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Die Eremitage öffnet Räume, die bisher für Besucher nicht zugänglich waren. Der Gast des Raumes ist das State Hermitage Museum

Die Abteilung besteht aus zwei Sektoren: dem Sektor des antiken Griechenlands und Roms und dem Sektor der nördlichen Schwarzmeerregion. Die Sammlungen der Abteilung umfassen über 170.000 Objekte. Die Abteilung hat dreißig Mitarbeiter. Abteilungsleiterin: Anna Trofimova.

Die Halle des Herkules

Im Lesesaal der Bibliothek

Das Büro des Leiters der Antikenabteilung

Die Bibliothek der Antikenabteilung

Depot der Altertumsabteilung. Keramik aus den Ausgrabungen im antiken Pantikapaion (heutiges Kertsch)

Die Ausstellung der Halle der nördlichen Schwarzmeerregion

Die Ausstellung der Halle des Hellenismus

Die Halle des Augustus

Die Abteilung für Antike ist eine der ältesten in der Eremitage. Ab 1805 gehörten Antikensammlungen und ein Konservatorenstab zu den Abteilungen I und II der Kaiserlichen Eremitage. Nach einer Personalreform von 1863 wurde eine neue Altertumsabteilung gegründet. 1919 wurde sie in die Abteilung für griechische und römische Altertümer und die Abteilung für südrussische Archäologie unterteilt. 1930 wurde es in Department of the Ancient Society umbenannt und ist seit 1941 als Department of the Ancient World bekannt.

Die Sammlung antiker Sammlungen geht lange vor der Gründung des Museums zurück. Es war Peter der Große, der die ersten antiken Skulpturen kaufte und 1719-1720 nach Russland brachte. Dazu gehörte die berühmte Venus von Taurida. In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts schuf die leidenschaftliche Sammelleidenschaft Katharinas der Großen den Kern der Antikensammlung; geschnitzte Edelsteine wurden von europäischen und russischen Adelsfamilien gekauft, darunter Louis Philippe Duke of Orléans, die Medici-Familie, Louis de Breteuil, G.B. Casanova, P. Crozat und eine Sammlung antiker Skulpturen wurden 1785-1787 von John Lyde Browne gekauft. Ein wichtiger Meilenstein in der Geschichte der klassischen Altertümer war die Eröffnung eines öffentlichen Museums im Jahr 1852 im Gebäude der Neuen Eremitage, das speziell von Kaiser Nikolaus I. in Auftrag gegeben wurde.

Der Architekt Leo von Klenze entwarf die Innenausstattung passend zu den in den Räumen ausgestellten Kunstwerken. Die Neue Eremitage wurde zur Heimat von Antiquitäten aus Zarenresidenzen sowie von Sammlungen, die von den Familien Pizatti, Demidov und Laval gekauft wurden. 1861 machte der Erwerb der Sammlung von Giampietro Campana die Eremitage zu einem bedeutenden europäischen Museum für klassische Antiquitäten; Sie besetzten alle Räume im Erdgeschoss des New Hermitage-Gebäudes. Neben Ankäufen waren die seit dem frühen 19. Jahrhundert durchgeführten archäologischen Ausgrabungen in den ehemaligen griechischen Kolonien entlang der Schwarzmeerküste eine weitere wichtige Quelle für Exponate für die Sammlungen. Die Kaiserliche Archäologische Kommission wurde 1859 gegründet, um die Ausgrabungen zu beaufsichtigen, Berichte zu erstellen, die Funde zu veröffentlichen und zu verbreiten. Die besten Stücke wurden an die Eremitage geschickt. Die Sammlung nahm nach der Revolution (in den 1920er und 30er Jahren) ihre endgültige Form an, als sie zentralisiert und durch Antiquitäten aus verstaatlichten Privatsammlungen, Vorstadtpalästen, Museen der Akademie der Schönen Künste, der Akademie der Wissenschaften, des Zentralmuseums ( Stieglitzschule für technisches Zeichnen und andere.

Heute umfasst die Hermitage-Sammlung klassischer Antiquitäten über 170.000 Objekte. Die wichtigsten unter ihnen sind bemalte Vasen, geschnitzte Edelsteine, antike Skulpturen, archäologische Funde von der nördlichen Schwarzmeerküste sowie antike Schmuck-, Terrakotta- und Bronzestücke. Die Ausstellungen antiker Kunst nehmen zweiundzwanzig Räume oder das gesamte Erdgeschoss der Neuen Eremitage und der Sivkov-Verbindungspassage ein. Seit 1998 führt die Abteilung ein Programm zur Renovierung ihrer Dauerausstellung durch. Im Rahmen dieses Programms wurde bereits die Innenrestaurierung und Renovierung von Ausstellungen in zwanzig Galerien abgeschlossen. Das Ausstellungsprogramm zielt darauf ab, den Stil eines Museums aus dem 19. Jahrhundert zu bewahren und neue dauerhafte Ausstellungen antiker Kunst in der Neuen Eremitage zu schaffen, die den Hauch des Neoklassizismus mit den neuesten akademischen und konservatorischen Praktiken verbinden würden.

Zwischen dem frühen 19. und dem frühen 21. Jahrhundert haben Generationen von Gelehrten das klassische Erbe studiert und die Hermitage School of Classical Studies gegründet. Die Forschungsschwerpunkte beziehen sich auf die Sammlungsinhalte und die wissenschaftlichen Traditionen der musealen Altertumswissenschaft: Bemalte Keramik, griechische und römische Skulpturen, gemeißelte Edelsteine, Schmuck, sammlungsgeschichtliche Forschung; Entwicklung der Theorie und Praxis der Ausstellung antiker historischer Sammlungen, archäologischer Ausgrabungen und der wissenschaftlichen Konservierung antiker Artefakte, die im Süden Russlands entdeckt wurden. Die Abteilung produziert zahlreiche und vielfältige Publikationen; In den letzten zehn Jahren war eine seiner Schlüsselproduktionen die regelmäßige Veröffentlichung seiner Materialien in zwei internationalen Reihen: dem Corpus of Ancient Vases und dem Corpus of Ancient Sculpture. Die Kataloge der Berezan-Sammlung und der zypriotischen Altertümer wurden nun zusammen mit Werken zu antiken Waffen und Rüstungen, Koroplastik, Sammlungsgeschichte und einem eigenen Zweig, der dem Studium der hellenistischen Kunst gewidmet ist, veröffentlicht.

Eine Reihe von Wechselausstellungen, die von der Abteilung organisiert werden, haben große internationale Anerkennung gefunden: „Griechen am Schwarzen Meer“ (2006), „Alexander der Große: Die Reise nach Osten“ (2007, 2010, 2012). Die von der Abteilung abgehaltenen Konferenzen wurden vom internationalen Gemeinschaftsmuseum gut angenommen; darunter sind „The Bosporan Phenomenon“, „World Museums in the 21st Century: Restoration, Reconstruction, Re-Exhibition“. Langfristige internationale Kooperationsprogramme bestehen im Rahmen von Vereinbarungen mit der Restoring Ancient Stabiae Foundation, dem Institut für Archäologie, der Universität Lausanne, dem Deutschen Archäologischen Institut und anderen.

Die Abteilung betreibt sechs archäologische Expeditionen: Berezan, The Classical Complex, Myrmekion, Nymphaion, Chersonessos und Stabiae (seit 2006); letzteres ist die erste russische Expedition in Italien.

Die Abteilung legt großen Wert auf Bildung. Seit 2006 findet in den Antikenräumen das alljährliche Kinder- und Jugendfest „Tage des Klassizismus“ statt. Es wird von den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern des Instituts organisiert und erfreut sich bei Schülern großer Beliebtheit. Die Mehrheit der Kuratoren der Abteilung lehrt Klassische Kunstgeschichte an Universitäten, Instituten, Gymnasien und Hochschulen in St. Petersburg.

3. November
KUNST DER ALTEN WELT
10:30 - 17:00. State Hermitage Museum, Bibliothek der Antikenabteilung. Palace Embankment, 34 / The State Hermitage Museum, Bibliothek der Abteilung für Antike. Dvortsovaya emb., 34

Vorsitzende: Trofimova Anna Alekseevna, Zhizhina Nadezhda Konstantinovna.
Vorsitzende: Anna A. Trofimova, Nadia C. Jijina

Die Redezeit in der Sektion beträgt 15 Minuten.
Zeitlimit - 15 min.

ANNA A. TROFIMOVA (Leiterin der Abteilung für Antike Welt der Staatlichen Eremitage). Gruß.
ANNA A. TROFIMOVA (Leiterin der Abteilung für griechische und römische Kunst und Archäologie der Staatlichen Eremitage). Begrüßungsrede.

NALIMOVA NADEZHDA ANATOLYEVNA (Moscow State University benannt nach M. V. Lomonosov, Russische Föderation). Abgüsse von Bailly: zwischen Original und Kopie (zum Problem der Erforschung griechischer Bronzeskulpturen der Klassik).
NADEZHDA A. NALIMOVA (Lomonossow-Universität Moskau, Russland). Abgüsse aus Baia: zwischen Original und Kopie (Forschung zur griechischen Bronzeskulptur der Klassik).

MELCHENKO ANASTASIA VIKTOROVNA (Staatliches Institut für Kunstwissenschaft, RF). Luristan-Bronzeskulptur: Hauptthemen und Arten ihrer kompositorischen Konstruktion.
ANASTASSIA MELCHENKO (Staatliches Institut für Kunststudien, Moskau, Russland). Luristan-Bronzen: Hauptthemen und Arten ihrer kompositorischen Struktur.

MALKOVA EVGENIA MIKHAILOVNA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, RF). Dekoration oder Symbol: Diadem in den Werken der antiken griechischen Kunst.
EUGENIA M. MALKOVA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, Russland). Eine Dekoration oder ein Symbol: Diadem in der antiken griechischen Kunst.

MOGILEVSKAYA EKATERINA VLADIMIROVNA (St. Petersburg State University, RF). Aquarellpelika aus den Ausgrabungen von A.E. Lyutsenko in der Nekropole von Panticapaeum. Fragen der Datierung, Zuschreibung und Bildsemantik.
EKATERINA V. MOGILEVSKAYA (St. Petersburg State University, Russland). Eine „Wasserfarben“-Pelike von A.E. Liutsenkos Ausgrabungen in der Nekropole von Panticapaion Die Probleme der Datierung, Zuschreibung und Semantik des Bildes.

EKATERINA SERGEEVNA IZMAILKINA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, RF). Das Problem der Reflexion griechischer, römischer und östlicher Bautraditionen in Kleinasien Ordnungsbauten der hellenistischen und römischen Zeit.
EKATERINA S. IZMAILKINA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, Russland). Das Problem der Durchdringung griechischer, römischer und orientalischer Bautraditionen in klassische Ordnungskonstruktionen in Kleinasien der hellenistischen und römischen Zeit.

