch sein, sowie humorvoll, satirisch und andere Arten von Pathos.
In einem Kunstwerk dominiert je nach Thema manchmal eine Art von Pathos oder es findet sich eine Kombination ihrer verschiedenen Arten.
Heroisches Pathos enthält die Bekräftigung der Größe der Leistung eines Einzelnen und des gesamten Teams, ihrer enormen Bedeutung für die Entwicklung des Volkes, der Nation, der Menschheit. Das Thema des heroischen Pathos in der Literatur ist der Heroismus der Realität selbst - die aktive Aktivität der Menschen, dank derer große landesweite fortschrittliche Aufgaben durchgeführt werden.
Theater in der Literatur wird es wie das Heldentum durch die Widersprüche des wirklichen Lebens der Menschen erzeugt - nicht nur öffentlich, sondern auch privat. Dramatisch sind solche Lebenssituationen, wenn besonders bedeutsame gesellschaftliche oder persönliche Bestrebungen und Ansprüche von Menschen und manchmal sogar ihr Leben von äußeren, von ihnen unabhängigen Kräften von Niederlage und Tod bedroht sind. Solche Vorkehrungen verursachen entsprechende Erfahrungen in der Seele eines Menschen - tiefe Ängste und Leiden, starke Erregung und Anspannung. Diese Erfahrungen werden entweder durch das Bewusstsein, Recht zu haben und den Kampfwillen geschwächt, oder sie führen zu Hoffnungslosigkeit und Verzweiflung.
Tragödie Reale Lebenssituationen und die damit verbundenen Erfahrungen sollten im Hinblick auf Ähnlichkeit und gleichzeitig im Gegensatz zum Drama betrachtet werden. In einer tragischen Situation erfahren Menschen tiefe geistige Anspannung und Aufregung, was ihnen oft sehr schweres Leid zufügt. Aber diese Aufregung und dieses Leiden werden nicht nur durch Zusammenstöße mit einigen äußeren Kräften erzeugt, die die wichtigsten Interessen bedrohen, manchmal sogar das Leben der Menschen, und Widerstand hervorrufen, wie es in dramatischen Situationen der Fall ist. Die Tragik der Situation und Erfahrungen liegt hauptsächlich in den inneren Widersprüchen und Kämpfen, die in den Köpfen, in der Seele der Menschen entstehen.
Satirisches Pathos- das ist die stärkste und schärfste empört spöttische Leugnung gewisser Wächter des öffentlichen Lebens. Eine satirische Bewertung sozialer Charaktere ist nur dann überzeugend und historisch wahr, wenn diese Charaktere einer solchen Haltung würdig sind, wenn sie solche Eigenschaften haben, die eine negative, spöttische Haltung von Schriftstellern hervorrufen. Nur in diesem Fall wird der Spott, der in den künstlerischen Bildern der Werke zum Ausdruck kommt, Verständnis und Sympathie bei Lesern, Zuhörern und Zuschauern hervorrufen. Eine solche objektive Eigenschaft des menschlichen Lebens, die eine spöttische Haltung ihm gegenüber hervorruft, ist seine Komödie.
humorvolle Haltung zum Leben zu erwecken, konnten sie lange Zeit nicht von einer satirischen Attitüde unterscheiden. Erst in der Epoche der Romantik erkannten Literaturkritiker und Vertreter des ästhetischen und philosophischen Denkens darin eine besondere Art von Pathos. Humor entsteht wie Satire im Prozess der Verallgemeinerung des emotionalen Verständnisses der komischen inneren Widersprüchlichkeit menschlicher Charaktere – der Diskrepanz zwischen der realen Leere ihrer Existenz und subjektiven Bedeutungsansprüchen. Wie Satire ist Humor eine spöttische Haltung gegenüber solchen Charakteren von Menschen, die ihre innere Widersprüchlichkeit verstehen können. Humor ist eigentlich Lachen über relativ harmlose komische Widersprüche, oft verbunden mit Mitleid mit Menschen, die diese Komik an den Tag legen.
Sentimentales Pathos- Dies ist spirituelle Zärtlichkeit, verursacht durch das Bewusstsein moralischer Tugenden in den Charakteren von Menschen, die sozial gedemütigt oder mit einer unmoralischen privilegierten Umgebung verbunden sind. Sentimentalität hat in literarischen Werken sowohl de als auch n etwa-bejahende Orientierung.
So wie die Tragödie von Situationen und Erfahrungen in Beziehung zum Drama betrachtet werden sollte, so romantisches Pathos muss im Verhältnis zum Sentimentalen betrachtet werden – durch Ähnlichkeit und gleichzeitig durch Kontrast. Die allgemeinen Eigenschaften von Romantik und Sentimentalität beruhen auf der Tatsache, dass ihre Grundlage ein hoher Entwicklungsstand des emotionalen Selbstbewusstseins der menschlichen Persönlichkeit ist, die Reflexionsfähigkeit ihrer Erfahrungen. Sentimentalität ist ein Spiegelbild von Zärtlichkeit, das sich an die veraltete, verblassende Lebensweise mit ihrer Einfachheit und moralischen Integrität von Beziehungen und Erfahrungen richtet. Romantik- Dies ist eine reflektierende spirituelle Begeisterung, die sich an das eine oder andere erhabene "überpersönliche" Ideal und seine Inkarnationen richtet.
- Künstlerische Form und Komposition.
Als Teil der Form, die den Inhalt trägt, wird traditionell unterschieden drei Seiten, muss in jedem literarischen Werk vorhanden sein.
- Thema(subjektbildlich) Anfang, all jene Einzelphänomene und Tatsachen, die mit Hilfe von Worten bezeichnet werden und in ihrer Gesamtheit ausmachen Welt ein Kunstwerk (es gibt auch Ausdrücke „poetische Welt“, „innere Welt“ eines Werkes, „unmittelbarer Inhalt“).
- Das eigentliche Wortgefüge des Werkes: künstlerische Rede, oft fixiert durch die Begriffe „poetische Sprache“, „Stilistik“, „Text“.
- Korrelation und Anordnung im Produkt von Subjekteinheiten und verbalen "Reihen", d.h. Komposition. Dieses literarische Konzept ähnelt einer solchen Kategorie der Semiotik wie Struktur (das Verhältnis von Elementen eines komplex organisierten Subjekts).
Die Unterscheidung im Werk seiner drei Hauptaspekte geht auf die antike Rhetorik zurück. Es wurde wiederholt darauf hingewiesen, dass der Sprecher: 1) Material finden muss (dh ein Thema auswählen muss, das präsentiert und durch Rede charakterisiert wird); 2) dieses Material irgendwie arrangieren (bauen); 3) es in solchen Worten zu verkörpern, die den richtigen Eindruck auf die Zuhörer machen. Dementsprechend verwendeten die alten Römer die Begriffe Inventar(Erfindung von Gegenständen), Disposition(deren Lage, Konstruktion), elocutio(Dekoration, was einen hellen verbalen Ausdruck bedeutete).
Theoretische Literaturkritik, die ein Werk charakterisiert, konzentriert sich in einigen Fällen mehr auf seine subjektiv-verbale Komposition (R. Ingarden mit seinem Konzept der "Mehrschichtigkeit"), in anderen auf kompositorische (strukturelle) Momente, die für das Formale typisch waren Schule und mehr noch für den Strukturalismus. In den späten 1920er Jahren, G.N. Pospelov, der Wissenschaft seiner Zeit weit voraus, stellte fest, dass das Thema der theoretischen Poetik hat doppelt Charakter: 1) "separate Eigenschaften und Aspekte" von Werken (Bild, Handlung, Epitheton); 2) "Verbindung und Beziehungen" dieser Phänomene: die Struktur der Arbeit, ihre Struktur. Die bedeutungsvolle Form ist, wie man sieht, facettenreich. Gleichzeitig subjektiv-verbal Verbindung Werke und seine Konstruktion(kompositorische Organisation) sind untrennbar, gleichwertig, gleichermaßen notwendig.
- Die künstlerische Welt der Arbeit. Komponenten und Motivdetails des Bildes: Landschaft, Interieur. Charakter. Psychologie. Die Rede der Figur als Gegenstand künstlerischer Darstellung. Zeichensystem.
