Was ist das Besondere an Nekrasovs Muse? Das Bild der Muse in den Werken von A.S. Puschkin und A.A. Achmatowa. Themen und Bilder von Nekrasovs „Muse der Rache und des Kummers“
Einführung
Im Laufe des Vierteljahrhunderts ihrer Entwicklung (1892-1917) brachten die nichtrealistischen literarischen Bewegungen eine Reihe bedeutender Talente hervor, deren Werke die wesentlichen Merkmale des künstlerischen Bewusstseins der Zeit zum Ausdruck brachten und einen einzigartigen Beitrag zur russischen und weltweiten Poesie leisteten Prosa. Wie das gesamte spirituelle Leben Russlands während der Zeit der drei Revolutionen waren diese Bewegungen von einer angespannten, konfliktreichen Dynamik geprägt. Sie wurde durch den Widerspruch zwischen ästhetischem Individualismus und gesellschaftlichen Ansprüchen bestimmt. Gleichzeitig überwog der seit langem gehegte Gedanke des russischen Schriftstellers über soziale Harmonie und einen freien Menschen, egal welche utopischen Formen dieser Gedanke manchmal annahm.
Unter den russischen nichtrealistischen Bewegungen – Symbolismus, Akmeismus, Futurismus – war der Symbolismus die erste und bedeutendste in Bezug auf künstlerische Ergebnisse. Es entstand am Wendepunkt von der Zeitlosigkeit der 80er Jahre zum gesellschaftspolitischen Aufstieg der 90er Jahre. Im Jahr 1892 forderte D. Merezhkovsky in einem Vortrag „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ dazu auf, ihren Inhalt mit einer mystischen Idee zu bereichern und die Poetik mit Hilfe symbolischer Formen und des Impressionismus zu aktualisieren. Zur gleichen Zeit erschien Merezhkovskys Gedichtband „Symbole“; ihr gegenüber leitete er Goethes Worte über das Vergängliche als Symbol des Ewigen ein. 1894-1895 Es erschienen drei Ausgaben von Bryusovs sensationeller Sammlung „Russische Symbolisten“, die die Theorie neuer Texte und ihre Beispiele demonstrierten.
Das Bild der Muse in den Texten von A. Akhmatova
Im Jahr 1940 bemerkte A. Akhmatova im Gespräch mit L. Chukovskaya: „... Um zum Wesentlichen zu gelangen, muss man die Nester sich ständig wiederholender Bilder in den Gedichten des Dichters studieren – in ihnen liegt die Persönlichkeit des Autors und der Geist von.“ seine Poesie.“ In den Texten von A. Akhmatova taucht immer wieder das Bild der Muse auf – „Schwester“, „Doppelgängerin“, „Ausländerin“, „Henkerin“; „seltsam“, „schlank“, „dunkel“, „einen löchrigen Schal tragend“, „spöttisch“. Er offenbart uns die ethischen und ästhetischen Einstellungen des Dichters in verschiedenen Jahren: die Suche nach „seiner“ Stimme und die Fortsetzung der Tradition der jungen A. Akhmatova, anschließend das Bewusstsein für die Bedeutung des bürgerlichen Themas und, zusammenfassend die Ergebnisse seiner Arbeit, das Verständnis des Autors für die Tatsache, dass sein eigenes Bild und Schicksal in den Spiegeln der Kunst festgehalten werden. In der Poesie von A. Akhmatova ist das Motiv des Doppelgängers wichtig, verbunden mit dem Thema Kreativität und der Entstehung tragischen Pathos.
Die lyrische Heldin des Gedichts „Muse“ (1911) kontrastiert sich mit allen „Mädchen, Frauen, Witwen“, denen die Möglichkeit gegeben wird, gewöhnliches weibliches Glück zu erleben. Der Zustand der Unfreiheit („nicht diese Fesseln“) der Heldin entsteht aus der Notwendigkeit, eine Wahl zwischen Liebe und Kreativität zu treffen. Die Musenschwester nimmt ihren Ring („das erste Frühlingsgeschenk“, „Geschenk Gottes“) ab, der ein Symbol der gesegneten irdischen Liebe ist. Der himmlische Bote gibt dem Künstler schöpferische Kraft, nimmt ihm aber im Gegenzug die Möglichkeit, sich auf die Fülle des Lebens selbst zu konzentrieren, das zur Hauptquelle poetischer Fantasie wird.
Morgen werden mir die Spiegel lachend sagen:
„Dein Blick ist nicht klar, nicht hell ...“
Ich werde leise antworten: „Sie hat weggenommen
Gottes Geschenk."
Das Gedicht „Dreimal kam ich zur Folter …“ (1911) hieß im Entwurf des Autographs „Double“. Diejenige, die zur Folter kam, wird nicht Muse genannt, aber mit ihr wird in Achmatows frühen Gedichten das Motiv des Doppelgängers in Verbindung gebracht. Für die lyrische Heldin ist irdische Freude unmöglich, aber was noch schrecklicher ist, ist, dass ihre Liebe ihrer Geliebten den Tod bringt. Moralische Schuld entsteht in der Seele einer Dichterin ohne objektiven Grund; in dem Gedicht gibt es nur eine Andeutung einer Vorahnung, dass eine Strafe für ein sündiges Handwerk folgen wird.
Oh, du hast nicht umsonst gelacht,
Meine unverzeihliche Lüge! .
Aus dem Frühwerk von A. Achmatowa hob sie besonders das Gedicht „Ich bin gekommen, um dich zu ersetzen, Schwester ...“ (1912) hervor und sagte, dass sie es selbst nicht vollständig verstanden habe, obwohl „es sich als prophetisch herausstellte“. Das Werk besteht aus zwei durch Anführungszeichen gekennzeichneten Monologen und einem kleinen „Nachwort“. Die Muse kommt zur Heldin, um ihr das irdische Glück zu nehmen, das allen außer dem Künstler zugänglich ist. Poesie ist mit dem Gefühl eines „hohen Feuers“ verbunden: Damit ein Gedicht entstehen kann, muss der Dichter die Liebe verlieren, leiden und brennen. A. Akhmatova schrieb über die Verbindung zwischen dem Persönlichen und dem Universellen in der Kreativität: „Es gibt eine Hoffnung weniger, / Es wird noch ein Lied geben.“ Für die Poesie ist Liebe nicht länger ein „Lagerfeuer“, das von einer Person bewacht wird, sondern ein „weißes Banner“, ein „Leuchtfeuer“, das für alle brennt und den Menschen den Weg weist. Der Künstler empfindet die Geburt eines Liedes als einen Bestattungsritus für sich und seine Gefühle. Die Schwestermuse tritt an die Stelle der leidenden Frau, wird ihr Doppelgänger, lebt ihr Leben:
Meine Kleidung anziehen
Vergiss meine Sorgen
Lassen Sie den Wind mit Ihren Locken spielen.
Die Heldin überlässt der Muse klaglos ihr „Lagerfeuer“, weil sie versteht: Das Schlimmste für sie ist „Stille“. In der letzten Strophe verschmelzen die Bilder subtil miteinander; Es gibt nur einen Weg – das Schicksal des Künstlers, der auf persönliches Glück verzichtet, um anderen den Weg zu erhellen:
Und alles schien ihr wie eine Flamme
Nah... die Hand hält das Tamburin.
Und sie ist wie ein weißes Banner
Und sie ist wie das Licht eines Leuchtturms.
Das Bild der Muse in der Poesie von A. Achmatowa veränderte sich. In den Gedichten der zweiten Hälfte der 1910er Jahre wird eine „kaum hörbare“ Stimme zum charakteristischen Detail ihres Porträts; Gesang „langweilig“ und „traurig“, löchriges Taschentuch; „erschöpft“, gesenkter „in einem dunklen Kranz“-Kopf. Bemerkenswert ist N. Gumilevs Rezension des Gedichts „Schließlich gibt es irgendwo einfaches Leben und Licht...“: „... Aber die letzte Strophe ist großartig; nur [ist das nicht] ein Tippfehler? - „Die Stimme der Muse ist kaum hörbar…“ Natürlich hätte man sagen sollen „deutlich oder deutlich hörbar“. Oder noch besser: „bisher gehört“. Die Muse, die Dantes Inferno diktierte, streng, schweigsam und stark, wird später, erst Mitte der 1920er Jahre, in den Texten von A. Akhmatova auftauchen. Das Bild eines Doppelgängers, der seine Macht verliert und die lyrische Heldin zurücklässt („Warum tust du so, als ob…“, 1915; „Die Muse ging auf der Straße…“, 1915; „Alles wurde weggenommen: sowohl Kraft als auch Liebe...“ , 1916), gibt dem Dichter die Möglichkeit, fast „greifbares“ menschliches Leid zu vermitteln und zugleich eine Vorahnung noch schrecklicherer historischer Veränderungen. Der „rücksichtslose“ Wind der Zeit hat bereits begonnen, die Stimmen des Lebens abzuschneiden.