KISHBALI TAMASH PETER (Staatliche Universität Moskau, benannt nach M. V. Lomonosov, RF). Das Programm der skulpturalen Dekoration des Mausoleums von Halikarnassos.
TAMAS KISBALI (Lomonossow-Universität Moskau, Russland). Skulpturale dekorative Prinzipien des Mausoleums von Halikarnassos.

13.00 – 14.00 PAUSE / PAUSE

ANNA KOSTROVA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, RF). Zur Frage nach den Besonderheiten des Baus der römischen Städte Narbonne Gaul im 1. Jahrhundert. BC. - 2. Jahrhundert. ANZEIGE
ANNA S. KOSTROVA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, Russland). Zum Problem der Besonderheiten der römischen Architektur in den Städten der Gallia Narbonensis im 1. Jh. v. Chr. – 2. Jh. n. Chr.

GONCHAROV ROMAN VYACHESLAVOVICH (St. Petersburg State University of Technology and Design, RF). Zum Problem der Darstellung von Sprache, Geräuschen und Gerüchen in der Maya-Vasenmalerei der Spätklassik.
ROMAN V. GONCHAROV (St. Petersburg State University of Technologies and Design, Russland). Das Problem der Darstellung von Sprache, Geräuschen und Gerüchen in der Maya-Vasenmalerei der Spätklassik.

KOSENKOVA KATERINA BORISOVNA (LSU benannt nach A. S. Puschkin, St. Petersburg, RF). Syrakusische Metamorphosen: Zum Problem der Nachfolge architektonischer Lösungen von der Antike bis zum Christentum (am Beispiel der Tempel von Magna Graecia).
CATHERINE B. KOSENKOVA (Pushkin Leningrad State University, St. Petersburg, Russland). Die Syrakus-Metamorphosen: zum Problem aufeinanderfolgender architektonischer Transformationen von der Antike zum Christentum (am Beispiel der Tempel von Graecia Magna).

KISELYOVA DARYA YURIEVNA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, RF). Die Venusfigur von Leonard Kern als Beispiel für die Existenz des Statuentypus der Aphrodite de Medici. Zum Problem der Entwicklung des antiken Bildes in der Kunst der Neuzeit.
DARYA YU. KISELYOVA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, Russland). Venusstatuette von Leonard Kern als Beispiel für Kontinuität in der Existenz des Skulpturentypus Medici Aphrodite: Zum Problem einer Bildentwicklung von der Antike bis zur Frühen Neuzeit.

ELENA NIKOLAEVNA DMITRIEVA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, RF). Das Phänomen des Klassizismus und die antike Daktyliothek des Grafen L.A. Perowski.
ELENA N. DMITRIEVA (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, Russland). Das Phänomen des Neoklassizismus und Graf Lev A. Perovskys Dactyliotheca der antiken gravierten Edelsteine.

EKATERINA YURIEVNA TRIFONOVA (St. Petersburg State University, RF). Noch einmal über die Statue eines Philosophen aus der Sammlung der Staatlichen Eremitage.
Ekaterina Yu. TRIFONOVA (St. Petersburg State University, Russland). Noch einmal über die Statue des Philosophen aus der Sammlung des State Hermitage Museum.

DMITRY VASKO (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, RF). Odessa-Sammler E.A. Schumansky. Geschichte eines Verkaufs.
DMITRY S. VASKO (Staatliche Eremitage, St. Petersburg, Russland). Evgeny A. Shumansky – ein Sammler aus Odessa: die Geschichte eines Verkaufs.

Zusammenfassung der Konferenz / The Closing Session

16:30– 17:00 Die Staatliche Eremitage

10:30 – 18:00 Seminare in verschiedenen Abteilungen und an den Ausstellungen der Eremitage / Seminare in der Staatlichen Eremitage

Es war in der Antike, als grundlegende Formen des skulpturalen Porträts geschaffen wurden. Das Studium der antiken Porträts, das in der zweiten Hälfte des 20. bis Anfang des 21. Jahrhunderts im Mittelpunkt stand, führte jedoch zu paradoxen...

Es war in der Antike, als grundlegende Formen des skulpturalen Porträts geschaffen wurden. Das Studium des antiken Porträts, das in der zweiten Hälfte des 20. bis Anfang des 21. Jahrhunderts im Fokus stand, führte jedoch zu einer paradoxen Schlussfolgerung: Die Antike war eine Zeit ohne Porträtmalerei, eine Gesellschaft, in der das Bild der Persönlichkeit fehlte , dieses Genre tauchte erstmals in der Renaissance auf. Die Definition der antiken Porträtmalerei aus Sicht zeitgenössischer Kunsttheorien ist in der Tat umstritten. Die Schlüsselkategorien bei der Interpretation des Porträts sind Ähnlichkeit, Individuum und Typ, das Konzept des Realismus, des Mythologischen und des Historischen. Der grundlegende Unterschied zwischen antiken Porträts und Porträts späterer Perioden besteht darin, dass der Typus immer auf der Grundlage des Bildes erfolgte. Diese Aussage gilt nicht nur für die allgemeine Typologie, wenn Typ einer bestimmten Komposition, Pose und Attributen entspricht. Das Porträt von Sokrates ist wie eine Silenus-Statue, es ist ein bekannter visueller Vergleich von Alexander dem Großen mit mythologischen Göttern und Helden in den Porträts. Eine Reihe von Standardtypen wurde in den griechischen Statuen athenischer Bürger und auf Reliefgrabsteinen verwendet. Dieser Ansatz war charakteristisch für eine römische Porträtmalerei. Die Ähnlichkeit mit einer Person spielte im Grunde keine Rolle - das Bild erschien in der Mischung aus mythologischen und individuellen Merkmalen. Der zweite entscheidende Faktor, der eine antike Porträtmalerei von der späteren unterscheidet, ist die Nachahmung des Originals. Die Replikation definiert die Art und Weise, Skulpturen zu schaffen und ihre Wahrnehmung: Ein Unikat wird zum Archetyp und nicht ein einzelnes Kunstwerk. Der Autor führte zu dem Schluss, dass es notwendig ist, einen kunstgeschichtlichen Ansatz zu verwenden. Die Skulptur als dreidimensionales Modell verkörpert die wesentlichen und eigentlichen Züge des Porträtbildes. Die antike Porträtskulptur verkörpert die Essenz des Porträtgenres.

Forschungsinteressen:

Der Artikel ist erschienen in: Antike und Klassizismus - Winckelmanns Erbe in Russland / Akten des internationalen Kongresses St. Petersburg 30. September – 1. Oktober 2015 hrsg. von M. Kunze und K. Lappo-Danilevskij. Mainz; Ruhpolding; St. Petersberg: Verlag Franz Philipp Rutzen, Michael Imhof Verlag, 2017. 296 S., 201 Abb.
Die Abhandlung widmet sich dem Einfluss von Winckelmanns Ideen, seinen Schriften, seinem Geschmack und seiner Werkauswahl auf die Eremitage-Sammlung griechischer und römischer Skulpturen, die nach dem Tod von J. I. Winckelmann Gestalt anzunehmen begann , der erste Erwerb bezieht sich auf die Länder von 1770 bis 1780. Der Klassizismus dominierte den Stil der Eremitage-Galerien für klassische Antiquitäten, die Innenräume, die Ausstellung und sogar die Methoden der Restaurierung. Diese Tradition wird in allen Phasen der Geschichte des Museums wiederbelebt; 1770 80., während der Zeit der Schaffung der ersten Galerien für antike Skulpturen in Russland, 1850. - während des Baus der Neuen Eremitage durch den Architekten Leo von Klenze und in unseren Tagen während der Reorganisation der Galerien von Antike Kunst. Im Gegensatz zu europäischen Museen in Sankt-Petersburg ist dieser Einfluss heute relevant. Auf I. I.. Winckelmann gestoßen und nach seinem Tod spiegelte sich der Kult des Belvedere-Torsos, die Bewunderung der Niobides-Gruppe und anderer „Modellskulpturen“ in der Entstehung der Eremitage-Sammlung wider.

Forschungsinteressen:

Der Artikel gibt eine kurze Beschreibung der Sammlung antiker Porträts berühmter Griechen in der Sammlung der Eremitage - Philosophen, Redner, Dichter. Ein charakteristisches Merkmal der Sammlung ist die Herkunft der Denkmäler aus historischen Sammlungen des 18.-19. Jahrhunderts. Die Sammlung enthält sowohl bekannte Porträts, die durch zahlreiche Repliken in Museen auf der ganzen Welt vertreten sind, als auch weniger untersuchte. Der Autor untersucht im Detail die Herme mit einer gefälschten Inschrift „Herodotus“, die aus der Sammlung von D. P. Campan stammt. Der Autor untersucht den Zustand des Denkmals sowie seine Reproduktion und Definitionen in den Veröffentlichungen des 19. Jahrhunderts und stellt die Geschichte seiner Restaurierung nach und zeigt, wie das Bild des „Vaters der Geschichte“ aus der Antike geschaffen wurde. In Anbetracht der Schlussfolgerungen moderner Wissenschaftler zu den Denkmälern, die als Analogien zur Hermitage Herme (eine Nachbildung im Prado und im J. Paul Getty Museum) angesehen werden können, kommt der Autor zu dem Schluss, dass das Porträt einen Philosophen der Stoa darstellt Schule, wahrscheinlich Cleanthes. Aufgrund stilistischer Analogien wird das Porträt auf 280 v. Chr. und nicht auf die zweite Hälfte des 5. Jahrhunderts datiert. BC. wie O. F. Waldgauer glaubte. Die Problematik der Erforschung des griechischen Porträts, illustriert am Beispiel einer Herme, ist durchaus charakteristisch für die Antikensammlung der Eremitage. Die Schlussfolgerungen und Ergebnisse der Forschung werden im Hermitage's Corpus of Ancient Sculpture, dem vollständigen Katalog der Sammlung, veröffentlicht.