Die Welt eines literarischen Werkes bei weitem nicht identisch die Welt des Schriftstellers, die vor allem den Kreis der von ihm ausgedrückten Ideen, Ideen und Bedeutungen umfasst. Wie Sprachgewebe und Komposition ist die Welt eines Werks eine Verkörperung, ein Träger künstlerischer Inhalte (Sinn), notwendig meint seine Botschaft an den Leser. Es wird in ihm durch die Sprache und unter Beteiligung der Fiktion nachgebildet Objektivität. Es umfasst nicht nur materielle Dinge, sondern auch die Psyche, das Bewusstsein eines Menschen und vor allem den Menschen selbst als geistige und körperliche Einheit. Die Arbeitswelt ist sowohl „materielle“ als auch „persönliche“ Realität. In literarischen Werken sind diese beiden Prinzipien ungleich: Im Zentrum steht nicht die „tote Natur“, sondern eine lebendige, menschliche, persönliche Realität (wenn auch nur potentiell).
Die Welt des Werks ist eine integrale Facette seiner Form (natürlich seines Inhalts). Es steht sozusagen zwischen dem eigentlichen Inhalt (Bedeutung) und dem verbalen Stoff (Text).
Als Teil eines literarischen Werks sind 2 Semantiken zu unterscheiden: die eigentliche sprachliche, sprachliche, die den mit Wörtern bezeichneten Bereich der Objekte bildet, und die tiefe, eigentlich künstlerische, die die Sphäre der vom Autor erfassten Entitäten und der von ihm geprägten Bedeutungen ist ihn.
Das Konzept der „künstlerischen Welt eines Werks“ (manchmal auch als „poetisch“ oder „innerlich“ bezeichnet) wurde von D.S. Lichatschow. Die wichtigsten Eigenschaften der Welt eines Werks sind ihre Nichtidentität mit der primären Realität, die Beteiligung der Fiktion an ihrer Entstehung, die Verwendung nicht nur lebensechter, sondern auch bedingter Darstellungsformen durch Schriftsteller. In einem literarischen Werk herrschen besondere, streng künstlerische Gesetze.
Die Welt eines Werks ist ein künstlerisch bewältigtes und transformierte Realität. Er ist facettenreich. Die meisten große Einheiten verbale und künstlerische Welt - die Charaktere, aus denen das System besteht, und die Ereignisse, aus denen die Handlungen bestehen. Die Welt schließt ferner das ein, was man richtig nennen kann Komponenten Bildhaftigkeit (künstlerische Objektivität): Verhaltensweisen von Charakteren, Merkmale ihres Aussehens (Porträts), Phänomene der Psyche sowie Tatsachen des Lebens um Menschen herum (Dinge, die im Rahmen von Innenräumen präsentiert werden; Naturbilder - Landschaften). Gleichzeitig erscheint künstlerisch geprägte Objektivität sowohl als außersprachliches Wesen, das durch Worte angedeutet wird, als auch als Sprachaktivität in Form von Aussagen, Monologen und Dialogen, die jemandem gehören. Schließlich ist ein einziges kleines und untrennbares Glied der künstlerischen Objektivität Einzelheiten(Details) des Dargestellten, die von Schriftstellern manchmal deutlich und aktiv hervorgehoben werden und eine relativ eigenständige Bedeutung erlangen.
KÜNSTLERISCHE ARBEITEN - ein Produkt der Kunst. Kreativität, in der das Geistige und Bedeutsame ihres Schöpfers, des Künstlers, in sinnlich-stofflicher Form verkörpert ist und bestimmte Kriterien des ästhetischen Wertes erfüllt; hauptsächlich Verwahrer und Informationsquelle im Bereich Kunst und Kultur. S. x. es kann einzeln oder im Ensemble sein, im Raum eingesetzt und in der Zeit entwickelt, autark sein oder darstellende Künste erfordern. Im System der Kultur funktioniert es aufgrund seines materiell-subjektiven Trägers: der typografische Text eines Buches, eine Malleinwand mit ihren physikalischen, chemischen und geometrischen Eigenschaften, ein Filmband; bei der Durchführung von iek-vah - für das Orchester, den Schauspieler usw. Eigentlich P. x. ist auf der Grundlage der primären Bildserie konstruiert: klingende oder imaginäre Sprache, eine Kombination von Formen und Farbflächen in der bildenden Kunst, ein bewegtes Bild, das auf eine Film- und Fernsehleinwand projiziert wird, ein organisiertes System musikalischer Klänge usw. Obwohl, Im Gegensatz zu einem natürlichen Objekt ist die Erstellung von P. x . bedingt durch den Zweck des Menschen, tritt es an der Grenze zur Natur auf, weil es natürliche Materialien verwendet (Material der Kunst), und in einigen Kunstgattungen tritt P. im Prozess der Neuordnung und Betonung von Naturobjekten auf (Landschaftsgärtnerei) oder in ein Ensemble mit ihnen (, Denkmal- und Denkmal- und Landschaftsgarten). Als Produkt spezifischer kreativer Aktivität ist P. x. Gleichzeitig grenzt es beispielsweise an die Welt der Gebrauchs- und Gebrauchsgegenstände (dekorative und angewandte Kunst), dokumentarische und wissenschaftliche Quellen und andere Kulturdenkmäler. „Der historische Roman ist sozusagen der Punkt, an dem die Geschichte als Wissenschaft mit der Kunst verschmilzt“ (Belinsky). S. x. grenzt aber nicht nur an „praktischen Nutzen“, sondern auch an „missglückte Kunstversuche“ (Tolstoi). Es muss mindestens den künstlerischen Mindestanforderungen genügen, also der Perfektion einen Schritt näher kommen. Tolstoi teilte P. x. in drei Typen - P. hervorragend: 1) "durch die Bedeutung seines Inhalts", 2) "durch die Schönheit der Form", 3) "durch seine Aufrichtigkeit und Wahrhaftigkeit". Das Zusammentreffen dieser drei Momente führt zu. Künstlerisch Die Verdienste der P.-Kunst werden durch das Talent ihres Schöpfers, die Originalität und Aufrichtigkeit der Idee (in der Kunst der sich ständig erneuernden Kulturen), die vollständigste Verkörperung der Möglichkeiten des Kanons (in der Kunst traditioneller Kulturen) bestimmt. , und ein hohes Maß an Geschick. Die Kunstfertigkeit von P. art manifestiert sich in der Vollständigkeit der Verwirklichung der Idee, der Kristallisation ihrer ästhetischen Ausdruckskraft, im Inhalt der Form, die dem allgemeinen Konzept des Autors und individuellen Nuancen des figurativen Denkens (künstlerisches Konzept) entspricht, in Integrität, die sich in einer Verhältnismäßigkeit ausdrückt, die dem Grundsatz der Einheit in der Vielfalt entspricht, oder in einer Betonung entweder der Einheit oder der Vielfalt. Organismus, scheinbare Unbeabsichtigtheit der Gegenwart P. x. veranlasste Kant und Goethe, es mit einem Naturprodukt zu vergleichen, Romantiker - mit dem Universum, Hegel - mit dem Menschen, Potebnya - mit dem Wort. Künstlerisch die Unversehrtheit des Kunstwerks, seine Vollständigkeit ist keineswegs immer der technischen, quantitativ berechenbaren Seite der Bestandteile, seiner äußeren Vollständigkeit, angemessen. Und dann ist die Skizze in einem bedeutungsvollen-hu-doge. Die Beziehung ist so präzise, dass sie in ihrer Bedeutung und Aussagekraft die detaillierte und äußerlich groß angelegte P. x. (zum Beispiel V. Serov, A. Scriabin, P. Picasso, A. Matisse). In der sowjetischen bildenden Kunst gibt es auch detailgetreue, äußerlich fertige Gemälde und solche, in denen eine Tendenz zur Expressivität besteht, die ein Fragment zum Künstler erheben. Integrität. In allen Fällen jedoch echte P. x. es gibt eine gewisse Organisation, Ordnung, Konjugation ästhetischer Ideen zu einem Ganzen. Bei der Entwicklung der einen oder anderen Art von Kunstanzug kann die Funktion auch mit technischen Mitteln erworben werden, mit deren Hilfe P. x. geliefert, an die Öffentlichkeit übertragen, die den Anspruch akzeptiert (z. B. im Kino). Neben dem materiell fixierten Plan P. x. trägt verschlüsselte Informationen einer ideologischen, ethischen, sozialpsychologischen Ordnung, die in ihrer Struktur einen Künstler erfasst. Wert. Trotz relativer Stabilität ist der Inhalt von P. x. aktualisiert unter dem Einfluss der gesellschaftlichen Entwicklung, Veränderungen in der Kunst. Geschmäcker, Trends und Stile. Kontakte im Bereich Kunst. die Inhalte sind nicht eindeutig festgelegt wie in einem wissenschaftlichen Text, sie sind relativ beweglich, dadurch P. x. ist nicht im System ein für allemal vorgegebener Bedeutungen und Bedeutungen verschlossen, sondern lässt unterschiedliche Lesarten zu. P. x., das für die Aufführung bestimmt ist, deutet bereits in seiner Textstruktur die Vielseitigkeit künstlerischer und semantischer Schattierungen an, die Möglichkeit verschiedener künstlerischer. Deutung. Dies ist auch die Grundlage für die Entstehung im Prozess des kulturellen Erbes eines neuen Künstlers. Integrität durch kreative Anleihen aus der Schatzkammer ästhetischer Entdeckungen vergangener Epochen, transformiert und modernisiert durch die Kraft des bürgerlichen Pathos und Talents neuer Generationen. Künstler. Es ist jedoch wichtig, die Früchte solcher kreativer Anleihen von epigonenischem Kunsthandwerk zu unterscheiden, wo meistens nur die äußeren Merkmale der einen oder anderen Art, festgehalten in der Malerei, reproduziert werden. anderer Meister, aber die emotional-figurative Fülle des Originals geht verloren. Die formale und seelenlose Reproduktion von Plots und Kunst. Techniken lässt keinen neuen organischen und kreativ gelittenen Künstler entstehen. Integrität, sondern seine eklektische Ähnlichkeit. Als kulturelles Phänomen ist P. x. ästhetische Theorie meist als Teil eines bestimmten Systems betrachtet: zum Beispiel im Komplex der Kunst. Werte einer oder mehrerer Kunstarten, vereint durch eine typologische Gemeinschaft (Genre, Stil), oder im Rahmen eines sozio-ästhetischen Prozesses, der drei Glieder umfasst: - P. x. -. Merkmale der psychophysiologischen Wahrnehmung von P. x. werden von der Kunstpsychologie untersucht, und ihre Existenz in der Gesellschaft - von der Kunstsoziologie.