Und wir leben feierlich und schwierig
Und wir ehren die Rituale unserer bitteren Treffen,
Wenn der Wind rücksichtslos ist
Die gerade begonnene Rede wird unterbrochen...
(„Schließlich gibt es irgendwo einfaches Leben und Licht...“, 1915)
Die Fähigkeit, Schuld für nicht begangene Verbrechen zu empfinden, die Bereitschaft, für die Sünden anderer zu büßen, charakterisieren die lyrische Heldin von A. Akhmatova als eine „ganzzahlige“ Persönlichkeit, die bereit ist, eine tragische Rolle zu spielen. Nach dem Ersten Weltkrieg und der Revolution, dem Tod von N. Nedobrovo, A. Blok, N. Gumilyov, wird die Situation des Todes eines Liebhabers gesellschaftlich motiviert und im Werk des Dichters verbunden mit: dem Thema des Schicksal einer Generation; Die lyrische Heldin wird mehr als einmal Schuldgefühle für die Verbrechen ihrer Zeit empfinden („Ich rief meine Lieben zum Sterben auf…“, 1921; „Neujahrsballade“, 1922).
In dem Moment, in dem „Welten zusammenbrechen“, weist A. Achmatowa dem Künstler eine besondere Rolle zu. Er muss „überpersönliche Zusammenhänge der Existenz“ (Vyach. Ivanov) entdecken, das Chaos mit der Form besiegen – der Form seines Lebens und seiner Kreativität. A. Achmatowa, die glaubte, dass die Poesie im Leben der Menschen des 20. Jahrhunderts die Rolle eines „großen Trösters in einem Meer der Trauer“ spielen würde, glaubte an die Notwendigkeit der persönlichen Leistung des Dichters, an die „Idealität“ seiner Schicksal. Ihre ständige Sorge um die Biografie der Künstlerin wird heute als Konstruktion eines Mythos bezeichnet – über sich selbst, über Modigliani, über Mandelstam usw. Die Arbeit von A. Akhmatova stellt den Glauben an die moralische Unterstützung der Welt wieder her, die Künstlerin verpflichtet sich, die Geschichte zu rekonstruieren. Bestimmte Dinge und Orte, die mit hellen Ereignissen und unsterblichen Namen verbunden sind, verbinden die Zeit mit der Ewigkeit, in der sich die Vergangenheit im selben „Raum“ mit der Gegenwart und dem Kommenden befindet. In den 1920er Jahren wurde ihre Funktion im Leben und in der Poesie Achmatowas komplexer: Sie dienten nicht nur als Zeichen der Verbindung der Zeiten, sondern rechtfertigten und erfüllten die Welt mit Sinn. Dinge beginnen zu sprechen, wenn Worte die Grenzen des Schweigens erreichen, wenn die Tragödie durch das Grauen zerstört wird. Die „heilige Stadt Petrus“ wird zum „unfreiwilligen Denkmal“ für alle, die in ihrer Heimat unter Resolutionen, Kriegen und Repressionen gelitten haben, und Zarskoje Selo wird als „Kranz“ für tote Dichter wahrgenommen.
Forscher betrachten „Muse“ (1924) als ein bezeichnendes, bahnbrechendes Gedicht, das die Essenz der Entwicklung des Themas des Dichters und der Poesie im postrevolutionären Werk von A. Achmatowa offenbart. Der Zusammenhang zwischen Achmatowas Werk und der „Stimme“ Dantes wurde mehr als einmal erwähnt, doch unserer Meinung nach ist die Anspielung auf Puschkins „Prophet“ im Text nicht weniger wichtig. Auch A. Akhmatova versucht, die Kontinuität und Transtemporalität der Kultur hervorzuheben. Die Muse ist ein Wesen göttlichen Ursprungs, sie stammt aus der Ewigkeit, das solche irdischen Konventionen wie Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft nicht kennt; sie ist wie ein sechsflügeliger Seraph. Man kann kaum zustimmen, dass „in den ersten Zeilen der achtzeiligen „Muse“ von 1924 die Erscheinung eines „süßen Gastes mit einer Pfeife in der Hand“ noch idyllisch trügerisch ist“ und sich in den letzten „ein Abgrund öffnet“. “ (V. Vilenkin), denn das Hauptbild des Gedichts ist nicht „Gast“, sondern die lyrische Heldin, die auf die Muse wartet, die sich in der zweiten Strophe schnell „verwandelt“. Das Werk ist „handlungsbasiert“ und alle wichtigen Strukturkomponenten sowohl der kanonisch-biblischen als auch der Puschkin-Situation sind vorhanden: spirituelle Sehnsucht – das Erscheinen eines Boten – die Entdeckung der Wahrheit. Der Dichter erlebt einen Moment spiritueller Einsicht, Schock.
In der ersten Hälfte des Gedichts schien A. Akhmatova ihr Frühwerk zusammenzufassen, in dem sie die Muse ihre Schwester, Doppelgängerin, Rivalin nannte und sie als süßen, dunkelhäutigen Gast charakterisierte. Eine mysteriöse Kreatur kam, um die Heldin zu foltern, beraubte sie des Glücks des Liebens und Geliebtwerdens und gab ihr die Fähigkeit, etwas zu erschaffen. Die Muse nahm ihr die Freiheit, aber der Mangel an Freiheit, den sie hinterließ, erschien ihr am süßesten. Man kann sagen, dass zwischen der lyrischen Heldin und ihrem Doppelgänger eine „persönliche“ Beziehung entstanden ist. Solchen Gast erwartet der Dichter:
Wenn ich nachts darauf warte, dass sie kommt,
Das Leben scheint am seidenen Faden zu hängen.
Welche Ehre, welche Jugend, welche Freiheit
Vor einem lieben Gast mit einer Pfeife in der Hand.
Und eine Muse erscheint, nicht gleich, nicht süß, nicht wortreich. Sie offenbart dem Dichter nicht einmal die Wahrheit in Worten, wie sie es den Seraphim in A. Puschkins „Prophet“ („Auferstehung“, „sehen“, „hören“, „erfüllt werden“, „brennen“) tut, sondern mit einer Geste („Und dann trat sie ein. Sie warf die Decke zurück und schaute mich aufmerksam an“). Mz "za erscheint unter einem Schleier, wie Beatrice in Dantes Göttlicher Komödie. Schweigen bedeutet, dass sie die Muse der Tragödie ist, dass dort, wo sie herkam, alle vor Trauer schweigen, dass es keinen Kampf mehr zwischen ihr und der lyrischen Heldin geben kann. Die Muse ist jetzt - etwas Überpersönliches, sie wird die Worte „Ich kann nicht“ vom Künstler nicht akzeptieren, sondern eines verlangen: „Ich muss.“ Die Heldin erkennt sie, versteht alles ohne Böses („Ich sage zu ihr: „Hast du Dante die Seiten der Hölle diktiert?“ Antworten: „Ich“).
Zu Beginn der 1920er Jahre wurde klar, dass Achmatowas Heldin sich nicht außerhalb des historischen Koordinatensystems vorstellen konnte. Die Texte des Dichters sind fast immer situativ und autobiografisch, aber durch die moderne Geschichte und das persönliche Leben wird ein gewisser „höherer“ Plan sichtbar, der der Heldin einen „Ausweg“ aus dem Chaos des Geschehens zeigt. „Leere“ und Unbewusstheit stellt der Künstler „ewige“ Bilder und Sujets gegenüber. Allmählich werden christliche Motive und „fremde Stimmen“ aus der nahen und fernen Vergangenheit im Werk von A. Akhmatova noch lauter erklingen und es werden „starke Porträts“ entstehen. Der Dialog zwischen der lyrischen Heldin und der Muse weicht einem Appell an Dante, Shakespeare, Puschkin („Dante“, 1936; „Im vierzigsten Jahr“, 1940; „Puschkin“, 1943). Seit den 1920er Jahren hat A. Akhmatova sorgfältig und professionell ihr Leben und Werk studiert, die Texte übersetzt und kommentiert.