Forschungsinteressen:

Die Eremitage-Sammlung antiker Skulpturen aus dem pontischen Gebiet des nördlichen Schwarzen Meeres zeigt einen starken Einfluss des führenden griechischen Bildhauerstils des IV. Jahrhunderts v. Der Einfluss von Skopas war besonders offensichtlich. Es konnte in verschiedenen Medien wie monumentalen Marmorskulpturen, Statuetten, Terrakotten, Reliefdekorationen nachgezeichnet werden. Beim Vergleich der Daten aus den Sammlungen des Staatlichen Moskauer Historischen Museums und des Staatlichen Museums von Chersonesos können wir eine Reihe von Objekten untersuchen. Es handelt sich um griechische Originale, die in Olbia, Pantikapaion, Chersonesos gefunden wurden und aus der ersten Hälfte bis Mitte des 4. Jahrhunderts v. sowie hellenistische Versionen. Es sei darauf hingewiesen, dass einige der Skulpturen aus parischem Marmor gefertigt wurden. Die Popularität des Skopas-Stils ist eng mit dem lokalen Kontext verbunden, da eine Tendenz zu pathetischen Emotionen seit langem in verschiedenen Kunstmedien und Themen auftaucht. Aus den Mutterorten Griechenlands und Kleinasiens importiert, waren Denkmäler im Skopas-Stil als besonderes Merkmal des Kunstgeschmacks in der Region ausdrucksstark und spielten eine wichtige Rolle in der peripheren Kunst der griechischen Kolonien an der nördlichen Schwarzmeerküste.
Das Papier wird im Proceeding the Third International Conference on the Archaeology of Paros and the Cyclades veröffentlicht, das vom 11. bis 14. Juni 2010 in Paroikia, der heutigen Hauptstadt von Paros, stattfindet.

Forschungsinteressen:

Ein typisches Beispiel antiker römischer Porträts, die sich im Laufe mehrerer Jahrhunderte veränderten, ist der sogenannte „Sallust“ der Eremitage. Die Inschrift auf einem Sockel wurde als Fälschung erkannt, während die Büste römischen Arbeiten aus der Regierungszeit Trajans (Anfang der 90er Jahre n. Chr. oder Anfang des 2. Jahrhunderts n. Chr.) zugeschrieben wurde. Im Vergleich zu den berühmten Stücken aus der Trajan-Epoche zeichnete sich die Eremitage-Büste immer durch ihren ungewöhnlichen Stil aus. Durch eine detaillierte Untersuchung des Stücks konnte der Autor nachweisen, dass das alte Original um 125–150 n. Chr. Umgearbeitet und als republikanisches Porträt gestaltet wurde. Die größeren Veränderer berührten das Gesicht: Korrekturen machten das Originalbild auffallend anders. Die Spuren der antiken Veränderungen unterscheiden sich offensichtlich von den späteren, die angeblich in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts hinzugefügt wurden, als sich die Skulptur im Besitz von G.-P. Campana. Nach den echten Partien der Oberfläche zu urteilen, ist der ursprüngliche Stil des Stückes als monumental, eher schlicht, rau und schematisch zu bezeichnen. Seine Neufassung zeichnet sich durch übertriebene physiognomisch scharfe Gesichtszüge und fanatischen Blick aus, die der Vorstellung des römischen Historikers Sallust entsprechen. So verwundert es nicht, dass im 19. Jahrhundert der Name einer abgebildeten Person hinzugefügt wurde, um dem Stück einen höheren Preis zuzuordnen.

Forschungsinteressen:

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Ausgehend von den Ideen der führenden Kunsttheoretiker wurde die Kategorie „Klassik“ im Laufe des 20. Jahrhunderts zu einem Schlüsselbegriff für das Verständnis der Entwicklung der westeuropäischen Kunst. Heutige Studien zur Geschichte der griechischen und römischen Kunst begegnen dem Problem ihres Einflusses, ihrer zeitlichen und räumlichen Transformationen. Das Papier gibt einen Überblick über die wichtigsten Trends und Meilensteine in der Kunstgeschichte der klassischen Antike und ihres Erbes und informiert uns ausführlich über die heutige wissenschaftliche Tätigkeit am Hermitage Department of Classical Antiquities. Die „klassische“ Expansion in die Peripherie der Ökumene, in den nordpontischen Raum, bleibt im Fokus der Untersuchungen der russischen wissenschaftlichen Schule. Der Autor weist auf die wichtigsten charakteristischen Merkmale der Schwarzmeerversion der antiken Kunst hin, analysiert die Muster ihrer Entwicklung und bestimmt die Rolle der Region als Vermittler künstlerischer Tradition, nicht nur zwischen Völkern, sondern auch zwischen zwei historischen Zivilisationsphasen. Die zweite wissenschaftliche Richtung umfasst hellenistische Studien, die die Interaktion und Übereinstimmung zwischen griechischer und orientalischer Kunst und Kulturen asiatischer Länder untersuchen. Das neueste Forschungsgebiet ist eine sich aktiv entwickelnde Restaurierungsgeschichte, wobei die bedeutende Besonderheit der Eremitage-Sammlung darin besteht, dass die historische Restaurierung an ihren Stellen erhalten bleiben sollte.

Forschungsinteressen:

Der Artikel ist dem kleinen Marmorkopf von Alexander dem Großen aus der Eremitage-Sammlung gewidmet. Der Kopf wurde in Nicomedia gefunden und nicht ordnungsgemäß veröffentlicht. Der Autor kommt zu dem Schluss, dass der Kopf zur Art der...

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Essay ist der Sammlung klassischer Altertümer der russischen Adelsfamilie Stroganoff gewidmet. Der Autor recherchiert die Geschichte der Sammlung von 1770 bis 1900 sowie ihre historische Ausstellung. Das...

Essay ist der Sammlung klassischer Antiquitäten der russischen Adelsfamilie Stroganoff gewidmet. Der Autor recherchiert die Geschichte der Sammlung von 1770 bis 1900 sowie ihre historische Ausstellung. Der Artikel ist Teil des Katalogs der Wechselausstellung

Forschungsinteressen:

Der Katalog zur Ausstellung widmet sich Alexander dem Großen, seinem Ostfeldzug und seinen Folgen für Ost und West. Mehr als 350 Objekte aus den Sammlungen der Staatlichen Eremitage aus einem Zeitraum von mehr als 2.500 Jahren, vom 5. Jahrhundert v. Chr. bis zum 19. Jahrhundert. Die Show erzählt uns die Geschichte über das Treffen großer Zivilisationen - hellenistische Staaten, alte orientalische Reiche, die Welt der Nomaden. Alexander und seine Armee betraten fernes Land und brachten die hellenistische Kultur mit. Dieser Einfluss breitete sich in einem riesigen Gebiet aus - von Griechenland bis Indien, der Mongolei und China. Historische Rolle Alexanders bei der Gestaltung des Weltgeschicks. Gegenstand der Untersuchung ist die historische Rolle Alexanders. Der Hellenismus als globaler Prozess kultureller Interaktion ist das Hauptthema der Ausstellung. Autoren der Artikel und Einträge des Katalogs sind Historiker Alter Osten und die der klassischen Geschichte, Archäologen, Linguisten, Kunsthistoriker der Staatlichen Eremitage und der Staatlichen Universität Sankt Petersburg.

Forschungsinteressen:

Der Artikel befasst sich mit der Konzeption der Erneuerung der ständigen Ausstellung antiker Kunst und Kultur in der Staatlichen Eremitage. Kerngedanke der Konzeption ist es, den neoklassizistischen Stil nach der Idee von Leo von Klenze beizubehalten. Der Artikel ist im Proceeding der Konferenz „Museum im 21. Jahrhundert. Restaurierung, Rekonstruktion, Renovierung, Rekonstruktion“, St. Petersburg, 2012, erschienen

Forschungsinteressen:

Die Publikation ist den archaischen Kor-Statuen gewidmet, die auf der Athener Akropolis gefunden wurden. Der Autor gibt eine detaillierte Beschreibung dieser berühmten künstlerischen Skulpturengruppe und spricht über ihren Zweck, Kontext, Produktionszentren, ...

Die Publikation ist den archaischen Kor-Statuen gewidmet, die auf der Athener Akropolis gefunden wurden.
Der Autor beschreibt ausführlich diese berühmte künstlerische Skulpturengruppe, spricht über Zweck, Kontext, Produktionsstätten, künstlerische Besonderheiten, Farbgebung der Statuen und die Bedeutung des Rindenbildes für die griechische Kunstgeschichte. Besondere Aufmerksamkeit gilt der Kore-Statue Nr. 670, die in einer temporären Ausstellung in der Eremitage präsentiert wird.

Forschungsinteressen:

In der Monographie wurde erstmals in der in- und ausländischen Kunstgeschichte das Phänomen des Einflusses von Alexanders Porträts auf die Helden- und Götterbilder in der Kunst der hellenistischen Zeit untersucht; Das Konzept des "Alexandertyps" wurde in Bezug auf die stilistische Entwicklung entwickelt. Die Monographie betrachtet die Geschichtsschreibung der Porträts Alexanders des Großen und das "Problem der Nachahmungen" im Kontext der hellenistischen Ära und die Bilder der wichtigsten mythologischen Figuren, die von der Ikonographie Alexanders betroffen sind (Achilles, Herkules, Dionysos, Helios, Riesen , Wassergottheiten). In der Ära des Hellenismus – dem letzten Wendepunkt in der Geschichte der klassischen Kunsttradition – fand der Alexandertypus gleichzeitig mit der Etablierung eines Systems neuer Werte und Ideen eine Ausdrucksform in mythologischen Bildern.

Forschungsinteressen:

Alexander der Große. Das Leben des Bildes in der Weltkultur. Materialien der Konferenz 18.04.2007. Wissenschaftlich ed. AA Trofimova, die in der Staatlichen Eremitage stattfand, wurde zeitlich mit der temporären Ausstellung „Alexander der Große. Weg nach Osten" (13. Februar -...

Alexander der Große. Das Leben des Bildes in der Weltkultur.

Materialien der Konferenz 18.04.2007. Wissenschaftlich ed. AA Trofimova, die in der Staatlichen Eremitage stattfand, wurde zeitlich mit der temporären Ausstellung „Alexander der Große. Weg nach Osten" (13. Februar - 1. Mai 2007, die Hallen der Newa Enfilade des Winterpalastes) [siehe. Katalog]. Auf der Konferenz wurde eine breite Palette von Themen diskutiert, die sowohl auf der Ausstellung präsentiert als auch nicht auf der Ausstellung und im Katalog angesprochen wurden. Im Fokus steht der multikulturelle Aspekt der Wahrnehmung des Bildes Alexanders des Großen in den hellenistischen und posthellenistischen Traditionen des Ostens, Westens und Russlands, in Geschichtsschreibung, Literatur, Kunst, Ideologie, Religion, Folklore. An der Konferenz nahmen Mitarbeiter der Staatlichen Eremitage, der Abteilung für antikes Griechenland und Rom der Fakultät für Geschichte und der Abteilung für iranische Philologie der orientalischen Fakultät der Staatlichen Universität St. Petersburg, der Staatlichen Universität Saratow, der Staatlichen Pädagogischen Universität Moskau ( Abteilung Samara), das Russische Institut für Kunstgeschichte und das Staatliche Russische Museum
http://kronk.spb.ru/library/trge.htm

// St. Petersburg: Verlag des Staates. Einsiedelei. 2012. 136 S. ISBN 978-5-93572-444-3

Forschungsinteressen:

Begleitet von einer Ausstellung im State Hermitage Museum, St. Petersburg, vom 23. September 2011 bis 15. Januar 2012 Dieses Buch besteht aus neun klassischen Skulpturen aus der Eremitage, die von ihren Sockeln entfernt und neu positioniert wurden...