Ästhetik: Wörterbuch. - M.: Politizdat. Unter total ed. A. A. Belyaeva. 1989 .
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KÜNSTLERISCHES WISSEN- 1) die Kenntnis der objektiven und subjektiven Realität durch eine Person (kein Künstler), die eine angeborene Fähigkeit hat, die Welt bildlich zu sehen und die Welt in einer „schönen Hülle“ als subjektiv ausdrucksstark gefärbt wahrzunehmen (ein Beispiel für eine solche .. . ... Philosophische Enzyklopädie
Kunstwerk- ▲ Kunstwerk in Form, literarische Werkhandlung (# des Romans kommt vor). Handlung ist der Ablauf eines literarischen Werkes. Handlung bewegen. Intrige (verdrehtes #). | Folge. Auszug. Anmerkung. | Verzögerung. Handlung. singen. Anfang. |… … Ideografisches Wörterbuch der russischen Sprache
KÜNSTLERISCHE ZEIT UND KÜNSTLERISCHER RAUM- KÜNSTLERISCHE ZEIT UND KÜNSTLERISCHER RAUM, die wichtigsten Merkmale des künstlerischen Bildes, die eine ganzheitliche Wahrnehmung der künstlerischen Realität ermöglichen und die Komposition des Werks organisieren. Die Kunst des Wortes gehört zur Gruppe ... ... Literarisches Enzyklopädisches Wörterbuch
Kunstwerk- eine geistig materielle Realität, die künstlerischen und ästhetischen Kriterien entspricht, die als Ergebnis der kreativen Bemühungen eines Künstlers, Bildhauers, Dichters, Komponisten usw. entstanden ist und in den Augen bestimmter Gemeinschaften einen Wert darstellt. ... ... Ästhetik. Enzyklopädisches Wörterbuch
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Die universellen Kategorien der Dialektik – Inhalt und Form – manifestieren sich spezifisch in der Kunst und nehmen einen der zentralen Plätze in der ästhetischen Theorie ein. Hegel sagte, Inhalt sei nichts anderes als der Übergang von Form in Inhalt, und Form sei der Übergang von Inhalt in Form. Mit Blick auf die historische Entwicklung der Kunst bedeutet diese Bestimmung, dass sich der Inhalt sukzessive formalisiert und in den gattungskompositorischen, raumzeitlichen Strukturen der Kunstsprache „einnistet“ und in einer solchen „verhärteten“ Form auf den eigentlichen Inhalt der Kunst wirkt neue Kunst. In Bezug auf ein Kunstwerk bedeutet dies, dass die Zugehörigkeit der einen oder anderen seiner Ebenen zu Inhalt oder Form relativ ist: Jede von ihnen wird Form in Bezug auf das Höhere und Inhalt in Bezug auf das Niedrigere sein. Alle Bestandteile und Ebenen eines Kunstwerks „beleuchten“ sich gleichsam gegenseitig. Schließlich gibt es in der Kunst besondere Verschmelzungen von Inhalt und Form, dazu gehören zum Beispiel Handlung, Konflikt, thematisch-räumliche Organisation und Melodie.
Einerseits gibt es in der Kunst keinen vorgefertigten Inhalt und keine vorgefertigte Form in ihrer Trennung, sondern ihre wechselseitig umkehrbare Formung im Prozess der historischen Entwicklung, im Akt der Kreativität und Wahrnehmung sowie untrennbare Existenz in der Arbeit als Ergebnis des kreativen Prozesses. Wenn andererseits Inhalt und Form nicht eindeutig unterschieden würden, könnten sie nicht herausgegriffen und in Beziehung gesetzt werden. Ohne ihre relative Unabhängigkeit hätte es zu keiner gegenseitigen Beeinflussung und Interaktion kommen können.
ästhetischBesonderheitenInhalt
Inhalt in der Kunst ist ein ideologisch-emotionaler, sinnlich-figurativer Sinn- und Sinnbereich, der in einer künstlerischen Form adäquat verkörpert ist und einen gesellschaftlichen und ästhetischen Wert besitzt. Damit die Kunst ihre unersetzliche Funktion der sozialen und spirituellen Beeinflussung der inneren Welt des Einzelnen erfüllen kann, muss ihr Inhalt die entsprechenden Merkmale aufweisen.
Kunst spiegelt, reproduziert, mehr oder weniger vermittelt und konventionell, verschiedene Sphären natürlicher und gesellschaftlicher Wirklichkeit, aber nicht in ihrem eigenen Wesen, unabhängig vom menschlichen Weltbild mit seinen Wertorientierungen. Mit anderen Worten, Kunst zeichnet sich durch eine organische Verschmelzung von Objektivität und inneren Zuständen aus, eine ganzheitliche Reflexion der objektiven Qualitäten der Dinge in Einheit mit menschlichen spirituellen, moralischen, sozialen und ästhetischen Werten und Einschätzungen.
Künstlerische Erkenntnis findet also im Aspekt der sozio-ästhetischen Wertung statt, die wiederum vom ästhetischen Ideal bestimmt wird. Die Wertseite des Inhalts ist jedoch unmöglich außerhalb spezifischer künstlerischer und figurativer Kenntnisse, die auf die historische Realität, die Natur, die innere Welt der Menschen und den Künstler selbst abzielen und die innersten spirituellen Suchen seiner Persönlichkeit in den Produkten der Kunst objektivieren.
Die Ziele wahrer Kunst sind, die geistige und kreative, soziale und moralische Entwicklung des Einzelnen zu fördern, gute Gefühle zu wecken. Dies ist die Wurzel der tiefen Beziehung zwischen dem Kunstgegenstand und den Sanktionen, die die ästhetischen Qualitäten seines Inhalts bestimmen. Im Fach Kunst ist dies die inhaltliche Einheit, die Einheit von Objektivem und Subjektivem, die Einheit von Erkenntnis und Wertorientierung am ästhetischen Ideal. In den Funktionen der Kunst - ein unersetzlicher Einfluss auf die organisch integrale, ungeteilte Innenwelt eines Menschen. Aus diesem Grund hat der Inhalt der Kunst immer einen bestimmten ästhetischen Ton: erhaben heroisch, tragisch, romantisch, komisch, dramatisch, idyllisch ... Außerdem hat jeder von ihnen viele Schattierungen.