Seit Mitte der 1950er Jahre begann ein „fruchtbarer Herbst“ von Achmatows Texten. Der Dichter untersucht genau die Logik des Schicksals seiner Heldin, die ein halbes Jahrhundert lang historische Ereignisse als Fakten ihrer eigenen Biografie erlebte. Als kompetenter „Achmatow-Gelehrter“ schafft der Dichter eine künstlerische Version des Verständnisses seines Lebensweges und der Entwicklung der Kreativität. Das Bild der Muse zeugt einerseits von der Verbindung des Lebens und Werks des Autors mit den tragischen Ereignissen des 20. Jahrhunderts, es ist gewissermaßen dokumentarisch und politisch („Wem und wann habe ich gesagt …“ .“, 1958; „Meine Muse erwies sich als Mehl...“, 1960; „Als ob Tochter des blinden Ödipus...“, 1960). Die überirdische Natur des ewigen Begleiters der Dichter wird jedoch in jenen Werken betont, in denen sich A. Akhmatova auf das Studium der Psychologie der Kreativität und der Wahrnehmung des Lesers sowie auf das Verständnis der Ergebnisse des persönlichen und kollektiven (kulturellen) Gedächtnisses konzentriert. Die lyrische Heldin erhält einen Doppelgänger, der dem Leser ewig in Erinnerung bleibt; nun ist sie selbst „Stille“, ein Lied, oder vielleicht. Muse eines anderen Dichters („Fast in einem Album“, 1961; „Alles in Moskau ist von Poesie durchdrungen ...“, 1963; „Mitternachtsgedichte“, 1963-1965). Das Bild der Muse in den späten Texten von A. Akhmatova lässt uns also die allmähliche Verlagerung des Interesses des Autors vom Thema Geschichte hin zum Nachdenken über die Zeit als philosophische Kategorie und über das menschliche Gedächtnis als die einzige Möglichkeit, es zu überwinden, erkennen.
Das Bild der Muse in den Texten von A. Blok
Muse Akhmatova blockiert den Text
Nur wenige russische Dichter pflegten ihr Leben und ihr künstlerisches Ideal so sorgfältig wie Alexander Blok. Selbst ein anderer großer Dichter, Alexander Puschkin, kann sich darin vielleicht nicht mit ihm messen. Blok formte sein Ideal sehr früh, füllte es mit tiefem Inhalt und blieb ihm sehr lange treu. Und obwohl sich das ästhetische Erscheinungsbild dieses Ideals im Laufe der Jahre veränderte, blieb sein Wesen unverändert.
Der lyrische Held wird auch zu einem ständigen Bewunderer und Bewunderer der „Herrin des Universums“. Er flüchtet aus der realen Welt der Grausamkeit, Ungerechtigkeit und Gewalt in den überirdischen „Nachtigallgarten“, in die Welt der schönen Dame, die mystisch, unwirklich, voller Geheimnisse und Mysterien ist.
Der Gedichtzyklus beginnt mit der „Einleitung“, in der ein Reisender dargestellt wird, der unaufhaltsam zum Aufenthaltsort der Heldin marschiert. Interessant ist, dass der Dichter sie hier auch in einem russischen Holzturm platziert, der mit Schnitzereien, einem First und einer hohen Kuppel verziert ist. Es scheint mir, dass Blok sich hier auf eine folkloristische Quelle verlässt, auf das Lied: „Meine Freude lebt in einem hohen Turm …“ Erst der Dichter macht aus diesem Lied „Freude“ eine Märchenprinzessin, die er zu schreiben beginnt dieses Wort mit einem Großbuchstaben, und er selbst dringt durch die Flammen eines glühenden Feuers in die Tore eines unzugänglichen Turms ein.
Diese Dame ist sehr vage, ätherisch, es ist schwierig, ihr Gesicht, ihre Figur, ihre Kleidung und ihren Gang zu erkennen. Aber sie ist wunderschön. Nicht umsonst wird dem Wort Lady der entsprechende Beiname vorangestellt. Das Licht, das von ihr ausgeht, ist wunderschön, das Rascheln ihrer Schritte ist geheimnisvoll, die Geräusche ihres Erscheinens sind wunderbar, die Signale ihrer Annäherung sind vielversprechend, die Stimmen, die sie begleiten, sind musikalisch. Generell ist alles, was damit zusammenhängt, vom Geist der Musik erfüllt.
Dieses Bild ist kein Zufall. Schließlich war Blok zu dieser Zeit als Symbolist tätig. Er verwendet keine realistischen Bilder, sondern Symbole. In jedem Symbol steckt etwas von einem Objektbild, aber auch etwas von einem Erkennungszeichen, einem Zeichen, einem Hinweis auf die Bedeutung des Phänomens. Wenn Sie dies verstehen, können Sie im Bild der schönen Dame das Bild der ewigen Weiblichkeit sehen. Dieses Symbol ist fleischlos, aber es hat nichts von Naturalismus, von Vulgarität, von Erdigkeit, es steckt viel Mysteriöses und Erhabenes darin. Deshalb gibt es hier so viele Allegorien, Konventionen und Auslassungen. Betrachten wir, wie sich die Einstellung zu diesem Bild, dem Bild der schönen Dame, der lyrischen Heldin in Bloks Gedichten, verändert. Im „Paradies“ angekommen, erkennt er nicht den ganzen Charme der Dame, seine Gefühle für sie sind noch vage, die Flamme zukünftiger Leidenschaften erwacht erst in der Seele des jungen Romantikers. Er will das Bild der fantastischen Jungfrau verdeutlichen, „verzaubert“ sie:
Tage voller Glück
Ich schätze die Jahre – ruf nicht an...
Gehen bald die Lichter aus?
Verzauberte dunkle Liebe?
Doch schon bald kommt die „Erleuchtung“ von selbst. Der lyrische Held bewundert bereits die Schönheit der schönen Dame und vergöttert sie. Aber dieses Bild ist vage, weil es die Frucht der unaufhörlichen Fantasien des Helden ist. Er erschafft die „Jungfrau vom Regenbogentor“ nur für sich selbst, und in dem mythologisierten Bild sind oft irdische Züge sichtbar:
Dein Gesicht kommt mir so bekannt vor
Es ist, als hättest du mit mir gelebt...
...Ich sehe dein dünnes Profil.
Der junge Mann ist ihr mit seinem ganzen Wesen zugewandt, glücklich nur durch das bloße Bewusstsein, dass sie existiert, all dies gibt ihm eine übersinnliche Wahrnehmung der Welt. Die Beziehung zwischen der schönen Dame und dem Helden „Ich“ – einem irdischen Wesen, dessen Seele nach den Höhen des Himmels strebt, zu dem Einen, der „in der Reihe anderer Leuchten fließt“, ist komplex. Die Prinzessin ist für einen jungen Mann nicht nur ein Objekt der Verehrung und des Respekts, sie faszinierte ihn mit ihrer außergewöhnlichen Schönheit, ihrem überirdischen Charme, und er ist unsterblich in sie verliebt, so sehr, dass er zum Sklaven seiner eigenen Gefühle wird:
Ich bin von deinen Leidenschaften besiegt,
Schwach unter dem Joch.
Manchmal - ein Diener; manchmal - süß;
Und für immer - ein Sklave.
Die erhabene Liebe des lyrischen Helden ist Liebesbewunderung, durch die nur eine zaghafte Hoffnung auf zukünftiges Glück schimmert:
Ich glaube an die Sonne des Bundes,
Ich sehe Morgendämmerungen in der Ferne.
Ich warte auf das universelle Licht
Aus dem Frühlingsland.