Begleitet von einer Ausstellung im State Hermitage Museum, St. Petersburg, vom 23. September 2011 bis 15. Januar 2012

Dieses Buch besteht aus neun klassischen Skulpturen aus der Eremitage, die von ihren Sockeln entfernt und neu positioniert wurden, um einen erhöhten Boden mit dem Betrachter zu teilen; und siebzehn stark abstrahierte Körperformen von Antony Gormley. Die Idee ist, antike, idealisierte Statuen den desinteressierteren Skulpturen von Gormley gegenüberzustellen und zu sehen, ob in Gormleys Werk die abstrakte Sprache der euklidischen Geometrie einen Zufluchtsort für Gefühle bieten kann und ob im Falle der klassischen Werke das Demontieren und Versetzen des Betrachters auf die gleiche Ebene wie ihre ursprünglichen Hersteller kann sie als gemachte Dinge wiederherstellen. Die Interaktion des Publikums, festgehalten in dokumentarischen Fotografien, ist der Schlüssel zu einem Projekt, das darauf abzielt zu zeigen, wie klassische Murmeln, Gormleys eigene Skulpturen und die lebenden menschlichen Besucher denselben Raum bewohnen und miteinander sprechen können.

Forschungsinteressen:

Kein Herrscher der Antike regt die Fantasie so sehr an wie Alexander der Große. Von seiner Jugend an inspirierte er die Menschen um ihn herum. Alexander trat in die Fußstapfen von Dyonysos und erreichte Syrien, Ägypten, Persien, Baktrien und Indien. Überall gründete er neue Hauptstädte. Viele von ihnen nannte er Alexandria. Er hinterließ ein Erbe griechischer Kultur in Form des Hellenismus.

Forschungsinteressen:

Zum ersten Mal in der Altertumswissenschaft untersucht der Autor dieser monografischen Forschung den Einfluss der Porträtmalerei Alexanders des Großen auf die Ikonografie von Helden und Gottheiten in der hellenistischen Kunst. Die Historiographie von Alexanders Porträts und das Problem der Nachahmung werden untersucht, wobei die wichtigsten mythologischen Charaktere, die den Einfluss von Alexanders Ikonographie erfahren haben, genau untersucht werden - Achilles, Herakles, Dionysos, Helios, die Riesen und Wassergottheiten. Der Autor kommt zu dem Schluss: Imitatio Alexandri war eine natürliche Stufe in der Entwicklung hellenistischer Kunstsprache. Die Nachahmung des Aussehens von Alexander verkörperte mehrere Schlüsselbegriffe: unbesiegbar, Verteidiger der Griechen, König des Ostens, Eroberer Asiens, Befreier, Gründer von Städten, König oder einfach der beste der Hellenen. Es war in hellenistischer Zeit - die letzte und Wendephase in der Geschichte der klassischen Kunsttradition - dass das neue Mythos-Eidos gleichzeitig mit der Festigung neuer Werte und Konzepte seine Ausdrucksweise in mythologischen Modellen fand.

Forschungsinteressen:

Die „Kunst des Porträts“ bietet eine einzigartige Gelegenheit, die markantesten Kapitel der Weltgeschichte des Porträts darzustellen. Dies ist das erste Mal, dass eine solche Ausstellung organisiert wird, und ihre Hauptidee ist es, das Genre gegen die...

Die „Kunst des Porträts“ bietet eine einzigartige Gelegenheit, die markantesten Kapitel der Weltgeschichte des Porträts darzustellen. Zum ersten Mal wird eine solche Ausstellung organisiert, deren Hauptidee es ist, die Gattung vor dem Hintergrund ihrer historischen Entwicklung zu zeigen: die Ursprünge und Funktionen des Porträts, seine Haupttypen und die Formensprache des Porträts. Die Entwicklung des Porträts wird aus einer großformatigen Perspektive betrachtet, vom 20. Jahrhundert v. bis ins 21. Jahrhundert n. Chr., von den Anfängen bis in unsere Zeit. Die Ausstellung ist in vier Abschnitte unterteilt: Die Proto-Portrait-Periode und die Kunst des alten Ägypten, 20. Jh. v. Chr. – 1. Jh. ANZEIGE. (Raum 2); Die Kunst der Antike und des frühen Mittelalters, 6. v. Chr. – 10. Jh. ANZEIGE.; Die Kunst Westeuropas, des Ostens und Russlands in Spätmittelalter, Renaissance und Moderne, 11.-18. Jh.; Die Kunst Westeuropas, des Ostens und Russlands von der Neuzeit bis zur Gegenwart, 19.-21. In jedem Abschnitt werden Werke, die in verschiedenen Ländern produziert wurden, nebeneinander gezeigt. Dieser Ansatz ermöglicht es, die an einem bestimmten historischen Knotenpunkt vorherrschenden Formen des Porträts zu betrachten, die sich ändernden Trends und unveränderlichen Merkmale zu verstehen und die kulturellen Unterschiede in der Wahrnehmung eines Menschen zu würdigen

Die „Kunst des Porträts“ bietet eine einzigartige Gelegenheit, die markantesten Kapitel der Weltgeschichte des Porträts darzustellen. Zum ersten Mal wird eine solche Ausstellung organisiert, deren Hauptidee es ist, die Gattung vor dem Hintergrund ihrer historischen Entwicklung zu zeigen: die Ursprünge und Funktionen des Porträts, seine Haupttypen und die Formensprache des Porträts. Die Entwicklung des Porträts wird aus einer großformatigen Perspektive betrachtet, vom 20. Jahrhundert v. bis ins 21. Jahrhundert n. Chr., von den Anfängen bis in unsere Zeit. Die Ausstellung ist in vier Abschnitte unterteilt: Die Proto-Portrait-Periode und die Kunst des alten Ägypten, 20. Jh. v. Chr. – 1. Jh. ANZEIGE. (Raum 2); Die Kunst der Antike und des frühen Mittelalters, 6. v. Chr. – 10. Jh. ANZEIGE. (Räume 3-4); Die Kunst Westeuropas, des Ostens und Russlands in Spätmittelalter, Renaissance und Moderne, 11.-18. (Raum 5); Die Kunst Westeuropas, des Ostens und Russlands von der Neuzeit bis zur Gegenwart, 19.-21. (Raum 6). In jedem Abschnitt werden Werke, die in verschiedenen Ländern produziert wurden, nebeneinander gezeigt. Dieser Ansatz ermöglicht es, die an einem bestimmten historischen Knotenpunkt vorherrschenden Formen des Porträts zu betrachten, die sich ändernden Trends und unveränderlichen Merkmale zu verstehen und die kulturellen Unterschiede in der Wahrnehmung eines Menschen zu würdigen

Marina Timaschewa: Der Pianist Konstantin Shcherbakov begeisterte kürzlich Moskau, indem er an einem Abend 24 Präludien von Sergej Rachmaninoff spielte. Aber zuerst ein paar Worte zu Shcherbakov selbst. Er wurde in Sibirien geboren, wurde 1983 Preisträger des Rachmaninow-Wettbewerbs, trat viel in Russland auf und zog 1992 in die Schweiz. Als Standard gelten in Fachkreisen seine Aufnahmen von Beethovens Sinfonien in Liszts Transkription, Klavierwerken von Schostakowitsch und Godowskys Musik. Derzeit ist Konstantin Shcherbakov Professor am Konservatorium Zürich.

Konstantin Alexandrowitsch, wir sitzen jetzt in der Alexandrow-Kindermusikschule. Warum probst du hier? Hier gibt es ein Werkzeug, das Sie nicht gewohnt sind. Und im Allgemeinen wechselt man oft das Instrument, wenn man sich in einem bestimmten Konzertsaal befindet. Ich denke, es muss sehr schwierig sein. Nehmen wir an, ein Mann trägt seine Gitarre hinter sich, eine Flöte, eine Klarinette. Sogar ein Computer. Ein Mann kennt seine Tastatur immer.

Konstantin Schtscherbakow: Aufgrund der Besonderheiten des Instruments selbst können wir es nicht mitnehmen. Daher sind wir es von Kindesbeinen an gewohnt, eine Vielzahl von Instrumenten zu spielen. Im Klassenzimmer spielt man ein Instrument, im Flur ein anderes. Sie gewöhnen sich sehr schnell daran, Keyboards und Instrumente zu beherrschen und sie Ihren Zielen und Zielen unterzuordnen. Ich habe sehr lange in der Sowjetunion an verschiedenen Orten gespielt, in verschiedenen Hallen und Räumen, in Bergwerken und Fabriken. Sie können sich vorstellen, welche Werkzeuge da waren. An den heutigen Bedingungen gibt es nichts zu meckern. Warum mache ich hier? Ich war sehr glücklich. Erstens wohnen wir nicht weit von hier. Meine Frau hat lange an dieser Schule unterrichtet. Sie unterrichtete hier 12 Jahre lang Violine. Seitdem habe ich sehr herzliche und freundschaftliche Beziehungen zu dieser Schule. Sie nennen mich hier "unseren Mann". Und zu Hause habe ich leider ein Instrument in sehr schlechtem Zustand und kann dort einfach nicht üben.

Marina Timaschewa: Erlaubt die Qualität des Instruments dem Pianisten, einige Mängel in seinem Spiel zu verbergen, oder ist es im Gegenteil umso schwieriger, die Fehler zu verbergen, je perfekter das Instrument ist?

Konstantin Schtscherbakow: Es gibt Instrumente, von denen man sagen kann, dass sie nutzlos zu spielen sind. Nichts als bloße Notizen können von ihnen erhalten werden. Es gibt Instrumente, die sind besser als du, sie sind besser als das, wozu du im Moment oder in dieser Komposition fähig bist. Und dann ist es sehr unangenehm, man spürt ständig seine Überlegenheit über sich selbst. Der Idealfall ist, wenn das Klavier Ihnen komplett gegeben wird und alles kann, was Sie aus ihm herausholen müssen. Doch meistens wird das Klavier, wenn nicht am Ende des Konzerts, so doch am Anfang des zweiten Teils, zu einem mehr oder weniger verlässlichen Partner und Freund.