Beachten wir einige allgemeine Regelmäßigkeiten in der Äußerung der ästhetischen Färbung des Kunstinhalts. Erstens wird es nicht immer in seiner reinen Form präsentiert. Tragödie und Satire, Humor und Romantik, Idylle und Parodie, Lyrik und Ironie können ineinander fließen. Zweitens kann ein besonderer ästhetischer Inhaltstypus nicht nur in den entsprechenden Kunstgattungen und Gattungen verkörpert sein: So ist die Sphäre des Tragischen nicht nur die Tragödie, sondern auch eine Symphonie, ein Roman, eine Monumentalskulptur; die Sphäre des Epos ist nicht nur ein Epos, sondern auch ein Filmepos, eine Oper, ein Gedicht; Das Dramatische manifestiert sich nicht nur im Drama, sondern auch in Texten, Romanzen, Kurzgeschichten. Drittens ist die allgemeine ästhetische Tonalität der Inhalte großer und talentierter Künstler einzigartig, individuell gefärbt.
Die sozio-ästhetische Spezifik der Inhalte bildet sich in einer Vielzahl spezifischer schöpferischer Akte und Werke aus. Sie ist untrennbar mit der Arbeit der Imagination und der Tätigkeit des Künstlers nach den Gesetzen des Materials und der Sprache der Kunst, mit der bildlichen und expressiven Verkörperung der Idee verbunden. In dieser untrennbaren Verbindung zwischen dem Inhalt der Kunst und den Gesetzen der Bildsprache, mit den Gesetzen der inneren Ordnung und der formalen Verkörperung liegt ihre künstlerische Besonderheit.
Eine Manifestation der Besonderheit künstlerischer Bildsprache ist die dialektische Einheit von Gewissheit, Mehrdeutigkeit und inhaltlicher Integrität.
Die Idee von I. Kant über die Mehrdeutigkeit des künstlerischen Bildes und der Darstellung wurde von den Romantikern, zum Beispiel Schelling, und später von den Theoretikern und Praktikern der Symbolik verabsolutiert. Die Deutung des Bildes als Ausdruck des Unendlichen im Endlichen war verbunden mit der Erkenntnis seiner grundsätzlichen Unausdrückbarkeit und Opposition zum Wissen.
In Wirklichkeit ist die Mehrdeutigkeit künstlerischer Inhalte jedoch nicht unbegrenzt – sie ist nur in bestimmten Grenzen, nur auf bestimmten Ebenen künstlerischer Inhalte zulässig. Generell strebt der Künstler nach einer adäquaten Verkörperung seiner ideologischen und figurativen Gestaltung und nach einem adäquaten Verständnis derer, die sie wahrnehmen. Außerdem möchte er nicht missverstanden werden. Bei dieser Gelegenheit hat F. M. Dostojewski schrieb: „…Künstlerisch…ist die Fähigkeit, seine Gedanken in den Gesichtern und Bildern des Romans so klar auszudrücken, dass der Leser nach der Lektüre des Romans die Gedanken des Schriftstellers genauso versteht wie der Schriftsteller selbst bei der Erstellung seines Werkes verstanden hat"2.
Der Kontext des Ganzen erzeugt nicht nur die Mehrdeutigkeit einzelner Bilder, sondern beseitigt und „mildert“ sie. Durch das Ganze „erklären“ sich verschiedene bedeutungsvolle Komponenten gegenseitig eine bestimmte und einheitliche Bedeutung. Nur losgelöst vom Ganzen ergeben sich unendlich widersprüchliche Deutungen. Neben der dialektischen Wechselwirkung von Gewissheit und Mehrdeutigkeit drückt sich die künstlerische Besonderheit des Inhalts darin aus, dass in einem Kunstwerk, so der Akademiker D. Likhachev, eine besondere, unnachahmliche Welt der Sozialität, Moral, Psychologie und des Alltags ist , neu erschaffen durch die schöpferische Vorstellungskraft des Künstlers, entsteht mit seinen eigenen Gesetzmäßigkeiten.
Ein weiteres Merkmal der künstlerischen Inhalte ist die Wechselwirkung aktueller sozio-ästhetischer, moralischer und spiritueller Fragestellungen mit mächtigen Traditionsschichten. Die Anteile moderner und traditioneller Inhalte sind in verschiedenen Kultur- und Kunstregionen, Stilrichtungen und Kunstgattungen unterschiedlich.
Das Gesellschaftsgeschichtliche entsteht im Allgemeinen, das Allgemeine im Konkret-Zeitlichen.
Die allgemeinen Eigenschaften des künstlerischen Inhalts, von denen wir oben sprachen, manifestieren sich auf besondere Weise in seinen verschiedenen Formen.
Wir können von der Handlung des künstlerischen und verbalen Erzählens sprechen wie von dem spezifischen Bereich, in dem sich der Inhalt befindet. Die Handlung ist eine konkrete und maximal vollständige Aktion und Reaktion, eine konsequente Darstellung von Bewegungen nicht nur des Physischen, sondern auch des inneren, spirituellen Plans, Denkens und Fühlens. Die Handlung ist das ereignisreiche Rückgrat der Arbeit, etwas, das gedanklich von der Handlung abgeschaltet und nacherzählt werden kann.
Manchmal können wir zum Beispiel von der Handlungslosigkeit von Texten sprechen, aber keineswegs von der Handlungslosigkeit. Die Handlung ist auch in anderen Gattungen und Arten von Kunst präsent, spielt dort aber keine so universelle Rolle.
Es ist üblich, zwischen direkten und indirekten künstlerischen Inhalten zu unterscheiden. In der bildenden Kunst werden visuell wahrgenommene Objektivität und Räumlichkeit direkt zum Ausdruck gebracht, indirekt - die Sphäre der Ideen, emotionalen und ästhetischen Werte und Bewertungen. Wohingegen in der Kunst des Wortes die mentalen und emotionalen Inhalte direkter zum Ausdruck kommen und die bildlichen und visuellen Inhalte indirekt zum Ausdruck kommen. In Tanz und Ballett werden visuell-plastische und emotional berührte Inhalte direkt verkörpert, indirekt aber philosophisch-semantische, moralisch-ästhetische Pläne.
Betrachten wir die Grundbegriffe der ästhetischen Analyse, die auf den Inhalt aller Kunstgattungen zurückzuführen sind. Das Thema (von griech. thema – Objekt) gehört zu solchen universellen Begriffen – die dem Kunstwerk zugrunde liegende inhaltliche Einheit, isoliert von den Eindrücken der Realität und eingeschmolzen durch das ästhetische Bewusstsein und die Kreativität des Künstlers. Das Thema des Bildes können verschiedene Phänomene der umgebenden Welt, der Natur, der materiellen Kultur, des sozialen Lebens, konkreter historischer Ereignisse, universeller spiritueller Probleme und Werte sein.
Das Thema der Arbeit verschmilzt organisch das Bild bestimmter Aspekte der Realität und ihrer spezifischen, diesem künstlerischen Bewusstsein, Verständnis und Bewertung innewohnenden. Allerdings dominiert bei einem künstlerischen Thema die erkenntnisgegenständliche, unmittelbar bildhafte Seite gegenüber einem so wichtigen Bestandteil des künstlerischen Inhalts wie einer künstlerischen Idee.
Der Begriff eines künstlerischen Themas umfasst vier Bedeutungsgruppen. Das Konzept eines objektiven Themas bezieht sich auf die Merkmale der tatsächlichen Ursprünge des Inhalts. Dazu gehören auch ewige, universelle Themen: Mensch und Natur, Freiheit und Notwendigkeit, Liebe und Eifersucht.
Das kulturtypologische Thema bedeutet sinnvolle Objektivität, die zu einer künstlerischen Tradition der Welt- oder Nationalkunst geworden ist.
Ein kulturhistorisches Thema sind ähnliche sozialpsychologische Kollisionen, die von Kunst immer wieder reproduziert werden, Charaktere und Erfahrungen, choreografische und musikalische Bilder, die in den Werken herausragender Künstler, in einer bestimmten Stilrichtung und Kunstrichtung, zu einem Teil der Gattung geworden sind oder verkörpert sind Geschöpft aus dem Arsenal der Mythologie.