Der lyrische Held ist selig und leidet in der Ekstase der Liebe. Die Gefühle sind so stark, dass sie ihn überwältigen und überwältigen, er ist bereit, sogar den Tod demütig hinzunehmen:
Für den kurzen Traum, den ich jetzt habe,
Und es gibt kein Morgen,
Bereit, sich dem Tod zu unterwerfen
Junger Dichter.
Das Leben eines Helden – eines Dichters seiner Muse – ist ein ewiger Impuls und Wunsch für die Weltseele. Und in diesem Impuls vollzieht sich sein spirituelles Wachstum und seine spirituelle Reinigung.
Aber gleichzeitig ist die Idee einer Begegnung mit dem Ideal nicht so strahlend. Es scheint, dass es die Welt und den Helden selbst verändern, die Macht der Zeit zerstören und das Reich Gottes auf Erden schaffen sollte. Doch mit der Zeit beginnt der lyrische Held zu befürchten, dass ihre Wiedervereinigung, also die Ankunft der schönen Dame im wirklichen Leben, in der Realität für ihn zu einer spirituellen Katastrophe werden könnte. Er befürchtet, dass sich die Jungfrau im Moment der Inkarnation in ein irdisches, sündiges Geschöpf verwandeln könnte und ihr „Abstieg“ in die Welt ein Sturz sein wird:
Ich habe ein Gefühl für dich. Die Jahre vergehen –
Alles in einer Form sehe ich Dich ...
Wie klar ist der Horizont: und der Glanz ist nah.
Aber ich habe Angst: Du wirst dein Aussehen verändern.
Und die gewünschte Transformation und die Welt und das „Ich“ des lyrischen Helden finden nicht statt. Nach ihrer Inkarnation erweist sich die schöne Dame als „anders“ – gesichtslos und nicht himmlisch. Nachdem er vom Himmel herabgestiegen ist, aus der Welt der Träume und Fantasien, streicht der lyrische Held die Vergangenheit nicht aus; in seiner Seele singen die Melodien der „Vergangenheit“ noch immer:
Wenn Verzweiflung und Wut vergehen,
Der Schlaf kommt. Und wir schlafen beide tief und fest
An verschiedenen Polen der Erde...
Und ich sehe dein Bild in Träumen, dein Schönes,
Wie wütend und leidenschaftlich er vor der Nacht war,
Wie er für mich war. Sehen:
Du bist immer noch derselbe, der einst blühte.
Das Ergebnis des Aufenthaltes des lyrischen Helden in der Welt der Schönen Dame ist sowohl ein tragischer Zweifel an der Realität des Ideals als auch die Treue zu den strahlenden jugendlichen Hoffnungen auf die zukünftige Fülle von Liebe und Glück, auf die zukünftige Erneuerung der Welt. Die Anwesenheit des Helden in der Welt der schönen Dame und sein Eintauchen in ihre Liebe zwangen den jungen Ritter, selbstsüchtige Bestrebungen aufzugeben, seine Isolation und Trennung von der Welt zu überwinden und ihm den Wunsch zu vermitteln, Gutes zu tun und den Menschen Gutes zu bringen .
Das Thema Kunst in der Poesie der Ära des Symbolismus war eines der führenden. Dem frühen Blok ist dieses Thema nicht fremd:
Die Muse im Frühlingsgewand klopfte an die Tür des Dichters,
In die Dunkelheit der Nacht gehüllt, unklare Reden flüsternd ...
Dieses Gedicht aus dem Jahr 1898 enthält ein sehr interessantes Bild, das wie ein Spiegel den philosophischen Begriff der Symbolik widerspiegelt:
Lass den Körper zerstört werden – die Seele wird über die Wüste fliegen.
Die Seele und der Geist sind hier absolut und ewig, genau wie die Kunst ewig ist. Dieses Gedicht ist sehr charakteristisch für den jungen Blok: Der Dichter ist überzeugt, dass Kunst absolut ist und nur sie in der Lage ist, die Welt zu verbessern. Im Laufe der Jahre wird sich Alexander Bloks Sicht auf die Kunst ernsthaft ändern, und die Russische Revolution von 1905, die „schreckliche Welt“, die in die helle und harmonische Welt des Dichters einbrach, wird dabei eine wichtige Rolle spielen. 1913 schuf Blok das Gedicht „Der Künstler“, das seinen neuen Kunstbegriff widerspiegelte. „Ein leichter, bisher ungehörter Klang“ ist der Beginn kreativer Inspiration, die Stimme von Raum, Zeit und der Muse. Aber der Wortkünstler erlebt keine Freude mehr, weil er gezwungen ist, das in seiner Fantasie entstandene Bild „zu verstehen, zu festigen und zu töten“. Der Dichter wird zum Bildersammler, der Worte in Exponate eines poetischen Panoptikums verwandelt. Diese bittere Arbeit ist aussichtslos:
Flügel werden gestutzt, Lieder werden auswendig gelernt.
Stehen Sie gerne unter dem Fenster?
Dir gefallen die Lieder. Ich bin erschöpft
Ich warte auf etwas Neues – und schon wieder vermisse ich es.
Die Geschichte der irdischen, ganz realen Liebe entwickelt sich in Bloks Werk zu einem romantisch-symbolischen mystisch-philosophischen Mythos. Es hat ein eigenes Grundstück und ein eigenes Grundstück. Die Grundlage der Handlung ist, dass das „Irdische“ (der lyrische Held) und das Himmlische (die Schöne Dame) einander gegenüberstehen und gleichzeitig nach Einheit, einem „Treffen“ streben, das die Transformation der Welt markieren wird. völlige Harmonie. Die lyrische Handlung verkompliziert und dramatisiert die Handlung. Von Gedicht zu Gedicht ändert sich die Stimmung des Helden: Helle Hoffnungen weichen Zweifeln, die Erwartung der Liebe – die Angst vor ihrem Zusammenbruch, der Glaube an die Unveränderlichkeit der Erscheinung der Jungfrau – die Angst, sie zu verlieren („Aber ich' „Ich fürchte, du wirst dein Aussehen verändern“). Jahre vergehen, und Bloks Lady, die ihr Aussehen verändert und dem seltsamen Einfluss der schrecklichen Realität ausgesetzt ist, durchläuft die Zyklen „Stadt“, „Schneemaske“, „Faina“, „Carmen“, „Yamba“. Aber jedes Mal wird sie auf ihre eigene Weise schön sein, denn sie wird immer den Glanz von Bloks Ideal in sich tragen.
Abschluss
Das Silberne Zeitalter begann mit der russischen Symbolik um die Jahrhundertwende und wurde sofort als Dekadenz, also Niedergang, wahrgenommen. Von den ersten Schritten an begann der Kampf gegen die Dekadenz, die Überwindung der Dekadenz, die Leugnung der Dekadenz. Symbolismus wurde im Westen ähnlich wahrgenommen. Niedergang – in Bezug auf was? In Bezug auf die klassische Tradition und gesellschaftliche Aufgaben der Kunst. Die Diskussionen waren sehr hitzig und im Hinblick auf die Entwicklung künstlerischer Ideen natürlich. Doch später erlangte der Begriff als Synonym für reaktionäre Kunst (bürgerlich) eine negativ ideologische Bedeutung ;verfallen usw.). Die künstlerische Argumentation hat ihre Bedeutung verloren, ist aber für das Verständnis des Prozesses selbst unbedingt notwendig.
Die synkretistische Kultur des frühen 20. Jahrhunderts, die auf literarischer Symbolik basierte, war von neuen Trends in der Entwicklung der Künste geprägt, die sich in der Entstehung synthetisierter Formen künstlerischen Schaffens manifestierten. Trotz aller umstrittenen theoretischen Grundlagen des Symbolismus war die von ihm geschaffene neue Kultur in ihren Bestrebungen immer noch reformistisch. Der Wunsch, neue Gesetze für eine Form zu finden, die eine neue Ästhetik zum Ausdruck bringt, einte die Symbolisten auf der Suche nach Möglichkeiten für die Synthese von Poesie und anderen Künsten. Bei der Bestimmung der Eigenschaften und Muster der Interaktion zwischen verschiedenen Arten von Künsten wurde der Musik die dominierende Rolle zugeschrieben. In Anknüpfung an die Erfahrung des französischen Symbolismus „testen“ Dichter die Lyrik, indem sie sie in einer rhythmisch-intonatorischen Struktur in die Musik bringen – in dem, was das musikalische Element der Sprache ausmacht. „Musikalität“ wird zur wichtigsten ästhetischen Kategorie in der Poetik des Symbolismus, und Musik wird zur rhythmisch-intonatorischen und figurativ-thematischen Grundlage poetischer Werke. Oft werden sie einfach als Musikwerke bezeichnet – Präludien, Menuette, Lieder, Sonaten, Sinfonien
Liste der verwendeten Literatur
1.Achmatowa A.A. Op. in zwei Bänden / Forts. Art., Komp., Anmerkung. MM. Kralina. T. 2. - M.: Zitadelle, 1997.