Marina Timaschewa: Soweit ich weiß, ziehen Sie das Solo-Musizieren der Teilnahme an verschiedenen Arten von kollektiven Projekten vor. Das bedeutet, dass auf der Bühne - nur Sie und das Instrument. Wenn Sie mit ihm allein sind, sprechen Sie mit ihm wie mit einem Menschen, sind Sie wütend auf ihn wie mit einem Menschen? Kommt es Ihnen vor, dass Sie ihn schimpfen oder im Gegenteil um etwas bitten: „Liebes, hilf heute“?

Konstantin Schtscherbakow: Ich werde überhaupt selten wütend. Sich zu ärgern ist im Grunde sinnlos. Jeder tut, was er kann, wozu er fähig ist. Und in einer bestimmten Situation kann das Klavier nicht mehr oder weniger leisten, als es kann. Es hängt alles von mir ab, wie sehr ich zu einer solchen Kommunikation bereit bin, wie sehr ich in der Lage bin, diese Kommunikation zu einem guten Ergebnis zu führen. Alle Ansprüche gelten für Sie selbst.

Marina Timaschewa: Konstantin Aleksandrovich, im Moskauer Haus der Musik haben Sie an einem Abend alle Präludien Rachmaninows gespielt. Ich habe oft gehört, wie Profis es Heldentum nannten, eine Leistung. Rachmaninovs Musik wird leicht wahrgenommen, daher scheint es, dass kein besonderes Heldentum erforderlich ist, um sie zu spielen. Warum wird es jedoch als Heldentat angesehen? Und denkst du selbst?

Konstantin Schtscherbakow: Das glaube ich natürlich nicht, das ist mein Beruf. Wahrscheinlich hat sich eine solche Sichtweise entwickelt, erstens, weil dieser Zyklus sehr selten ist, fast nie in einem Zyklus gespielt wird, und die zweite Sichtweise wahrscheinlich, dass 24 Präludien im Allgemeinen viel komplexe Musik sind . Weil es 24 verschiedene Zeichen sind, und aus technischer Sicht sind es viele Notizen und viel komplexer Text. Wenn wir über die heroischen Manifestationen des Pianistenberufs sprechen, dann ist es eher, Beethovens Neunte Symphonie in Liszts Transkription zu spielen. Das ist technisch vielleicht mit Abstand das Schwierigste, musikalisch gesehen, und es ist sehr schwer, diesen 70-Minuten-Block auf der Bühne einfach auszuhalten.

Marina Timaschewa: Und wenn Sie die 24 Präludien von Rachmaninov spielen, was passiert dort in dieser Musik von Anfang bis Ende?

Konstantin Schtscherbakow: Bei der Arbeit an einem Essay macht man sich natürlich Gedanken über solche Dinge, und es entsteht ein klarer Plan für die dramatische Gesamtentwicklung der Komposition. Es ist wie ein Theaterstück, wie ein Roman oder eine Geschichte. Es gibt eine Handlung, es gibt Charaktere, es gibt eine Beziehung zwischen ihnen. Es ist sehr wichtig, alle Komponenten dieser Handlung, alle Komponenten dieser Entwicklung zu definieren. Sehr aufschlussreich ist hier beispielsweise die dynamische Entwicklung. Wenn wir uns einen Seismographen vorstellen, dann gibt es in jedem Stück, wie in jedem Satz, den wir aussprechen, gewisse Betonungen, gewisse Rückgänge, und nur das macht die Aufführung attraktiv, interessant und zugänglich.

Marina Timaschewa: Ich verstehe nicht wirklich, ist das ein Pianist von einer solchen Klasse und einem solchen Niveau, fühlt er einfach Musik, erlebt sie oder sieht er Bilder, oder bezieht sich seine Musik auf irgendeine Art menschlicher Erinnerungen, irgendwelche literarischen Quellen? Passiert das mit Rachmaninov?

Konstantin Schtscherbakow: Ehrlich gesagt sehe ich nie Bilder, wie zum Beispiel Richter, der im dritten Teil von Prokofjews zweitem Konzert einen Drachen sah, der Kinder verschlingt. Das sind die Bilder, die ich nie sehe. Wenn wir von Rachmaninow sprechen, von einem bestimmten Präludium, zum Beispiel G-Dur-Präludium, dann sehe ich aus irgendeinem Grund immer die Weiten, die sich vom Berg hier, in Barnaul, über dem Ob öffnen, die Weiten, die sich vor Ihnen vierzig öffnen -Kilometer-Perspektive oder Auen, die zum Zeitpunkt des Hochwassers des Ob große Landflächen bedecken. Natürlich wird alle Musik von der Seele geschrieben, und die Seele ernährt sich von den Eindrücken des Lebens. Und wenn du in dir das Äquivalent findest, was du erlebt, gesehen und gefühlt hast, und es gleichzeitig das Äquivalent ist, was geschrieben wurde, dann passiert in diesem Moment das Wertvollste, für das es sich lohnt, Musik zu machen, für die Menschen in ein Konzert gehen. Es ist die Kommunikation miteinander auf der Ebene des Unsagbaren. Das, was das eigentliche Thema der Musik ausmacht. Dann sprechen Sie in einer Sprache, die jeder versteht.

Marina Timaschewa: Wir werden unser Gespräch mit Konstantin Shcherbakov in der nächsten Ausgabe des Programms fortsetzen. Und jetzt reden wir über das traditionelle Festival "Literatur und Kino", das in Gatchina endete.

Pawel Podkladow: Eine wunderbare Oase namens Gatschina schmiegte sich vierzig Werst vom lauten St. Petersburg entfernt. Gatchina ist atemberaubende Landschaftsparks, der fabelhafte rot-weiße Priory-Turm am Ufer des Teiches, tief im Wald, der hübsche königliche Palast und vom Sockel aus, vom Platz aus, der bronzene Kaiser Paul der Erste. Legenden werden in Gatchina lebendig, Geister materialisieren sich. Hier ist ein kleiner Mann mit lockigem Haar und Koteletten, der das Anwesen seines Urgroßvaters Abram Petrovich Gannibal betritt. Neben dem Herrenhaus - Lukomorye mit einer 700 Jahre alten grünen Eiche, an der natürlich eine goldene Kette und eine Wissenschaftlerkatze - ein Geschichtenerzähler und Liedermacher. Es gibt auch ein Steinsofa, einen Hügel, auf dem sich Abram Petrovich gerne entspannte. Ja, und Alexander Sergejewitsch selbst saß hier. Und die erstaunlichen Nabokov-Orte? Sie betreten das Dorf Vyritsa und vor Ihnen befindet sich ein luxuriöser Palast, der der Familie Nabokov-Rukavishnikov gehörte, dem einzigen Vertreter des hölzernen Empire-Stils in Europa. Als nächstes ist das Haus des Bahnhofsvorstehers, das erste Museum eines literarischen Helden in Russland. Es ist immer noch dieselbe Vyritsa. Daher der Name des Bahnhofsvorstehers von Puschkin: Samson Vyrin. Nicht weit von der Wohnung des Bahnhofsvorstehers im Dorf Kobrino -

ein kleines Haus, in dem Arina Rodionovna 16 Jahre lang lebte. Es war eine Sünde zu glauben, dass, selbst wenn es in Gatchina kein einzigartiges Filmfestival "Literatur und Kino" gäbe, eine Woche Aufenthalt dort bereits Glück sein würde. Aber das Fest war, mit all den freudigen Entdeckungen und Enttäuschungen. Das Festival ist wirklich einzigartig, weil es Filme sammelt, die entweder auf literarischen Werken basieren oder über Schriftsteller, Dichter, Künstler, Schauspieler erzählen. Dieses Projekt ist nicht kommerziell. Es genügt zu sagen, dass Zuschauer Filme kostenlos ansehen dürfen. Natürlich ist es unmöglich, alle Gatschina-Ereignisse dieses Jahres in einem kurzen Essay zu beschreiben. In der Hauptzentrale des Festivals - dem Kino "Victory" - von morgens bis abends Filmvorführungen. In den Pausen - Pressekonferenzen, Rundtischgespräche und am späten Abend - Konzerte, Treffen mit Schauspielern, Regisseuren, Drehbuchautoren. Kurz gesagt, ein echtes Festival. In diesem Jahr wurde er der 13. in Folge. Und nicht jeder Film konnte es aufnehmen, die Selektoren waren sehr wählerisch. In den ersten Jahren seines Bestehens wurden Filmemacher fast mit Gewalt nach Gatschina geschleppt, heißt es. Über die Entstehung und Entwicklung dieses Festivals erzählt seine Organisatorin und ständige Generaldirektorin Genrietta Yagibekova.

Henrietta Yagibekova: Es gab ein zufälliges Treffen mit Valentina Sergeevna Ivanova. Dies ist ein berühmter Kritiker. Sie und ich sahen uns im Flur zusammen einen Film an, der übrigens in Gatschina gedreht wurde. Als Kinodirektor war ich überrascht, dass außer uns beiden niemand im Kino war. Ich habe sie dann gefragt: „Und wofür, für wen ist dieses Filmfestival, wenn es kein Publikum gibt?“ Es war 1995, es gab fast kein russisches Kino, aber Kinos mussten gerettet werden. Und sie sagt: "Man kann aus Literaturverfilmungen ein Festival machen." Eine Offenbarung geschah sofort, denn unsere Erde wurde genau dafür geschaffen. Schließlich sind die Orte alle durch die Namen Puschkin, Nabokov, Kuprin, Severyanin verbunden. Das ist natürlich unser Thema. Ich kam nach Hause und schlug den Stadtbehörden vor. Sie sagen: "Komm, lass es uns versuchen, ein Fest machen." Sie verstanden nicht, worauf sie sich einließen. Vielleicht hat es niemand ernst genommen, sie dachten, es sei genau so eine Aktion. Und plötzlich fand in unserer kleinen Stadt ein kulturelles Ereignis statt. Anfangs habe ich mir zum Ziel gesetzt, und ich wurde von der gesamten Führung, der Regierung des Leningrader Gebiets, die das Festival finanziert hat, unterstützt, dass dies keine kommerzielle Show ist. Und dann gab es keine Jobs für Schauspieler und Regisseure. Sie kamen mit so viel Freude umsonst, niemand verlangte etwas, sie waren so froh, das Publikum zu treffen, diese Liebe, diese Augen, die sie bereits vergessen hatten. Aber 13 Jahre sind vergangen, alle haben viel Arbeit, sie können für einen Tag fliehen, für einen halben Tag, für zwei Stunden fliegen. Ich sage ihnen, dass ich nicht beleidigt bin, ich bin froh, dass sie einen Job haben. Aber ich betone immer, dass unser Festival eine etwas andere Funktion hat als andere Festivals. Meine Aufgabe ist es schließlich, den Bewohnern von Gatschina zu zeigen, was sie niemals auf der Kinoleinwand sehen werden. Denn das kommerzielle Kino hat die Leinwände gefüllt. Bei unserem Festival sehen sie alles, was in Russland gedreht wurde, und wenn es Verfilmungen gibt, dann natürlich aus allen GUS-Staaten.