Das subjektive Thema ist ein für diesen Künstler charakteristisches System von Gefühlen, Charakteren und Problemen (Verbrechen und Strafen bei Dostojewski, Schicksalskampf und Glücksdrang bei Tschaikowsky).
All diese Themen vereint der Begriff des „konkreten künstlerischen Themas“ – eine relativ stabile Objektivität des Inhalts eines Kunstwerks. Ein konkretes künstlerisches Thema ist eine der Hauptkategorien, mit deren Hilfe die einzigartige Welt eines Kunstwerks erforscht, mit plastischer, musikalisch-melodischer, grafischer, monumentaler, dekorativer und formaler Verkörperung verschmolzen und mit einem bestimmten Typus versehen wird inhaltsästhetische Einstellung zur Wirklichkeit (tragisch, komisch, melodramatisch). Es transformiert Aspekte des Objekts und des kulturell-künstlerischen Themas in eine neue Qualität, die diesem Werk und diesem Künstler innewohnt.
In der Ästhetik gibt es Begriffe zur Bezeichnung der subjektiv-wertenden, emotional-ideologischen Seite des Inhalts. Dazu gehören der Begriff des „Pathos“, der sich in der klassischen Ästhetik entwickelt hat, der Begriff der „Tendenz“, der in den Werken moderner Ästhetiker Gestalt angenommen hat.
Die Kategorie des Pathos (von griech. pathos – ein tiefes, leidenschaftliches Gefühl) in der klassischen Ästhetik ist die alles überwältigende spirituelle Leidenschaft des Künstlers, die alle anderen Impulse und Wünsche verdrängt, sich plastisch ausdrückt und eine große ansteckende Kraft hat.
Wenn im Pathos, durch die innerste Subjektivität, durch die intimste ästhetische Weltanschauung die große Welt des künstlerischen Strebens durchscheint, dann im Begriff der „Tendenz“ das Moment der bewussten, konsequenten sozialen Orientierung, der konsequenten Einbeziehung der Weltanschauung des Subjekts im Mainstream gesellschaftlicher Ideen und Bestrebungen wird betont. Eine offene künstlerische Tendenz manifestiert sich in bestimmten Genres und Kunststilen: in der Satire, der Zivilpoesie, dem Gesellschaftsroman. Allerdings muss sich in der Kunst durchaus eine journalistisch zugespitzte Tendenz nach lyrischer Erfahrung entwickeln, als bildlich emotional ausgedrückte Idee.
In anderen Genres und Stilen ist nur eine versteckte subtextuelle Tendenz in den Tiefen der Erzählung möglich.
Die wichtigste Kategorie, die den Inhalt der Kunst charakterisiert, ist die künstlerische Idee (aus dem Griechischen – Typus, Bild, Gattung, Methode) – eine ganzheitliche bildliche und ästhetische Bedeutung des fertigen Werkes. Die künstlerische Idee wird heute nicht wie in der klassischen Ästhetik mit dem gesamten Inhalt des Werkes identifiziert, sondern entspricht seiner dominanten emotionalen, figurativen und künstlerisch-ästhetischen Bedeutung. Es spielt eine synthetisierende Rolle in Bezug auf das gesamte System des Werks, seine Teile und Details, die sich in Konflikten, Charakteren, Handlung, Komposition und Rhythmus verkörpern. Es ist notwendig, die verkörperte künstlerische Idee erstens von dem Ideenentwurf zu unterscheiden, den der Künstler im Schaffensprozess entwickelt und konkretisiert, und zweitens von Ideen, die gedanklich aus der Sphäre eines bereits geschaffenen Kunstwerks extrahiert und darin ausgedrückt werden eine konzeptionelle Form von Ideen (in der Kritik, in der Kunstgeschichte, im Brief- und theoretischen Erbe).
Die primäre Rolle für das Verständnis einer künstlerischen Idee ist die unmittelbare ästhetische Wahrnehmung des Werkes. Sie wird anhand der gesamten bisherigen sozio-ästhetischen Praxis eines Menschen, des Wissensstandes und seiner Wertorientierung vorbereitet und endet mit einer Bestandsaufnahme, manchmal einschließlich der Formulierung einer künstlerischen Idee. Bei der ersten Wahrnehmung wird die allgemeine Ausrichtung der künstlerischen Idee erfasst, bei wiederholter Wahrnehmung konkretisiert sich der Gesamteindruck, verstärkt durch neue, bisher nicht wahrgenommene Themen, Motive und innere „Verknüpfungen“. In der Idee eines Kunstwerks gehen die durch den Inhalt ausgelösten Gefühle und Gedanken gleichsam über die Sphäre der unmittelbaren sinnlichen Bildsprache hinaus. Aber eben „als ob“: Ganz ausbrechen sollten sie jedenfalls auf der Stufe der Wahrnehmung eines Kunstwerks nicht. Wenn in der wissenschaftlichen Erkenntnis eine Idee als eine bestimmte Art von Konzept oder als Theorie ausgedrückt wird, dann spielen in der Struktur einer künstlerischen Idee eine emotionale Einstellung zur Welt, Schmerz, Freude, Ablehnung und Akzeptanz eine herausragende Rolle. Zu nennen sind die unterschiedlichen Grade sozialästhetischer Würde und Bedeutung künstlerischer Ideen, die von der Wahrhaftigkeit und Tiefe des Lebensverständnisses, der Originalität und der ästhetischen Perfektion der figurativen Verkörperung bestimmt werden.
Xkünstlerischdie FormundSieKomponenten
Die materielle und physische Grundlage künstlerischen Schaffens, mit deren Hilfe die Idee objektiviert und die kommunikativ-zeichenhafte Objektivität eines Kunstwerks geschaffen wird, wird üblicherweise als Material der Kunst bezeichnet. Das ist das materielle „Fleisch“ der Kunst, das der Künstler im Schaffensprozess braucht: das Wort, Granit, Rötel, Holz oder Farbe.
Das Material soll fesseln, versprechen, locken, die Fantasie und den kreativen Impuls zur Neugestaltung anregen, aber gleichzeitig bestimmte Grenzen setzen, die sich hauptsächlich auf seine Fähigkeiten beziehen. Diese Macht des Materials und der von der Kunst auferlegten Konventionen wurde von den Künstlern dialektisch bewertet: sowohl als schmerzhafte Trägheit, die die Freiheit des Geistes und der Vorstellungskraft einschränkt, als auch als wohltuende Bedingung für Kreativität, als Quelle der Freude für den triumphierenden Meister über die Hartnäckigkeit des Materials.
Die Materialwahl wird bestimmt durch die individuellen Eigenschaften des Künstlers und der konkreten Idee sowie durch das allgemeine bildtechnische Können und den stilistischen Anspruch der Kunst in einem bestimmten Stadium ihrer Entwicklung.
Das vom Künstler verwendete Material orientiert sich letztlich an den führenden inhaltlichen und stilistischen Strömungen der Zeit.
Im Prozess der Arbeit mit dem Material erhält der Künstler die Möglichkeit, die Idee zu klären und zu vertiefen, neue Potenziale, Facetten, Nuancen darin zu entdecken, dh den einzigartigen künstlerischen Inhalt zu verkörpern, der als solcher nur im Entsprechenden existiert materialisierte Struktur. Bei der Schaffung eines neuen Werkes stützt er sich auf die allgemeinste Bedeutung, die im Material unter dem Einfluss der Kultur- und Kunstgeschichte „akkumuliert“ wird. Aber der Künstler versucht, diese Bedeutung zu konkretisieren, indem er unsere Wahrnehmung in eine bestimmte Richtung lenkt.
Das einer bestimmten Kunstart innewohnende System materieller Bild- und Ausdrucksmittel, ihre künstlerische Sprache sind eng mit dem Material verbunden. Wir können von einer spezifischen künstlerischen Sprache der Malerei sprechen: Farbe, Textur, lineare Konstruktion, eine Art, Tiefe auf einer zweidimensionalen Ebene zu organisieren. Oder über die Sprache der Grafik: eine Linie, ein Strich, ein Fleck im Verhältnis zur weißen Fläche des Blattes. Oder über die Sprache der Poesie: Intonation-melodische Mittel, Metrum (Meter), Reim, Strophe, phonische Laute.