2.Achmatowa A. Gesammelte Werke: In 6 Bänden / Zusammengestellt, vorbereitet, Text, Kommentar. und Artikel von N.V. Königin. - M.: Ellis Luck, 1998-2002
.Beketova M. Alexander Blok, Hrsg. 2. L., „Academia“, 1930, 236 S.
.Blok Alexander. Gesammelte Werke in acht Bänden. T. 3. M.-L., Goslitizdat, 1960-1963, 589 S.
.Vilenkin V.Ya. Im einhundertersten Spiegel (Anna Achmatowa). - M.: Sov. Schriftsteller, 1990. Ed. 2., ergänzt.
.Gumilev N.S. Sammlung op.: In 3 Bänden / Intro. Art., Komp., Anmerkung. AUF DER. Bogomolow. T. 3. - M.: Khudozh. lit., 1991.
.Mayakovsky V. Sämtliche Werke, Bd. 1. M., GIHL, 1955, 670 S.
.Piast V. Erinnerungen an Blok. P., „Atheneum“, 1923, 297 S.
.Razmakhnina V.K. Silbernes Zeitalter. Essays zum Lernen. Krasnojarsk, 1993. - 190 S.
.Toporov V. Über die Echos der westeuropäischen Poesie in Achmatowa // Slawische Poetik. Essays zu Ehren von Kiril Taranovsky. - Mouton (Den Haag-Paris), 1973. - S. 467-475.
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In Fortsetzung der Traditionen von A. S. Puschkin widmete N. A. Nekrasov sein Werk dem Volk. Er selbst schrieb über sich selbst: „Die Leier habe ich meinem Volk gewidmet.“ Aber im Gegensatz zu Puschkin und anderen Dichtern dieser Zeit hat Nekrasov seine eigene, besondere Muse. Sie ist nicht wie die kultivierten Damen der Gesellschaft, die die Dichter jener Zeit inspirierten. Sie erscheint vor uns im Bild eines einfachen Bauernmädchens, einer Frau.
Im Jahr 1848, ganz am Anfang seiner kreativen Karriere, schrieb Nekrasov ein wunderbares Gedicht „Gestern um sechs Uhr …“, das er einem Bauernmädchen widmete, das öffentlich grausamen und schändlichen Strafen ausgesetzt war. Dies ist die Muse der Armen, gedemütigt, aber stolz und schön.
Natürlich konnte Nekrasov dieses Gedicht über eine junge Bäuerin, die auf dem Senatsplatz in St. Petersburg bestraft wurde, aber stoisch der gnadenlosen Repressalien standhielt und vom Dichter als Muse bezeichnet wurde, nicht veröffentlichen. Mit Bleistift auf ein Blatt Papier geschrieben, lag es 25 Jahre lang auf dem Tisch, bevor Nekrasov es in das Album seines Freundes schrieb. Und es wurde zehn Jahre später, nach dem Tod des Dichters, veröffentlicht.
Aber es war das Bild dieses Mädchens, das Nekrasov während seines gesamten Schaffens begleitete und zu seiner wahren Muse wurde.
Die gesamte Struktur des Gedichts ist frei von jeglichem Pathos. Die erste Zeile „gestern um sechs“ betont die Modernität der Handlung. Das Ereignis ist gerade passiert und der Dichter ist davon beeindruckt. Die zweite Zeile „Ich ging nach Sennaya“ gibt den Ort der Handlung an, und das Verb „ging“ betont, dass der lyrische Held nicht absichtlich dorthin gegangen ist, sondern zufällig dort gelandet ist.
Die Hinrichtung selbst konnte jedoch 1848 nicht auf dem Senate Square stattgefunden haben, da solche Dinge normalerweise auf dem Trinity Square oder dem Horse Square vollstreckt wurden, wo ein spezielles Gerüst für sie errichtet wurde. Aber Hinrichtungen, auch von Frauen, wurden in St. Petersburg tatsächlich durchgeführt, allerdings nicht mit der Peitsche. Und mit einer Peitsche. Warum hat sich Nekrasov für dieses Folterinstrument entschieden?
Die Handlung des Gedichts entfaltet sich weniger im konkreten Alltag als vielmehr auf der symbolischen Ebene. Der Sennaja-Platz wurde nicht zufällig ausgewählt – es war der demokratischste Ort in der Hauptstadt. Und die Peitsche wurde zum Symbol beschämender und demütigender Bestrafung. Die Bauernmuse wird zum Symbol des gedemütigten und versklavten Russlands.
Auch das Bild einer Bäuerin wählte der Dichter nicht zufällig für seine Muse. Nekrasov ist ein Nationaldichter, er liebte Russland von ganzem Herzen, und Russland wurde immer mit einer Frau, mit einer Mutter in Verbindung gebracht. Darüber hinaus war die Stellung der Frauen in Russland, insbesondere der Bäuerinnen, schon immer rechtlos. Nekrasov schätzte die Geduld und den Stolz einer Frau sehr. Die gedemütigte und misshandelte Bauernmuse weint nicht, bittet nicht um Gnade. Sie erlebt stoisch Schmerz und Scham. Doch gerade diese stoische Geduld klingt wie eine gewaltige Anklage gegen eine Gesellschaft, in der grausamer und schändlicher Umgang mit Frauen die Norm war.
Das Bild einer gedemütigten, aber nicht vom Leid gebrochenen Bäuerin beschäftigte den Dichter während seines gesamten Schaffens. Das Bild einer Bäuerin wird in Gedichten wie „Hausierer“ und „Frost, rote Nase“ dargestellt. In jedem dieser Gedichte wird dem Leser eine starke weibliche Figur präsentiert, die in der Lage ist, alle Widrigkeiten des Lebens zu überstehen und mit erhobenem Kopf aus der demütigendsten Situation hervorzugehen.
Die lebhaftesten Reflexionen über die russische Frau spiegeln sich im Bild von Matrjona Timofejewna im Gedicht „Wer lebt gut in Russland?“ wider. Nekrasov sah in einer Frau nicht nur ein unterdrücktes und machtloses Wesen. Nicht unter dem Joch ihres Mannes, ihrer Schwiegermutter und dem ganzen schwierigen Schicksal der Bäuerin zu brechen, war nach Meinung von Nekrasov eine echte Leistung. Es ist kein Zufall, dass er über Matrjona folgende Zeilen schrieb: „In russischen Dörfern gibt es Frauen.“ Matryona verkörpert die besten Charaktereigenschaften einer russischen Frau. Er schafft das Bild einer „stattlichen slawischen Frau“, einer Bäuerin aus dem zentralrussischen Streifen, ausgestattet mit zurückhaltender und strenger Schönheit, erfüllt von Selbstwertgefühl. Die Geschichte über das Schicksal von Matrjona Timofejewna ist nicht nur eine Geschichte über ihr Schicksal. Die Stimme von Matryona ist die Stimme des gesamten Volkes, aller Bäuerinnen Russlands. Daher singt sie in dem Gedicht häufiger als sie erzählt, und sie singt Lieder, die Nekrasov nicht speziell für sie erfunden hat, sondern die er der Folklore entnommen hat.