Pawel Podkladow: Die Hauptfiguren unter den Kandidaten waren Eldar Ryazanov mit dem Film Andersen. Leben ohne Liebe“, Alla Surikova mit dem Film „Du wirst mich nicht verlassen“, Konstantin Lopushansky mit „Hässliche Schwäne“ und Natalia Bondarchuk mit dem Film „Puschkin. Letztes Duell. Am ersten Tag des Festivals wurde mit einer großen Menschenmenge eine Puppenausstellung eröffnet, die nach Mikhail Shemyakins Skizzen für den Film „Hoffmaniad“ unter der Regie von Stanislav Sokolov geschaffen wurde. Gezeigt wurde eine 20-minütige Pilotfassung dieses abendfüllenden Films, danach war klar: Uns erwartet ein Meisterwerk. Luxuriös ist auch das Dokumentarprogramm geworden, insbesondere Filme über Viktor Nekrasov, Mikhail Soshchenko und Yuri Olesha, Nikolai Erdman und Angelina Stepanova, Yuza Aleshkovsky, den sibirischen Geschichtenerzähler Pyotr Ershov und so weiter. Wenn Sie denken, dass der Wettbewerb in Gatschina zu einer Form geworden ist und es den Rivalen wichtiger war, nicht zu gewinnen, als mitzumachen, dann ist das eine Täuschung. Der Grand Prix ging wie erwartet an Eldar Ryazanov. Ich hoffe, dass die Meinung der Jury zu diesem Thema nicht eindeutig war. Wahrscheinlich spielte die Tatsache eine Rolle, dass der Film eine beispiellose Zuschauererregung auslöste. Selbst akkreditierte Journalisten konnten den Saal nicht betreten. Unter anderem wollten die Leute, dass mindestens ein Auge auf eine so legendäre Person wie Eldar Ryazanov blickt. Die zweiten beiden oder, wie sie genannt wurden, der Sonderpreis der Jury gingen an Alla Surikova und Konstantin Lopushansky. Ich denke, dass niemand irgendwelche Zweifel oder Einwände dagegen hatte. Aber die Vergabe von Preisen für schauspielerische Arbeit verwirrte. Zweifellos wurde die luxuriöse Svetlana Kryuchkova als beste Schauspielerin anerkannt, aber in diesem Fall spielte sie eine ziemlich nebensächliche Rolle in Däumelinchen, einem Märchenfilm unter der Regie von Leonid Nechaev, ähnlich einem grellen, honigfegenden Bild mit geflügelten Engeln und unnatürlich Kinder in den Rollen von Kröten, Käfern und Spinnen, die süße, ausdruckslose Lieder singen. Die Jury hat sich offenbar entschieden, die berühmte Schauspielerin willkommen zu heißen, und war der Ansicht, dass die junge Elizaveta Boyarskaya, die im Film Alla Surikova brillant spielte, noch zu früh für das Kino Olympus ist. Den Preis für die beste männliche Rolle verdiente meiner Meinung nach Alexander Baluev, der im Film derselben Alla Surikova sein Bild eines tapferen Serienkriegers, Geschäftsmanns oder einer Mafia absolut verändert hat. Ich denke, Radiohörer, die den Film „Ugly Swans“ von Konstantin Lopushansky gesehen haben, werden mir zustimmen, dass die Entdeckung dieses Filmjahres Grigory Gladiy war, der sicherlich auch ein Anwärter auf den Preis sein könnte. Doch die Palme ging an Yuri Chursin, der gekonnt in Kirill Serebrennikovs gehyptem Film „Playing the Victim“ mitspielte. Bei diesem Fest gab es viele Preise, fast jede Schwester erhielt einen Ohrring. Lassen Sie mich nur sagen, dass die Jury unter der Leitung des ehrwürdigen Schriftstellers Sergei Yesin viel Arbeit an der Formulierung geleistet hat, die diesen oder jenen Preis rechtfertigt. Manchmal waren sie sehr lustig. Alle Teilnehmer stellten einhellig fest, dass das Niveau des aktuellen Gatschina-Festivals unverändert hoch sei. Wahrscheinlich. Aber lassen Sie die Organisatoren und Teilnehmer nicht von mir beleidigt sein, für mich war das Hauptereignis von Gatchina das Retrospektivprogramm, das die auf dem Gosfilmofond-Festival unter Beteiligung von Jean Gobain, Anna Magnani, Elena Solovey präsentierten Filme umfasste ... Und wenn Ich war der Vorsitzende der Jury, dann verlieh ich gegen alle Regeln Preise für die besten Rollen an die erstaunliche Olga Ostroumova und Mikhail Kononov für den Film „Vasily and Vasilisa“, der auch im Retrospektivprogramm gezeigt wurde.

Das Filmfestival "Literatur und Kino" hat seit 13 Jahren internationales Niveau erreicht. Gäste und Teilnehmer waren Filmemacher und Schriftsteller aus Deutschland, Tschechien, Polen, den USA, Italien und Frankreich. Ich hatte Gelegenheit, mich mit einem der Gäste aus dem sogenannten nahen Ausland zu unterhalten, der ukrainischen Regisseurin Alla Yakovleva, der Autorin des Kurzfilms „Der Name“ mit Bohdan Stupka.

Alla, zuerst möchte ich dir eine so dumme Frage stellen: Warum bist du hier in Gatchina?

Alla Jakowlewa: Die gleiche dumme Antwort: Ich habe die Premiere am zweiten Tag in Toronto, am neunten - in Philadelphia, und ich - in Gatchina. Vielleicht ist mein Herz hier.

Pawel Podkladow: Ist das Herz hier, obwohl wir uns in verschiedenen Zuständen befinden?

Alla Jakowslewa: Seit meiner Kindheit hatte ich das Gefühl, dass es ein solches Land des Geistes gibt, wo Menschen, die sich mit Kreativität beschäftigen, alle Verwandte sind, wir haben ein Land. Dieses Gefühl setzt sich hier in Gatchina fort. Dass alle Menschen in diesem Sinne Verwandte sind. Und nah beieinander liegende Ideen werden übertragen, und Stimmungen und Gedanken, es findet ein Austausch statt, und es ist sehr wertvoll, dass unser Land immer ein einziges Land der Kreativität bleibt.

Pawel Podkladow: Und jetzt gehe ich doch in ein bestimmtes Gebiet in diesem Land des Geistes und frage nach der Ukraine: Wie leben Filmemacher dort im Vergleich zu früher? Sie sind zwar ein junger Mann und haben daher wahrscheinlich keine sowjetische Kinematographie gefunden, aber wie ist das Leben trotzdem?

Alla Jakowlewa: Lebt wie überall und wie alle anderen - es ist hart. Aber nicht hoffnungslos. Dennoch gibt es Hoffnungen, es gibt junge begabte Jungs. Hier sind ukrainische Gemälde. Wir sind froh, dass wir hervorragende Lehrer haben. „Orange Love“ erhielt beim russischen Festival in Anapa den ersten Preis für die beste Regie. Das heißt, wir leben und werden leben.

Pawel Podkladow: Gibt Ihnen wie uns der Markt den Filmemachern vor, wie es weitergehen soll, oder gibt es doch andere Ansatzpunkte?

Alla Jakowlewa: Der Markt ist sehr gut. Und Produzentenfilme. Du bringst einige Projekte mit und sie sagen zu dir: „Nun, wen hast du mitgebracht? Sie wissen, dass Maßnahmen erforderlich sind, dass zwei Kills erforderlich sind und drei besser sind. Verfolgungsjagden und Zerstückelung auf dem Bildschirm zu haben. Im Grunde führt die Richtung aus irgendeinem Grund zu den schlechtesten Beispielen des amerikanischen Kinos. Das amerikanische Kino ist auch ein riesiges Land, und wir sehen das Schlimmste abstoßend. Und sie haben auch Beispiele für wirklich hohe Kinematographie. Sie erreichen uns nicht. Und deshalb denke ich, dass diese Situation durchbrochen werden muss. Wenn Sie sich vorstellen, dann ist es das Beste, Ihre Leute zu erziehen, sich um sie zu kümmern. So ist der Schutz der Umwelt, genauso wie es notwendig ist, die Seele und Kultur eines jeden Landes zu schützen.

Pawel Podkladow: Zum Schluss möchte ich sehr gerne pathetisch verkünden: Das Festival ist vorbei, es lebe das Festival! Aber am Rande der letzten Tage kursierten Gerüchte, dass die Durchführung des nächsten Gatchina-Festivals eine große Frage sei. Der Grund sind entweder Probleme mit der Finanzierung oder eine Art Sprung in der Zusammensetzung der Gründer. Kommt Zeit, kommt Rat.

Marina Timaschewa: Fortsetzung des Gesprächs zum Thema „Alexander der Große ist natürlich ein Held“, das in der Ausgabe der Buchbesprechung von Ilya Smirnov begonnen wurde

Ich wünsche den Stühlen und anderen antiken Möbeln in der Eremitage alles Gute und übergebe Tatyana Voltskaya das Wort. Sie wird über die Ausstellung "Alexander der Große, der Weg nach Osten" sprechen. Ihr Ziel ist es nachzuzeichnen, wie sich die Welt unter dem Einfluss von Alexanders Feldzug verändert hat.

Tatjana Voltskaja: Alexander der Große tritt von der Schwelle des Nikolaussaals immer weiter nach Osten. Noch nie gab es eine so beeindruckende Ausstellung über den Hellenismus. 500 Exponate (davon 180 erstmals ausgestellt) erzählen nicht so sehr von jedem Schritt des Feldherrn, sondern vom immer wiederkehrenden Echo, das dieser Schritt in Geschichte und Kultur erzeugt. Das Geräusch von Schritten ist vom 5. Jahrhundert v. Chr. Bis zum 19. Jahrhundert n. Chr. Zu hören. Schilde und Helme, verzierte Schwertgriffe, wie bei einem Hochzeitsfest geschmückte Mordwaffen, hängende Ohrringe, Fresken und sogar beliebte Drucke. Mein Virgil in dieser Welt, so materiell und schon so jenseitig, war Anna Trofimova, Leiterin der Abteilung für Antike der Staatlichen Eremitage, Kuratorin der Ausstellung.