Die Sprache der Kunst hat eine spezifische Symbolik. Ein Zeichen ist ein sinnlich wahrgenommener Gegenstand, der einen anderen Gegenstand bezeichnet und ihn zum Zweck der Kommunikation ersetzt. In Analogie dazu repräsentiert die materiell-bildliche Seite in einem Kunstwerk nicht nur sich selbst: Sie bezieht sich auf andere Objekte und Phänomene, die außerhalb der materialisierten Ebene existieren. Darüber hinaus impliziert ein künstlerisches Zeichen, wie jedes Zeichen, Verständnis, Kommunikation zwischen dem Künstler und dem Wahrnehmenden.
Die Zeichen eines Zeichen- oder Zeichensystems bestehen darin, dass es eine elementare Zeicheneinheit herausgreift, die für eine bestimmte Kulturgruppe einen mehr oder weniger konstanten Wert hat, und die Verknüpfung dieser Einheiten nach bestimmten Regeln (Syntax) erfolgt. Die kanonische Kunst zeichnet sich in der Tat durch eine relativ stabile Beziehung zwischen Zeichen und Bedeutung sowie durch das Vorhandensein einer mehr oder weniger klar definierten Syntax aus, wonach ein Element ein anderes erfordert, eine Beziehung die andere zur Folge hat. Erkunden Sie also das Genre eines Märchens, V.Ya. Propp kommt zu Recht zu dem Schluss, dass er den normativen Charakter des Genres streng beachtet, ein bestimmtes Alphabet und eine bestimmte Syntax: 7 Märchenrollen und 31 ihrer Funktionen. Versuche, die Prinzipien von Propps Analyse auf den europäischen Roman anzuwenden, scheiterten jedoch (er hat völlig andere künstlerische Konstruktionsprinzipien).
Gleichzeitig bezeichnet in allen Kunstgattungen die materielle und grafische Seite, die Zeichensphäre, den einen oder anderen subjektiv-geistigen Inhalt.
Wenn also die Zeichen eines streng semiotischen Systems in der Kunst keineswegs universell, sondern von lokalem Charakter sind, so sind die Zeichen der Symbolik im weiten Sinne des Wortes zweifellos in jeder künstlerischen Sprache vorhanden.
Jetzt, nach einer so langen Vorrede, können wir endlich zur Definition des Begriffs der künstlerischen Form selbst übergehen.
Die künstlerische Form ist eine Möglichkeit, Inhalte auszudrücken und materiell-objekthaft zu sein, gemäß den Gesetzen einer bestimmten Art und Gattung der Kunst sowie niedrigerer Bedeutungsebenen in Bezug auf höhere. Diese allgemeine Definition von Form muss in Bezug auf ein separates Kunstwerk konkretisiert werden.In einem ganzheitlichen Werk ist Form eine Reihe von künstlerischen Mitteln und Techniken, die zur Einheit gebracht werden, um einen einzigartigen Inhalt auszudrücken. Im Gegensatz dazu ist die Kunstsprache potentielles Ausdrucksmittel sowie typologische, normative Formaspekte, gedanklich abstrahiert von vielen spezifischen künstlerischen Inkarnationen.
Wie der Inhalt hat auch die Kunstform ihre eigene Hierarchie und Ordnung. Einige ihrer Ebenen zielen auf den spirituellen und figurativen Inhalt ab, andere auf die materielle und physische Objektivität des Werks. Daher wird zwischen innerer und äußerer Form unterschieden. Die innere Form ist eine Möglichkeit, die inhaltliche Ordnung in Formordnung oder den strukturell-kompositorischen, gattungskonstruktiven Aspekt der Kunst auszudrücken und zu transformieren. Äußere Form - konkret sinnliche Mittel, die auf eine bestimmte Weise organisiert sind, um die innere Form und damit den Inhalt zu verkörpern. Wenn die äußere Form indirekter mit den höchsten Inhaltsebenen verbunden ist, dann mit dem Material der Kunst – direkt und direkt.
Die Kunstform ist relativ eigenständig, hat ihre eigenen inneren, immanenten Entwicklungsgesetze. Dennoch haben soziale Faktoren einen unbestreitbaren Einfluss auf die Kunstform. Die Sprache der Gotik, des Barock, des Klassizismus, des Impressionismus wurde vom sozialgeschichtlichen Klima der Zeit, den vorherrschenden Stimmungen und Idealen beeinflusst. Gleichzeitig können sozialgeschichtliche Bedürfnisse durch beherrschte Materialien und Mittel ihrer Verarbeitung, die Errungenschaften von Wissenschaft und Technik (Michelangelos Methode der Marmorverarbeitung, ein eigenes Strichsystem der Impressionisten, Metallstrukturen der Konstruktivisten) unterstützt werden.
Selbst der stabilste Wahrnehmungsfaktor, der keiner besonderen Dynamik unterliegt, beeinflusst die Sprache der Kunst nicht von selbst, sondern in einem sozialen Kontext.
Wenn es falsch ist, die soziokulturellen Faktoren zu leugnen, die die Sprache und Form der Kunst beeinflussen, dann ist es ebenso falsch, ihre interne, systemische Unabhängigkeit nicht zu sehen. Alles, was die Kunst aus der Natur, dem sozialen Leben, der Technik, der menschlichen Alltagserfahrung schöpft, um ihre formalen Mittel zu ergänzen, zu bereichern, wird zu einem spezifischen künstlerischen System verarbeitet. Diese spezifischen Ausdrucksmittel bilden sich im Bereich der Kunst heraus und nicht außerhalb. Dies sind zum Beispiel die rhythmische Organisation der poetischen Sprache, die Melodie in der Musik, die direkte und umgekehrte Perspektive in der Malerei.
Die künstlerischen Darstellungs- und Ausdrucksmittel sind tendenziell systemisch, intern bedingt und daher zur Selbstentfaltung und Selbstverbesserung fähig. In jeder Kunstform gibt es Gesetze der inneren Organisation bestimmter Ausdrucksmittel. Daher erfüllen dieselben Ausdrucksmittel in verschiedenen Kunstarten unterschiedliche Funktionen: Linie in Malerei und Grafik, Wort in Lyrik und Roman, Tonfall in Musik und Poesie, Farbe in Malerei und Kino, Gestik in Pantomime, Tanz, dramatische Handlung. Gleichzeitig wirken sich die Gestaltungsprinzipien einiger Kunstarten und -gattungen auf andere aus. Schließlich entstehen durch eine herausragende gestalterische Individualität neue Ausdrucksformen.
Die künstlerische Sprache wird also unter dem Einfluss einer Reihe sozialgeschichtlicher und kulturell-kommunikativer Faktoren geformt, die jedoch durch die Logik ihrer internen, systemischen Entwicklung vermittelt werden. Die vorherrschenden Formen in der Kunst werden durch das allgemeine Niveau und die Art der ästhetischen Kultur bestimmt.
Bei der Betrachtung der künstlerischen Form, wie auch bei der Analyse des Inhalts, heben wir die häufigsten Komponenten hervor. Verweilen wir bei den Eigenschaften dieser Gestaltungsprinzipien, außerhalb derer es unmöglich ist, Kunstwerke jeglicher Art zu schaffen. Dazu gehören Genre, Komposition, künstlerischer Raum und Zeit, Rhythmus. Dies ist die sogenannte innere Form, die den allgemeinen ästhetischen Aspekt der Kunst widerspiegelt, während sie in Form äußerer Ausdrucksmittel für ihre einzelnen Typen spezifisch ist.
Genre - historisch etablierte Werktypen mit relativ stabilen, sich wiederholenden künstlerischen Strukturen. Gattungszuordnungen von Kunstwerken erfolgen hauptsächlich auf der Grundlage von sachlich-thematischer Nähe und Merkmalen der Komposition, in Verbindung mit verschiedenen Funktionen, gemäß einem charakteristischen ästhetischen Merkmal. Thematische, kompositorische, emotionale und ästhetische Merkmale stehen meist in einer systemischen Beziehung zueinander. So unterscheiden sich Monumentalskulptur und Kleinplastik in thematischen, ästhetisch-emotionalen, kompositorischen Merkmalen sowie im Material.