Aber nicht nur einfache Bäuerinnen konnten zu Nekrasovs Musen werden. In den Gedichten „Prinzessin Trubetskaya“ und „Prinzessin Volkonskaya“ setzt der Dichter seine Gedanken über den Charakter einer russischen Frau fort. Doch nun werden hier Frauen aus dem Adelskreis verherrlicht, und es wird deutlich, dass nicht nur Bäuerinnen zu großen Taten fähig sind. Jede russische Frau ist bereit, für die Person, die sie liebt, alles zu tun, sie ist zu ihrem eigenen Glück und Wohlbefinden fähig. Die Heldinnen beider Gedichte leisten harte Arbeit, um ihre dekabristischen Ehemänner abzuholen. Ihre Charaktere reifen und werden durch Begegnungen und Zusammenstöße mit verschiedenen Menschen auf ihrer langen Reise stärker. Das psychologische Duell zwischen Prinzessin Trubetskoy und dem Gouverneur von Irkutsk ist voller intensiver Dramatik. Unterwegs wächst das Selbstbewusstsein von Prinzessin Volkonskaya.
Indem er über das Schicksal russischer Frauen nachdachte, machte Nekrasov seine Muse zu einer Frau mit starkem Geist, die in der Lage war, viele Härten ihres Schicksals zu ertragen, die niemals brechen oder vor ihren Unterdrückern niederknien würde.
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Einführung
Im Laufe des Vierteljahrhunderts ihrer Entwicklung (1892-1917) brachten die nichtrealistischen literarischen Bewegungen eine Reihe bedeutender Talente hervor, deren Werke die wesentlichen Merkmale des künstlerischen Bewusstseins der Zeit zum Ausdruck brachten und einen einzigartigen Beitrag zur russischen und weltweiten Poesie leisteten Prosa. Wie das gesamte spirituelle Leben Russlands während der Zeit der drei Revolutionen waren diese Bewegungen von einer angespannten, konfliktreichen Dynamik geprägt. Sie wurde durch den Widerspruch zwischen ästhetischem Individualismus und gesellschaftlichen Ansprüchen bestimmt. Gleichzeitig überwog der seit langem gehegte Gedanke des russischen Schriftstellers über soziale Harmonie und einen freien Menschen, egal welche utopischen Formen dieser Gedanke manchmal annahm.
Unter den russischen nichtrealistischen Bewegungen – Symbolismus, Akmeismus, Futurismus – war der Symbolismus die erste und bedeutendste in Bezug auf künstlerische Ergebnisse. Es entstand am Wendepunkt von der Zeitlosigkeit der 80er Jahre zum gesellschaftspolitischen Aufstieg der 90er Jahre. Im Jahr 1892 forderte D. Merezhkovsky in einem Vortrag „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ dazu auf, ihren Inhalt mit einer mystischen Idee zu bereichern und die Poetik mit Hilfe symbolischer Formen und des Impressionismus zu aktualisieren. Zur gleichen Zeit erschien Merezhkovskys Gedichtband „Symbole“; ihr gegenüber leitete er Goethes Worte über das Vergängliche als Symbol des Ewigen ein. 1894-1895 Es erschienen drei Ausgaben von Bryusovs sensationeller Sammlung „Russische Symbolisten“, die die Theorie neuer Texte und ihre Beispiele demonstrierten.
Das Bild der Muse in den Texten von A. Akhmatova
Im Jahr 1940 bemerkte A. Akhmatova im Gespräch mit L. Chukovskaya: „... Um zum Wesentlichen zu gelangen, muss man die Nester sich ständig wiederholender Bilder in den Gedichten des Dichters studieren – in ihnen liegt die Persönlichkeit des Autors und der Geist von.“ seine Poesie.“ In den Texten von A. Akhmatova taucht immer wieder das Bild der Muse auf – „Schwester“, „Doppelgängerin“, „Ausländerin“, „Henkerin“; „seltsam“, „schlank“, „dunkel“, „einen löchrigen Schal tragend“, „spöttisch“. Er offenbart uns die ethischen und ästhetischen Einstellungen des Dichters in verschiedenen Jahren: die Suche nach „seiner“ Stimme und die Fortsetzung der Tradition der jungen A. Akhmatova, anschließend das Bewusstsein für die Bedeutung des bürgerlichen Themas und, zusammenfassend die Ergebnisse seiner Arbeit, das Verständnis des Autors für die Tatsache, dass sein eigenes Bild und Schicksal in den Spiegeln der Kunst festgehalten werden. In der Poesie von A. Akhmatova ist das Motiv des Doppelgängers wichtig, verbunden mit dem Thema Kreativität und der Entstehung tragischen Pathos.
Die lyrische Heldin des Gedichts „Muse“ (1911) kontrastiert sich mit allen „Mädchen, Frauen, Witwen“, denen die Möglichkeit gegeben wird, gewöhnliches weibliches Glück zu erleben. Der Zustand der Unfreiheit („nicht diese Fesseln“) der Heldin entsteht aus der Notwendigkeit, eine Wahl zwischen Liebe und Kreativität zu treffen. Die Musenschwester nimmt ihren Ring („das erste Frühlingsgeschenk“, „Geschenk Gottes“) ab, der ein Symbol der gesegneten irdischen Liebe ist. Der himmlische Bote gibt dem Künstler schöpferische Kraft, nimmt ihm aber im Gegenzug die Möglichkeit, sich auf die Fülle des Lebens selbst zu konzentrieren, das zur Hauptquelle poetischer Fantasie wird.
Morgen werden mir die Spiegel lachend sagen:
„Dein Blick ist nicht klar, nicht hell ...“
Ich werde leise antworten: „Sie hat weggenommen
Gottes Geschenk."
Das Gedicht „Dreimal kam ich zur Folter …“ (1911) hieß im Entwurf des Autographs „Double“. Diejenige, die zur Folter kam, wird nicht Muse genannt, aber mit ihr wird in Achmatows frühen Gedichten das Motiv des Doppelgängers in Verbindung gebracht. Für die lyrische Heldin ist irdische Freude unmöglich, aber was noch schrecklicher ist, ist, dass ihre Liebe ihrer Geliebten den Tod bringt. Moralische Schuld entsteht in der Seele einer Dichterin ohne objektiven Grund; in dem Gedicht gibt es nur eine Andeutung einer Vorahnung, dass eine Strafe für ein sündiges Handwerk folgen wird.
Oh, du hast nicht umsonst gelacht,
Meine unverzeihliche Lüge! .
Aus dem Frühwerk von A. Achmatowa hob sie besonders das Gedicht „Ich bin gekommen, um dich zu ersetzen, Schwester ...“ (1912) hervor und sagte, dass sie es selbst nicht vollständig verstanden habe, obwohl „es sich als prophetisch herausstellte“. Das Werk besteht aus zwei durch Anführungszeichen gekennzeichneten Monologen und einem kleinen „Nachwort“. Die Muse kommt zur Heldin, um ihr das irdische Glück zu nehmen, das allen außer dem Künstler zugänglich ist. Poesie ist mit dem Gefühl eines „hohen Feuers“ verbunden: Damit ein Gedicht entstehen kann, muss der Dichter die Liebe verlieren, leiden und brennen. A. Akhmatova schrieb über die Verbindung zwischen dem Persönlichen und dem Universellen in der Kreativität: „Es gibt eine Hoffnung weniger, / Es wird noch ein Lied geben.“ Für die Poesie ist Liebe nicht länger ein „Lagerfeuer“, das von einer Person bewacht wird, sondern ein „weißes Banner“, ein „Leuchtfeuer“, das für alle brennt und den Menschen den Weg weist. Der Künstler empfindet die Geburt eines Liedes als einen Bestattungsritus für sich und seine Gefühle. Die Schwestermuse tritt an die Stelle der leidenden Frau, wird ihr Doppelgänger, lebt ihr Leben:
Meine Kleidung anziehen
Vergiss meine Sorgen
Lassen Sie den Wind mit Ihren Locken spielen.
Die Heldin überlässt der Muse klaglos ihr „Lagerfeuer“, weil sie versteht: Das Schlimmste für sie ist „Stille“. In der letzten Strophe verschmelzen die Bilder subtil miteinander; Es gibt nur einen Weg – das Schicksal des Künstlers, der auf persönliches Glück verzichtet, um anderen den Weg zu erhellen:
Und alles schien ihr wie eine Flamme
Nah... die Hand hält das Tamburin.
Und sie ist wie ein weißes Banner
Und sie ist wie das Licht eines Leuchtturms.