Anna Trofimova: Der erste Abschnitt erzählt davon, wie Alexander in der Kunst der Neuzeit in den Ländern Westeuropas und Russlands gesehen, dargestellt und verstanden wurde. Der nächste Abschnitt ist Alexanders Ostfeldzug. Oder besser gesagt, die Welt der Ära Alexanders und der nächsten danach, die Länder, die er besuchte, welchen Einfluss er auf die Welt um ihn herum hatte. Die Ära Alexanders eröffnete die Errungenschaften der griechischen Kultur, der griechischen Sprache, Lebensweise, des künstlerischen Stils der Griechen, die sich nach Osten ausbreiteten. Ein wichtiges Merkmal der Ausstellung ist, dass sie nur aus Gegenständen der Eremitage besteht. Im Allgemeinen könnte kein einziges Museum auf der Welt eine solche Ausstellung alleine machen.

Tatjana Voltskaja: Fast sofort richten sich die Augen unwillkürlich auf das Porträt von Richard Brunton, das zwei süße Jungen darstellt - Catherines Enkelkinder. Das sind Alexander und Konstantin. Alexander, der Enkel von Katharina, auf den sie im Zusammenhang mit dem griechischen Projekt - einem grandiosen politischen Plan zur Wiederherstellung des Byzantinischen Reiches - besondere Hoffnungen setzte. Alexander durchschlägt hier den gordischen Knoten. Ganz anders das zweite Exponat. Dies ist Aquarius, ein Gerät für Wasser. Es wird im Mittelalter in Deutschland aus Bronze gefertigt. Tatsächlich hat sich der Alexandermythos sehr verändert, er hat so seltsame, bizarre Umrisse angenommen. Hier reitet Pankasta, Alexanders Freundin, auf einem lustigen Tier. Es gab eine solche Legende, dass Aristoteles Alexander angeblich Moral vorgelesen und versucht hatte, ihn zur Abstinenz zu rufen, und dafür beschloss Pancasta, sich zu rächen. Sie bezauberte Aristoteles und erhielt die Erlaubnis, ihn zu reiten. Und eine solche Handlung wird erfasst. Verschiedene Denkmäler zeigen unterschiedliche Facetten dieses sehr vielseitigen Bildes.

Tatjana Voltskaja: Die Brechung hellenistischer Motive irgendwo im 16. Jahrhundert, in der Ära des Manierismus, ist sehr merkwürdig. Aber ich bin wirklich fasziniert von der echten Antike. Hier ist sie, die Waffe, die die Welt erobert hat. Und dann - dieselbe Welt. Jeder Teil davon hat eine eigene Farbe. Die Ausstellung folgt Alexanders Weg. Nehmen wir zum Beispiel Hellas.

Anna Trofimova: Zwei Porträts: Demosthenes und Aeschines. Das sind politische Gegner, Redner. Demosthenes fungierte als unversöhnlicher Gegner von Philipp II., der in diesem Moment zum Vater von Makedonien aufstieg. Und Eschin, wie wir jetzt sagen würden, setzte sich für seine Interessen ein. Hier sind griechische Denkmäler, die zeigen, wie die Kunst von Hellas blühte, was seine Kultur war, Bilder von Mythen, Helden in der Zeit vor den Feldzügen von Alexander und vor allem zeigen, womit er aufgewachsen ist, welche Bilder und Ideale er aufgenommen hat. Der nächste Abschnitt ist die hellenistische Zeit, Griechenland und angrenzende Gebiete, Kleinasien, das Mittelmeer in der hellenistischen Zeit. Und hier zeigt eine wunderbare Büste Achilles, der sehr an den mazedonischen König erinnert. Die Porträts von Alexander hatten einen so großen Einfluss auf die Darstellung von Helden und Göttern, dass es sehr oft schwierig ist, zu unterscheiden, und es ist nicht klar, wer abgebildet ist – ein Held oder ein Gott. Hier ist also sein Merkmal - eine Locke über der Stirn - eine Frisur in Form einer Löwenmähne und ein inspirierter, aufgeregter Blick, der zum Himmel erhoben wird. Hier, bitte, sogar der Kopf eines Kriegers in einem bronzenen Teil eines Streitwagens, der in der Nähe von Kertsch gefunden wurde, griechische Arbeit, anscheinend, und selbst dann - es ähnelt dem Bild von Alexander, er hat seine Zeit so sehr beeindruckt.

Tatjana Voltskaja: Griechenland ist rot. Hinter ihr liegt das sandige Ägypten.

Anna Trofimova: Papyri mit griechischen Texten, weil sich die griechische Sprache nach dem Alexanderfeldzug mit dem Aufkommen der hellenistischen Ära in vielen Regionen ausbreitete und zu einer internationalen Sprache wurde. Hier können wir vielleicht eine Analogie zum Englischen, zum Französischen ziehen. Hier befindet sich auch die Gonzago Cameo, Werke aus späterer Zeit, aber sehr charakteristisch für den alexandrinischen Stil der von Alexander gegründeten Stadt. Wie Sie wissen, gründete er mehr als hundert Städte, und die berühmteste Stadt war Alexandria, die Perle des Mittelmeers, das Zentrum der Künste. Viele Forscher stritten sich, wer hier abgebildet ist, und sahen hier sogar das Bild von Alexander selbst zusammen mit der Olympias. Andere glaubten, dass dies der Kaiser Augustus und seine Frau Livia waren. Es ist heute allgemein anerkannt, dass es sich um ein ägyptisches Königspaar handelt - Ptolemaios und Arsenoy. Dieses Denkmal zeigt den prächtigen, hellen, königlichen alexandrinischen Stil. Hofkunst ist etwas, das gerade in der hellenistischen Ära auftaucht. Griechenland war eine Demokratie, also gab es keine Höfe. Das sind die Götter, die die alten Züge des Altägyptischen und zugleich Griechischen in sich aufgenommen haben. Das ist Isis, Serapis. All diese Exponate zeigen, wie sehr diese ägyptischen Formen den griechischen Stil und griechischen Einfluss verändern.

Tatjana Voltskaja: Aber das Überraschendste hier sind wahrscheinlich die Porträts, die auf den Mumien angebracht wurden, da Fotografien heute auf den Gräbern geliebter Menschen angebracht werden.

Anna Trofimova: In Ägypten gab es keine Tradition, Menschen so naturalistisch darzustellen, wie im Porträt, fotografisch, wie wir sagen würden. Sie sind in der Encaustic-Technik hergestellt, einer Technik, die aus Griechenland stammt, und der Stil selbst ist absolut griechisch. Für uns ist die griechische Malerei nicht angekommen. Aber durch das Prisma der ägyptischen Kultur kann es von uns verstanden werden. Baktrien, Syrien, Persien und der Iran sind bemerkenswerte Denkmäler der griechisch-baktrischen Kunst. Dies sind die berühmten Phalare mit Elefanten, bekannte Denkmäler der Eremitage-Sammlung, Göttinnenbilder, die auch stark von griechischem Einfluss aufgefächert sind. Das ist ungewöhnlich, weil der syrische Stil ganz anders war. In der Folge blühte hier Palmyra auf, das auch alte Traditionen, Persien und den Iran vor Alexander (achämenidische Ära), dh das Reich, dem Alexander begegnete, und unmittelbar danach aufnahm.

Tatjana Voltskaja: Dies sind im Allgemeinen Dinge, die, könnte man sagen, unter Darius waren.

Anna Trofimova: Grob gesagt, ja.

Tatjana Voltskaja: Ich mag diesen Kragen sehr.

Anna Trofimova: Dies ist eine Dekoration. So massiv.

Tatjana Voltskaja: Es war schwer zu dekorieren.

Anna Trofimova: Tatsächlich war das Persische Reich, ein riesiges Reich, sehr reich. Die Tatsache, dass es hier so viele Denkmäler aus Gold gibt, ist kein Zufall. Gold ist das, was Alexander als Ergebnis seiner Kampagne erbeutet hat.

Die grünen Schilde sind Zentralasien. Tatsächlich ist dies Zentralasien. Ausgrabungen in Penjikent. Ich war erstaunt über die Reaktion der Ausstellungsbesucher, die sagten: "Na, wow, Zentralasien, aber schau, was Griechisch bildet!". Ohne Gründe. Hier, auf dem Territorium Zentralasiens, arbeiteten Bildhauer auf griechische Weise. Am liebsten mag ich ziemlich bekannte Denkmäler - den Airtam-Fries, der im Airtam-Trakt am Ufer des Amu Darya gefunden wurde.

Tatjana Voltskaja: Ich sehe, die vierarmige Göttin ist auch leicht griechisch?

Anna Trofimova: Hier sind alle Exponate versammelt, die eine solche Mischung zeigen. Angenommen, wenn der griechische Stil im Mittelmeerraum organisch war, dann war sein Aussehen hier ziemlich seltsam und ungewöhnlich. Und unsere Ausstellung handelt davon. Wie der griechische Geschmack, der griechische Stil, der Einfluss und diese Sprache ist künstlerisch, wie sie als Ergebnis von Alexanders Feldzügen eine riesige Region eroberte. Das heißt, wir können sagen, dass die Idee so kulturell, humanitär ist. Hier, in diesem Fresko, sehen Experten eine Illustration von Äsops Fabel über die Gans, die die goldenen Eier legte.

Tatjana Voltskaja: Aber die Figur von Äsops Fabel sitzt im Schlafrock wie in einem Teehaus. Hier ist ein weiteres Fresko aus einer mittelalterlichen östlichen Stadt. Es zeigt eine römische Wölfin, die Romulus und Remus füttert. Und wenn man sich die vielarmigen indischen Gottheiten mit griechischen Gesichtern ansieht, dreht sich einem nur noch der Kopf. Sie sehen mit eigenen Augen, wie eine Injektion verführerischer griechischer Schönheit auf Alexanders Speeren durch die ganze Welt geht und ihn für immer berauscht.

Marina Timaschewa: Heute haben wir, wie im vorigen Programm, persische Motive, aber dieses Mal - im positiven Sinne. Das Iosif Raihelgauz Theater „School of the Modern Play“ und die Kulturvertretung der iranischen Botschaft präsentierten ein Triptychon aus den Aufführungen des Taziye-Mysteriums. Der Historiker Ilya Smirnov teilt seine Eindrücke und Kommentare.

Ilja Smirnow: Taziye (Ta’ziyya, Taziye), also „Trauer“ oder „Trauer“, ist ein mittelalterliches iranisches Mysterienspiel, eine frühe Form des Theaters, das bis heute fester Bestandteil des religiösen Ritus ist. Nämlich die Ashura-Zeremonie, die für schiitische Muslime die wichtigste ist. Europäern ist es besser bekannt unter dem Namen "Shahsey - Wahsey", von "Shah Hussein, wah, Hussein". Die Schreie der Gläubigen, wie sie durch europäisches Hören verwandelt wurden.