Die Gattungsentwicklung der Kunst ist durch zwei Tendenzen gekennzeichnet: einerseits eine Tendenz zur Differenzierung, zur Isolierung der Gattungen voneinander und andererseits zur Interaktion, Durchdringung bis hin zur Synthese. Auch die Gattung entwickelt sich im ständigen Wechselspiel von Norm und Abweichung davon, relativer Stabilität und Variabilität. Manchmal nimmt es die unerwartetsten Formen an, vermischt sich mit anderen Genres und zerfällt. Ein neues Werk, äußerlich nach der Norm der Gattung geschrieben, kann es sogar zerstören. Ein Beispiel ist das Gedicht von A.S. Puschkin „Ruslan und Lyudmila“, das das klassische Heldengedicht parodiert, das außerhalb der Genrenormen des Werks liegt, aber auch bestimmte Merkmale des Gedichts beibehält.
Die Abweichung von den Regeln ist nur auf ihrer Grundlage möglich, gemäß dem allgemeinen dialektischen Gesetz der Negation der Negation. Der Eindruck von Neuheit entsteht nur, wenn man sich an die Normen anderer Kunstwerke erinnert.
Zweitens interagiert der einzigartige, konkrete Inhalt der Kunst mit dem, was das "Gedächtnis" der Gattung bewahrt. Das Leben gibt den Gattungen wirkliche Inhalte, mit denen sie in der Zeit ihrer Entstehung und historischen und kulturellen Entwicklung gefüllt werden. Allmählich verliert der Gattungsinhalt seine Spezifität, verallgemeinert sich, erhält die Bedeutung einer „Formel“ und eines ungefähren Umrisses.
Komposition (von lat. compositio – Anordnung, Zusammenstellung, Ergänzung) ist eine Art, ein Kunstwerk aufzubauen, das Prinzip der Verbindung gleichartiger und heterogener Komponenten und Teile, die miteinander und mit dem Ganzen übereinstimmen. In der Komposition erfolgt der Übergang des künstlerischen Inhalts und seiner inneren Beziehungen in Bezug auf die Form und die Ordnung der Form - in die Ordnung des Inhalts. Zur Unterscheidung der Konstruktionsgesetze dieser Kunstbereiche werden manchmal zwei Begriffe verwendet: Architektonik - das Verhältnis inhaltlicher Komponenten; Komposition - die Prinzipien des Aufbaus einer Form.
Es gibt eine andere Art der Differenzierung: Die allgemeine Form der Struktur und das Verhältnis großer Teile des Werks wird als Architektur bezeichnet, und das Verhältnis von Bestandteilen fraktionierterer wird als Komposition bezeichnet. Es sollte berücksichtigt werden, dass in der Theorie der Architektur und Organisation der Subjektumgebung ein anderes Paar verwandter Konzepte verwendet wird: Konstruktion - die Einheit der materiellen Komponenten der Form, die durch Identifizierung ihrer Funktionen erreicht wird, und Komposition - das Künstlerische Vervollständigung und Betonung konstruktiv-funktionaler Bestrebungen unter Berücksichtigung der Besonderheiten der visuellen Wahrnehmung und des künstlerischen Ausdrucks, der Dekoration und Integrität der Form.
Die Komposition ist bedingt durch die Formationsmethoden und die Besonderheiten der Wahrnehmung, die einer bestimmten Art und Gattung von Kunst innewohnen, den Gesetzen der Konstruktion eines künstlerischen Musters / Kanons / in kanonisierten Kulturarten sowie der individuellen Identität des Künstlers und der einzigartige Inhalt eines Kunstwerks in weniger kanonisierten Kulturarten.
Die universellen Gestaltungs- und Ausdrucksmittel der ideologischen und künstlerischen Inhalte sind künstlerischer Raum und Zeit – Reflexion, Umdenken und spezifische Verkörperung der raumzeitlichen Aspekte der Realität und Vorstellungen darüber in figurativ-symbolischen und bedingten Methoden der Kunst.
In den Raumkünsten ist der Raum eine Form, die zum sogenannten unmittelbaren Inhalt geworden ist.
In den temporären Künsten sind räumliche Bilder eine Form, die zu vermittelten Inhalten geworden ist, die mit Hilfe von nicht-räumlichem Material wie Wörtern nachgebildet werden. Ihre Rolle bei der Reflexion der sozio-ethischen, sozio-ästhetischen Vorstellungen des Künstlers ist enorm. Der künstlerische Inhalt von Gogols Werken beispielsweise ist außerhalb der mit einer Palisade umzäunten räumlichen Daseinsweise und seines ästhetischen Ideals – außerhalb der grenzenlosen Weite, außerhalb der weiten, freien Steppe und der in unbekannte Ferne verlaufenden Straße – nicht vorstellbar. Darüber hinaus ist das Bild dieser Straße zweideutig: Es ist sowohl eine echte, schlampige, mit Schlaglöchern übersäte Straße, auf der ein Wagen oder eine Britzka wackelt, als auch eine Straße, die der Autor aus „schöner Ferne“ sieht. Die Welt der Helden von Dostojewski - St. Petersburger Ecken, Hofbrunnen, Dachböden, Treppen, Alltag. Zur gleichen Zeit - überfüllte "Kathedralen" -Szenen von Skandalen und Reue. Dies ist die Isolation von mühsam genährten Gedanken und öffentlich beobachtbarem Handeln in einem offenen Raum.
Inhaltliche Funktionen erfüllt die künstlerische Zeit vor allem in den Künsten des Zeitlichen. Im Kino wird das Zeitbild entweder gestreckt oder gestaucht. Der Eindruck temporärer Bewegung wird durch eine Vielzahl zusätzlicher Mittel bestimmt: Bildrate, Kamerawinkel, Verhältnis von Ton und Bild, Pläne. Dies lässt sich leicht in den Filmen von A. Tarkovsky nachvollziehen. Der Vergleich eines Menschen und seiner persönlichen Zeit mit der Ewigkeit, das Dasein eines Menschen in der Welt und in der Zeit – ein solch abstraktes Problem wird mit Hilfe rein konkreter Mittel reflektiert. In der ästhetischen, inhaltlich-semantischen Anmutung von Instrumentalmusik und choreographischer Darbietung ist die Rolle des Tempos und verschiedener Arten von Rhythmus-Zeit-Beziehungen bedeutsam. Hier werden alle Mittel, die das zeitliche Bild des Werkes und damit die ideologische und emotionale Bedeutung erzeugen, vom Autor oder Interpreten vorgegeben. Und der Wahrnehmende muss sie synchron wahrnehmen und hat nur die Freiheit zusätzlicher bildlich-semantischer Assoziationen.
Etwas anders verhält es sich mit der künstlerischen Zeit in den räumlich statischen Künsten: Die Wahrnehmung ihrer Bilder ist vom Künstler nicht so starr vorgegeben. Aber so wie ein schwereloses Wort, das keine räumlichen Grenzen hat, ständig objekt-räumliche Bilder reproduziert, so reproduziert das unbewegte Material des Bildhauers scheinbar unkontrollierbare Bewegung mit Hilfe von Körperhaltungen, Gesten, dank der Darstellung von Übergängen von einem Zustand in einen anderen , dank der Entwicklung der Bewegung von einer Form zur anderen, durch Winkel, Volumenakzente.
Rhythmus (aus dem Griechischen - Dimensionalität, Takt) - eine regelmäßige Wiederholung identischer und ähnlicher Komponenten in gleichen und angemessenen Abständen in Raum oder Zeit. Künstlerischer Rhythmus ist eine Einheit – das Zusammenspiel von Norm und Abweichung, Ordnung und Unordnung, motiviert durch die optimalen Wahrnehmungs- und Gestaltungsmöglichkeiten und letztlich durch die inhaltlich-figurative Struktur eines Kunstwerks.
In der Kunst lassen sich zwei Haupttypen von rhythmischen Mustern unterscheiden: relativ stabil (regulativ, kanonisiert) und variabel (unregelmäßig, nicht kanonisiert). Regelmäßige Rhythmen basieren auf einer klar definierten Einheit der Verhältnismäßigkeit künstlerischer Periodizitäten (Meter), die typisch für Ornamentik, Musik, Tanz, Architektur und Poesie ist. In unregelmäßigen, nicht kanonisierten Rhythmen wird die Periodizität außerhalb des strengen Metrums ausgeführt und ist ungefähr und inkonsistent: Sie erscheint und verschwindet. Zwischen diesen beiden Rhythmusarten gibt es allerdings noch einige Übergangsformen: den sogenannten freien Vers, die rhythmische Prosa und die Pantomime. Außerdem kann ein regelmäßiger, kanonisierter Rhythmus einen freieren und komplizierteren Charakter annehmen (z. B. in der Musik und Dichtung des 20. Jahrhunderts).