Das Bild der Muse in der Poesie von A. Achmatowa veränderte sich. In den Gedichten der zweiten Hälfte der 1910er Jahre wird eine „kaum hörbare“ Stimme zum charakteristischen Detail ihres Porträts; Gesang „langweilig“ und „traurig“, löchriges Taschentuch; „erschöpft“, gesenkter „in einem dunklen Kranz“-Kopf. Bemerkenswert ist N. Gumilevs Rezension des Gedichts „Schließlich gibt es irgendwo einfaches Leben und Licht...“: „... Aber die letzte Strophe ist großartig; nur [ist das nicht] ein Tippfehler? - „Die Stimme der Muse ist kaum hörbar…“ Natürlich hätte man sagen sollen „deutlich oder deutlich hörbar“. Oder noch besser: „bisher gehört“. Die Muse, die Dantes Inferno diktierte, streng, schweigsam und stark, wird später, erst Mitte der 1920er Jahre, in den Texten von A. Akhmatova auftauchen. Das Bild eines Doppelgängers, der seine Macht verliert und die lyrische Heldin zurücklässt („Warum tust du so, als ob…“, 1915; „Die Muse ging auf der Straße…“, 1915; „Alles wurde weggenommen: sowohl Kraft als auch Liebe...“ , 1916), gibt dem Dichter die Möglichkeit, fast „greifbares“ menschliches Leid zu vermitteln und zugleich eine Vorahnung noch schrecklicherer historischer Veränderungen. Der „rücksichtslose“ Wind der Zeit hat bereits begonnen, die Stimmen des Lebens abzuschneiden.
Und wir leben feierlich und schwierig
Und wir ehren die Rituale unserer bitteren Treffen,
Wenn der Wind rücksichtslos ist
Die gerade begonnene Rede wird unterbrochen...
(„Schließlich gibt es irgendwo einfaches Leben und Licht...“, 1915)
Die Fähigkeit, Schuld für nicht begangene Verbrechen zu empfinden, die Bereitschaft, für die Sünden anderer zu büßen, charakterisieren die lyrische Heldin von A. Akhmatova als eine „ganzzahlige“ Persönlichkeit, die bereit ist, eine tragische Rolle zu spielen. Nach dem Ersten Weltkrieg und der Revolution, dem Tod von N. Nedobrovo, A. Blok, N. Gumilyov, wird die Situation des Todes eines Liebhabers gesellschaftlich motiviert und im Werk des Dichters verbunden mit: dem Thema des Schicksal einer Generation; Die lyrische Heldin wird mehr als einmal Schuldgefühle für die Verbrechen ihrer Zeit empfinden („Ich rief meine Lieben zum Sterben auf…“, 1921; „Neujahrsballade“, 1922).
In dem Moment, in dem „Welten zusammenbrechen“, weist A. Achmatowa dem Künstler eine besondere Rolle zu. Er muss „überpersönliche Zusammenhänge der Existenz“ (Vyach. Ivanov) entdecken, das Chaos mit der Form besiegen – der Form seines Lebens und seiner Kreativität. A. Achmatowa, die glaubte, dass die Poesie im Leben der Menschen des 20. Jahrhunderts die Rolle eines „großen Trösters in einem Meer der Trauer“ spielen würde, glaubte an die Notwendigkeit der persönlichen Leistung des Dichters, an die „Idealität“ seiner Schicksal. Ihre ständige Sorge um die Biografie der Künstlerin wird heute als Konstruktion eines Mythos bezeichnet – über sich selbst, über Modigliani, über Mandelstam usw. Die Arbeit von A. Akhmatova stellt den Glauben an die moralische Unterstützung der Welt wieder her, die Künstlerin verpflichtet sich, die Geschichte zu rekonstruieren. Bestimmte Dinge und Orte, die mit hellen Ereignissen und unsterblichen Namen verbunden sind, verbinden die Zeit mit der Ewigkeit, in der sich die Vergangenheit im selben „Raum“ mit der Gegenwart und dem Kommenden befindet. In den 1920er Jahren wurde ihre Funktion im Leben und in der Poesie Achmatowas komplexer: Sie dienten nicht nur als Zeichen der Verbindung der Zeiten, sondern rechtfertigten und erfüllten die Welt mit Sinn. Dinge beginnen zu sprechen, wenn Worte die Grenzen des Schweigens erreichen, wenn die Tragödie durch das Grauen zerstört wird. Die „heilige Stadt Petrus“ wird zum „unfreiwilligen Denkmal“ für alle, die in ihrer Heimat unter Resolutionen, Kriegen und Repressionen gelitten haben, und Zarskoje Selo wird als „Kranz“ für tote Dichter wahrgenommen.
Forscher betrachten „Muse“ (1924) als ein bezeichnendes, bahnbrechendes Gedicht, das die Essenz der Entwicklung des Themas des Dichters und der Poesie im postrevolutionären Werk von A. Achmatowa offenbart. Der Zusammenhang zwischen Achmatowas Werk und der „Stimme“ Dantes wurde mehr als einmal erwähnt, doch unserer Meinung nach ist die Anspielung auf Puschkins „Prophet“ im Text nicht weniger wichtig. Auch A. Akhmatova versucht, die Kontinuität und Transtemporalität der Kultur hervorzuheben. Die Muse ist ein Wesen göttlichen Ursprungs, sie stammt aus der Ewigkeit, das solche irdischen Konventionen wie Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft nicht kennt; sie ist wie ein sechsflügeliger Seraph. Man kann kaum zustimmen, dass „in den ersten Zeilen der achtzeiligen „Muse“ von 1924 die Erscheinung eines „süßen Gastes mit einer Pfeife in der Hand“ noch idyllisch trügerisch ist“ und sich in den letzten „ein Abgrund öffnet“. “ (V. Vilenkin), denn das Hauptbild des Gedichts ist nicht „Gast“, sondern die lyrische Heldin, die auf die Muse wartet, die sich in der zweiten Strophe schnell „verwandelt“. Das Werk ist „handlungsbasiert“ und alle wichtigen Strukturkomponenten sowohl der kanonisch-biblischen als auch der Puschkin-Situation sind vorhanden: spirituelle Sehnsucht – das Erscheinen eines Boten – die Entdeckung der Wahrheit. Der Dichter erlebt einen Moment spiritueller Einsicht, Schock.
In der ersten Hälfte des Gedichts schien A. Akhmatova ihr Frühwerk zusammenzufassen, in dem sie die Muse ihre Schwester, Doppelgängerin, Rivalin nannte und sie als süßen, dunkelhäutigen Gast charakterisierte. Eine mysteriöse Kreatur kam, um die Heldin zu foltern, beraubte sie des Glücks des Liebens und Geliebtwerdens und gab ihr die Fähigkeit, etwas zu erschaffen. Die Muse nahm ihr die Freiheit, aber der Mangel an Freiheit, den sie hinterließ, erschien ihr am süßesten. Man kann sagen, dass zwischen der lyrischen Heldin und ihrem Doppelgänger eine „persönliche“ Beziehung entstanden ist. Solchen Gast erwartet der Dichter:
Wenn ich nachts darauf warte, dass sie kommt,
Das Leben scheint am seidenen Faden zu hängen.
Welche Ehre, welche Jugend, welche Freiheit
Vor einem lieben Gast mit einer Pfeife in der Hand.
Und eine Muse erscheint, nicht gleich, nicht süß, nicht wortreich. Sie offenbart dem Dichter nicht einmal die Wahrheit in Worten, wie sie es den Seraphim in A. Puschkins „Prophet“ („Auferstehung“, „sehen“, „hören“, „erfüllt werden“, „brennen“) tut, sondern mit einer Geste („Und dann trat sie ein. Sie warf die Decke zurück und schaute mich aufmerksam an“). Mz "za erscheint unter einem Schleier, wie Beatrice in Dantes Göttlicher Komödie. Schweigen bedeutet, dass sie die Muse der Tragödie ist, dass dort, wo sie herkam, alle vor Trauer schweigen, dass es keinen Kampf mehr zwischen ihr und der lyrischen Heldin geben kann. Die Muse ist jetzt - etwas Überpersönliches, sie wird die Worte „Ich kann nicht“ vom Künstler nicht akzeptieren, sondern eines verlangen: „Ich muss.“ Die Heldin erkennt sie, versteht alles ohne Böses („Ich sage zu ihr: „Hast du Dante die Seiten der Hölle diktiert?“ Antworten: „Ich“).