Um die sinnstiftende Funktion des Rhythmus zu verstehen, muss man berücksichtigen, dass er sich auf allen Ebenen eines Kunstwerks manifestiert.Jede rhythmische Reihe der unteren Formebene sollte nicht direkt mit dem Thema und der Idee des Werks korreliert werden . Die semantische Funktion des Rhythmus in Poesie, Musik, Architektur offenbart sich durch seine Verbindung mit der Gattung.
Rhythmus „trägt“ sozusagen die Bedeutung einer Komponente durch die gesamte Struktur sich wiederholender Komponenten, hilft, zusätzliche inhaltliche Schattierungen zu offenbaren, schafft eine weitreichende Zone von Vergleichen und Beziehungen, die auch die unteren, formbildenden Ebenen eines a einbezieht Kunstwerk in einen gemeinsamen Sinnzusammenhang bringen.
Rhythmische Reihen in einem Kunstwerk können sich überlagern und einen einheitlichen figurativen und ästhetischen Eindruck verstärken.
Es gibt einen Platz in der Kunst und der Nachahmung von Lebensprozessen mit Hilfe von Rhythmus (das Laufen eines Pferdes, das Rattern von Eisenbahnrädern, das Geräusch der Brandung), die Bewegung der Zeit, die Dynamik des Atmens und emotionale Höhen und Tiefen Tiefen. Aber die sinnvolle Funktion des Rhythmus lässt sich nicht auf solche Nachahmungen reduzieren.
So vermittelt der Rhythmus indirekt die Dynamik des abgebildeten Objekts und die emotionale Struktur des kreativen Subjekts; steigert durch zahlreiche Vergleiche und Analogien die Aussagekraft des Werkes durch das „Ziehen“ in die semantische Sphäre formaler Wiederholungen; betont den Wechsel von Themen und intonatorisch-figurativen Motiven.
Die klassische Ästhetik betrachtet seit langem Proportionen, Proportionen, den „goldenen Schnitt“, Rhythmus, Symmetrie als formale Manifestation von Schönheit. Der Goldene Schnitt ist ein Proportionssystem, in dem sich das Ganze zu seinem größeren Teil verhält wie das Größere zum Kleineren. Die Regel des goldenen Schnitts wird durch die Formel ausgedrückt: c / a \u003d a / b, wobei c das Ganze bezeichnet, a - der größere Teil, b - der kleinere. Diese Muster sind in der Tat charakteristisch für die Kunstform. Und vor allem - der ästhetische Genuss der Schönheit der Form wird durch ein hohes Maß an Konformität und Angemessenheit ihres verkörperten Inhalts bestimmt. Eine solche ästhetische Übereinstimmung kann als Harmonie angesehen werden.
InteraktionFormenundInhalt
Der künstlerische Inhalt hat gegenüber der künstlerischen Form eine führende, bestimmende Rolle. Die führende Rolle des Inhalts gegenüber der Form manifestiert sich darin, dass die Form vom Künstler geschaffen wird, um seine Absicht auszudrücken. Im Prozess der Kreativität überwiegen eine spirituell bedeutungsvolle Idee und Gefühlseindrücke, obwohl die Form sie in einigen Fällen „antreibt“ und sogar anführt. Allmählich wird der Inhalt voller und bestimmter. Aber von Zeit zu Zeit scheint es zu versuchen, den „Fesseln“ und Grenzen der Form zu entkommen, aber dieser unvorhergesehene Impuls wird durch die willensstarke, konstruktive und kreative Arbeit des Meisters im Material gebremst. Der Schaffensprozess zeigt den Kampf, den Widerspruch zwischen Form und Inhalt, wobei der Inhalt die Hauptrolle spielt.
Die Bedingtheit der Form durch den Inhalt drückt sich schließlich auch darin aus, dass in einem fertigen Kunstwerk zu seinem Ausdruck große „Blöcke“ der Form und mitunter auch seine „atomare“ Ebene durch den Inhalt bestimmt sind. Manche Schichten der Form sind direkter durch den Inhalt bedingt, andere weniger, haben relativ größere Eigenständigkeit, sind bestimmt von Überlegungen zu technischen, formgebenden Zielen als solchen. Die unteren Ebenen eines Kunstwerks sind nicht immer möglich und müssen mit dem Inhalt korreliert werden, sie gehen indirekt in ihn ein.
Der Inhalt zeigt eine Tendenz zur ständigen Erneuerung, da er direkter mit der sich entwickelnden Realität, mit der dynamischen spirituellen Suche des Einzelnen verbunden ist. Die Form ist träger, neigt dazu, dem Inhalt hinterherzuhinken, seine Entwicklung zu verlangsamen, zu behindern. Die Form verwirklicht nicht immer alle Möglichkeiten des Inhalts, ihre Bedingtheit durch den Inhalt ist unvollständig, relativ und nicht absolut. Aus diesem Grund gibt es in der Kunst wie in anderen Prozessen und Phänomenen einen ständigen Kampf zwischen Form und Inhalt.
Gleichzeitig ist die Kunstform relativ eigenständig und aktiv. Formen in der Kunst interagieren mit der vergangenen künstlerischen Erfahrung der Menschheit und mit modernen Suchen, da es auf jeder Stufe der Kunstentwicklung ein relativ stabiles System sinnvoller Formen gibt. Es erfolgt eine bewusste oder intuitive Projektion der geschaffenen Form auf den Kontext gleichzeitig wirkender und vorausgehender Formen, auch unter Berücksichtigung des Grades ihrer ästhetischen „Verschleißung“. Die Aktivität der Form manifestiert sich sowohl im Prozess der historischen Entwicklung der Kunst als auch im Akt der Kreativität und auf der Ebene des sozialen Funktionierens eines Kunstwerks, seiner performativen Interpretation und ästhetischen Wahrnehmung.
Folglich ist die relative Diskrepanz zwischen Inhalt und Form, ihr Widerspruch, ein ständiges Zeichen für die Bewegung der Kunst zu neuen ästhetischen Entdeckungen. Dieser Widerspruch kommt deutlich zum Ausdruck in Zeiten der Neubildung einer Richtung, eines neuen Stils, wenn die Suche nach neuen Inhalten noch nicht mit einer neuen Form versehen ist, oder wenn sich die intuitive Einsicht in neue Formen als verfrüht und damit künstlerisch nicht realisierbar erweist auf das Fehlen sozialer und ästhetischer Voraussetzungen für Inhalte. In „Übergangs“-Werken, verbunden durch eine intensive Suche nach neuen Inhalten, aber nicht gefundenen adäquaten künstlerischen Formen, werden Zeichen vertrauter, früher verwendeter Formationen sichtbar, künstlerisch nicht neu gedacht, nicht umgeschmolzen, um neue Inhalte auszudrücken. Oft liegt das daran, dass die neuen Inhalte vom Künstler nur vage wahrgenommen werden. Beispiele für solche Werke sind "American Tragedy" von T. Dreiser und die frühen Geschichten von M. Bulgakov. Solche Übergangsarbeiten entstehen meist in Zeiten akuter Krisen in der Entwicklung der Kunst oder intensiver Polemik zwischen dem Künstler und sich selbst, mit der Trägheit gewohnter Denk- und Schreibweisen. Manchmal wird aus diesem Aufeinanderprallen von alter Form und neuem Inhalt die maximale künstlerische Wirkung herausgeholt und eine harmonische Korrespondenz auf einer neuen Ebene geschaffen. In einem fertigen Kunstwerk herrscht inhaltlich und formal eine Einheit – Korrespondenz, Verflechtung und Interdependenz. Es ist hier unmöglich, das Formular vom Inhalt zu trennen, ohne seine Integrität zu zerstören. Darin werden Inhalt und Form zu einem komplexen System verknüpft.
Die ästhetische Einheit von Inhalt und Form setzt deren gewisse positive Einheitlichkeit, fortschrittlichen und künstlerisch entwickelten Inhalt und vollwertige Form voraus. Es ist ratsam, die Einheit von Inhalt und Form, das heißt, dass das eine ohne das andere nicht existieren kann, von der Übereinstimmung von Inhalt und Form als bestimmtes künstlerisches Kriterium und Ideal zu unterscheiden. In einem realen Kunstwerk findet sich nur eine Annäherung an diese Entsprechung.
Kunstwerk bedeutet Kunst
AUSListe der Literatur
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