Zu Beginn der 1920er Jahre wurde klar, dass Achmatowas Heldin sich nicht außerhalb des historischen Koordinatensystems vorstellen konnte. Die Texte des Dichters sind fast immer situativ und autobiografisch, aber durch die moderne Geschichte und das persönliche Leben wird ein gewisser „höherer“ Plan sichtbar, der der Heldin einen „Ausweg“ aus dem Chaos des Geschehens zeigt. „Leere“ und Unbewusstheit stellt der Künstler „ewige“ Bilder und Sujets gegenüber. Allmählich werden christliche Motive und „fremde Stimmen“ aus der nahen und fernen Vergangenheit im Werk von A. Akhmatova noch lauter erklingen und es werden „starke Porträts“ entstehen. Der Dialog zwischen der lyrischen Heldin und der Muse weicht einem Appell an Dante, Shakespeare, Puschkin („Dante“, 1936; „Im vierzigsten Jahr“, 1940; „Puschkin“, 1943). Seit den 1920er Jahren hat A. Akhmatova sorgfältig und professionell ihr Leben und Werk studiert, die Texte übersetzt und kommentiert.
Seit Mitte der 1950er Jahre begann ein „fruchtbarer Herbst“ von Achmatows Texten. Der Dichter untersucht genau die Logik des Schicksals seiner Heldin, die ein halbes Jahrhundert lang historische Ereignisse als Fakten ihrer eigenen Biografie erlebte. Als kompetenter „Achmatow-Gelehrter“ schafft der Dichter eine künstlerische Version des Verständnisses seines Lebensweges und der Entwicklung der Kreativität. Das Bild der Muse zeugt einerseits von der Verbindung des Lebens und Werks des Autors mit den tragischen Ereignissen des 20. Jahrhunderts, es ist gewissermaßen dokumentarisch und politisch („Wem und wann habe ich gesagt …“ .“, 1958; „Meine Muse erwies sich als Mehl...“, 1960; „Als ob Tochter des blinden Ödipus...“, 1960). Die überirdische Natur des ewigen Begleiters der Dichter wird jedoch in jenen Werken betont, in denen sich A. Akhmatova auf das Studium der Psychologie der Kreativität und der Wahrnehmung des Lesers sowie auf das Verständnis der Ergebnisse des persönlichen und kollektiven (kulturellen) Gedächtnisses konzentriert. Die lyrische Heldin erhält einen Doppelgänger, der dem Leser ewig in Erinnerung bleibt; nun ist sie selbst „Stille“, ein Lied, oder vielleicht. Muse eines anderen Dichters („Fast in einem Album“, 1961; „Alles in Moskau ist von Poesie durchdrungen ...“, 1963; „Mitternachtsgedichte“, 1963-1965). Das Bild der Muse in den späten Texten von A. Akhmatova lässt uns also die allmähliche Verlagerung des Interesses des Autors vom Thema Geschichte hin zum Nachdenken über die Zeit als philosophische Kategorie und über das menschliche Gedächtnis als die einzige Möglichkeit, es zu überwinden, erkennen.
Über die Heldin von „Troika“ lässt sich zum Beispiel viel sagen. Weder ihr romantisches Porträt noch die naturalistische Beschreibung ihres Schicksals enthielten an sich Poesie mit ausgeprägter nationaler Bedeutung. Aber Nekrasov umgab sein frühes Bild mit solchen lyrischen Motiven, in denen der unmittelbare inhaltliche Inhalt durch die Symbolik der nationalen Existenz fast verdeckt wurde. In diesem Sinne wurden Straßenmotive und das Bild der Troika in Nekrasovs Gedicht aufgenommen. Das Licht dieser Symbolik gab der Heldin der „Troika“ eine Poesie, die unermesslich höher war als das, was in romantischer Lyrik oder im Gesellschafts- und Alltagsdrama enthalten sein könnte. Im weiblichen Bild der Dichterin entstand eine nationale Personifikation, die später von der gesamten figurativen Welt der Poesie Nekrasovs anerkannt wurde.
Nekrasov erhebt das Bild des Lebens zur höchsten poetischen Verallgemeinerung und behält gleichzeitig einen intimen Ton bei. Es gibt keine Barrieren zwischen der „jungen Bäuerin“ und der Muse; sie sind dem Dichter gleichermaßen lieb und nahe. Ihre Gemeinsamkeit wird zum einen dadurch betont, dass die Gedichte über die Bäuerin und die Muse die Vierzeiler abschließen und klar aufeinander bezogen sind, und zum anderen durch den ebenso umgekehrten Satzbau („junge Bäuerin“ – „ deine liebe Schwester“). Schließlich steht die Dramatik des zweiten Teils in scharfem Kontrast zur Alltäglichkeit des ersten, was einen neuen poetischen Funken entfacht und viele völlig unkonventionelle reale und poetische Assoziationen entstehen lässt. Nekrasov konnte in einem kurzen Gedicht sagen, dass seine Muse die Schwester einer gedemütigten und leidenden Bäuerin ist, dass sie über die Traurigkeit des Volkes traurig ist, dass sie auch Folter, Zensur und anderen Verfolgungen sowie körperlicher Gewalt ausgesetzt ist. dass sie genauso machtlos ist wie die Bäuerin, dass er, Nekrasov, der Dichter des Volkes ist, weil die Bäuerin das ganze Volk symbolisiert.
Es kam selten vor, dass sich ein Dichter nicht an seine Muse wandte, die mal als verspielte, fröhliche „Bacchantin“, mal nachdenklich, mal frei und verspielt, mal streng und wütend auftrat. Die Gesichter der Musen in der russischen Poesie sind unendlich vielfältig. In Nekrasovs Kurzgedicht entstand ein völlig neues Bild.
Bemerkenswert ist hier auch die Ersetzung des Wortes „Peitsche“ durch „Geißel“. Noch unerwarteter erscheint die Muse sofort als eine bestimmte Person, an die sich der Dichter mit sehr wichtigen und auch unerwarteten Worten wendet: „Schau! Deine liebe Schwester! So entsteht die Blutsverwandtschaft zwischen der Muse des Dichters und der Bäuerin.
Doch das Duell zwischen Dichter und Muse führte nicht zum Bruch – im Drama des Kampfes entstand eine „starke und blutige Vereinigung“. Der Dichter lehrte die Muse, sich nicht zu demütigen, nicht im Zorn nachzulassen, alles zu überwinden und alles zu verzeihen. Dieser Farbton findet sich auch im Gedicht „Gestern, gegen sechs Uhr ...“. Es kommt in dem befehlenden Ton zum Ausdruck, mit dem der Dichter sie anredete: „Schau!“ Hier gibt es eine Warnung: Führe mich nicht auf den falschen Weg, mach mich nicht schwach, denn was du siehst, kann nicht vergeben werden. Aber die traurige Muse brachte dem Dichter auch ein Lied bei:
Die dramatische, komplexe Kommunikation zwischen dem Dichter und der Muse betrachtet Nekrasov als eine ständige Konfrontation zweier gleichberechtigter Kräfte, deren starkes und blutiges Bündnis auf der Unausweichlichkeit des Leidens der Menschen und der Notwendigkeit, darüber zu sprechen, beruht.
Und die Beziehung zwischen der Muse und der Dichterin entwickelte sich dramatisch: Ihre Melodie war voller Melancholie und „ewiger Klage“. Manchmal weinte sie oder stieß ausgelassene Lieder aus, manchmal drängte sie sie zur Rache. Manchmal flüsterte sie demütig über mich: „Lebe wohl, deine Feinde!“ Damals, um es mit den offenen Worten des Dichters zu sagen, nahm die „ungeliebte“ Muse – weil es schwierig ist, solch ein ewig verstörendes, herzzerreißendes Stöhnen zu lieben, das unfreundlich ist und das Ohr nicht mit harmonischen Klängen erfreut – dennoch Besitz von der Seele von der Dichter, der, ohne seinem „harschen Gesänge“ und Weinen nachzugeben, einen „erbitterten Kampf“ mit ihr begann.