Erinnern Sie sich daran, dass die erste ernsthafte Spaltung im Islam auftrat, weil der Titel des Kalifen, dh des heiligen Herrschers, der spirituelle und weltliche Macht verbindet, übertragen werden sollte. Die Schiiten bestanden darauf, dass die unmittelbaren Nachkommen des Propheten Muhammad Kalifen werden. Für diese Zeit, das 7. Jahrhundert, ist der Standpunkt der natürlichste, aber seine Anhänger wurden besiegt. Hussein ist also der Enkel des Propheten, der Sohn des Kalifen Ali und Fatima, die Tochter Mohammeds. Und sein heldenhafter Tod im Kampf mit den Truppen des Kalifen Yazid wird immer noch betrauert. Im vergangenen Jahr zeigte das Fernsehen Prozessionen von Gläubigen im Libanon und in anderen Ländern, in denen Schiiten leben: Raserei, Selbstquälerei. Aber die Trauerfeier beinhaltet nicht nur das. Es gibt auch ein Theater, das in der Kunst des alten, vorislamischen Persiens verwurzelt ist. Und seltsamerweise hilft das alte Geheimnis mit all der Konventionalität der Bühne, die Gründe für die Niederlage von Imam Hussein zu verstehen.

Die von Rakhim Siyakhkarzade angeführte Truppe wählte drei Fragmente einer tragischen Geschichte für die erste Bekanntschaft des russischen Publikums mit der Taziye aus, die jeweils eine vollständige Handlung mit ihrem zentralen Charakter bilden. Mosallam (Muslim ibn Akil) - Husseins Cousin schickte ihm eine Einladung von den Einwohnern der Stadt Kufa, aber bald darauf wurde er hingerichtet, und die vom Kalifen verängstigten Einwohner der Stadt traten weder für Mosallam noch für für Hussein selbst. Übrigens kommt die besondere emotionale Stimmung der Trauerzüge gerade von der Reue der Einwohner von Kufa. Des Weiteren. Khorr (al-Hurr ibn Yazid) - ein Militärkommandant, der von den Behörden geschickt wurde, um Hussein zu treffen, vor unseren Augen entfaltet sich die Tragödie dieses Mannes, der daran gewöhnt ist, Befehlen zu gehorchen, aber nicht in der Lage ist, Waffen gegen den Enkel des Propheten zu erheben, und beschließt am Ende, mit ihm zu sterben (historische Tatsache). Schließlich ist Kasem Husseins junger Neffe. Er versuchte, den jungen Mann daran zu hindern, sich an einem selbstmörderischen Unternehmen zu beteiligen, aber Kasem bestand auf seinem Recht, sein Leben für eine heilige Sache zu geben.

Statt der rituellen Einführungspredigt des Mullahs erklärt der Regisseur den Moskowitern über einen Dolmetscher die Besonderheiten des Genres. Das ist Performance-Theater in seiner reinsten Form. Die Aufgabe des Schauspielers besteht nicht darin, einen Helden (oder Bösewicht) zu spielen und sich mit ihm zu identifizieren, sondern zu zeigen, was mit dieser Person passiert ist. Ismail Muhammadi Nevesi ist einer der führenden Schurkenfiguren des Iran, und sein Kollege Yahya Tanha spielt seit 35 Jahren die Rollen edler Helden. Die poetischen Texte der Tragödie werden ausgesprochen oder zur Musik gesungen. Der negative Charakter, der Gouverneur Ubaydallah, sagt - der Kommandant Khorr singt als Antwort. Nachdem er einen Termin erhalten hat, der durch die Übergabe eines Schwertes, eines Schildes, eines Kettenhemdes und eines Helms mit gelben Federn angezeigt wird, führt er einen kriegerischen Tanz auf. Es gibt keine Dekorationen. Es gibt auch keine Masken, sondern sie werden tatsächlich durch ein System kanonischer Attribute ersetzt. Grün ist die Farbe eines positiven Helden. Gelb steht für Zweifel. Schließlich weisen die roten Kleider und Federn auf dem Helm darauf hin, dass der Charakter, wie der iranische Übersetzer sagte, nicht ganz auf Russisch ist, sondern tatsächlich richtig und ausdrucksstark - er hat „tödliche Taten und dieselbe Seele“. Alles hier hat eine symbolische Bedeutung. Zum Beispiel ist der Blick durch die Finger eine Vorhersage der Zukunft.

Im Vergleich dazu tragen die Guten im traditionellen chinesischen Theater rote Anzüge. Und Dämonen erscheinen mit einem grünen Gesicht.

Aber zurück zur Geschichte von Hussein. Das Wort "Kampf" in Bezug auf die Umstände seines Todes ist nicht ganz angemessen. Wie es in der grundlegenden "Geschichte des Kalifats" von Oleg Georgievich Bolshakov heißt, "eine seltsame Schlacht von 80 Menschen mit einer fünftausendsten Armee". Aber nachdem er versprochen hatte, nach Kufa zu kommen, konnte der Enkel des Propheten nicht umkehren, konnte nicht einmal seinen Kopf vor dem beugen, den er für einen Usurpator hielt. Die Helden der Taziye zeigen uns Beispiele für ritterliches Verhalten, das im Allgemeinen für den frühen Islam charakteristisch ist. Betrachtet man die Gründe für seinen Siegeszug durch die Länder der wirtschaftlich höher entwickelten Nachbarreiche, durch den die modernen Ägypter, Syrer und Palästinenser (ehemalige byzantinische Christen) zu dem wurden, was sie sind, können wir diesen Faktor nicht ignorieren. Als zum Beispiel ein arabischer Kommandant, der gezwungen war, eine kürzlich eroberte Stadt zu verlassen, den Einwohnern Steuern zurückerstattete, die er von ihnen eintreiben konnte. Außerdem erstaunlich für die damalige Zeit religiöse Toleranz. Mit Waffen in der Hand wurde die Machtfrage gelöst, aber der Islam hat nie so etwas wie die Inquisition hervorgebracht, und Schiiten, gemischt mit Sunniten und Kharijiten, pilgern immer noch gemeinsam zu heiligen Stätten. Aber Hussein erwies sich wahrscheinlich als zu sehr als Ritter und nicht als Politiker, mit solchen Charaktereigenschaften werden sie zu Helden der Gedichte, aber nicht zu den Gründern starker Dynastien.

Taziyeh ist ein weiterer Beweis gegen jene Schriftsteller (ich möchte sie nicht Historiker nennen), die die Einheit der menschlichen Zivilisation und die allgemeinen Gesetze ihrer Entwicklung leugnen. Das traditionelle Theater, das völlig unabhängig voneinander unter verschiedenen Völkern entstanden ist, beispielsweise im Iran und im Fernen Osten, weist eine frappierende Ähnlichkeit auf: Ursprünge aus einer religiösen Zeremonie, eine Kombination aus Rezitation und Gesang, Aufführung zu Musik, ein offenes Areal, die Symbolik von Blumen, starr fixierte Rollen, in denen sich der Schauspieler lebenslang perfektionierte. Nun, es gibt keine objektiven Gesetze der Geschichte, oder?

Und besonderen Dank an die „School of the Modern Play“, die uns daran erinnert, dass wir alle vom gleichen Blut sind. Theaterleute verstehen das besser als Politiker.

Marina Timaschewa: Der 13. März markiert den 70. Jahrestag von Vladimir Makanin, Schriftsteller, Gewinner vieler Literaturpreise. Seine Werke wurden in Dutzende von Sprachen übersetzt. Und zusammen mit der stellvertretenden Chefredakteurin der Zeitschrift Znamya, der Literaturkritikerin Natalya Ivanova, gratulieren wir Vladimir Semenovich Makanin zu seinem Jubiläum.

Natalja Iwanowa: Vladimir Makanin ist ein Schriftsteller, der weder der sowjetischen noch der postsowjetischen oder der Untergrundliteratur zuzuordnen ist. Dies ist ein Schriftsteller außerhalb von Gruppen, Richtungen, Strömungen. Russischer Schriftsteller der Sowjetzeit - das war er damals. Ich kenne ihn schon sehr lange. Wir sahen uns an, ohne uns zu kennen, im berühmten dritten Saal der Lenin-Bibliothek. Er ging immer mit einer Schar hübscher Mädchen, die sich als Kunstkritiker herausstellten. Wir sahen uns an, und dann kamen allmählich die Dinge ans Licht, an denen ein mir unbekannter Prosaautor arbeitete. Sein erstes Ding hieß: "Auf den ersten Atemzug." Es wurde fast im 65. Jahr fast in der Zeitschrift "Moskau" veröffentlicht. Aber er wurde kein Zeitschriftenautor. Und das war die Zeit, in der man, um ein vielgelesener Schriftsteller zu werden, eine Zeitschrift durchgehen musste. Es war so. In einer späteren Geschichte wird Makanin von sich sagen „Nachzügler“. In dem Sinne, dass er keine Zeit hatte, in den Novy Mir-Zug zu springen, der bereits in Vergessenheit geriet. Er schien dort etwas zu tragen, hatte aber keine Zeit für Tvardovsky. Und diese so seltsame Position ist teilweise erzwungen…. Er ist hinter der Zeit, es ist wie eine Aporie über Achilles und die Schildkröte. Diejenigen, die abgesprungen sind, sind heute weit hinter der Zeit zurückgeblieben. Aber Makanin hat alles und alles überrascht uns mit seinen Innovationen. Makanin war einem engen Kreis von Schriftstellern und Lesern bekannt, denen es gelang, seine Bücher zu bekommen. Es war damals ein Schriftsteller, wie ich es damals aus seiner eigenen Prosa gezogen habe, „Möbelzeit“. Das heißt, er schuf eine groteske Typologie des Sowjetvolkes, der Sowjetzeit, und tatsächlich nicht des Sowjetvolkes. Denn Dinge wie „Citizen Runaway“ oder „Anti-Leader“ lagen sehr weit außerhalb des allgemeinen Stroms. Makanin ist einerseits der Anführer der Generation, andererseits ist er ein informeller Anführer. Makanin ging sehr ruhig durch die Zeit. Das heißt, für ihn hat sich tatsächlich nichts daran geändert, dass Gorbatschow, Glasnost, Jelzin begannen. Von Beruf ist er Mathematiker. Es gibt sogar Bücher des Mathematikers Makanin. Deshalb entdeckt er einige Gesetze und entwickelt dann diese Gesetze. Sagen wir, eine seiner frühen Geschichten "Klyucharev and Alimushkin". Dies ist, wenn alles von einem Helden abnimmt, bis zu dem Punkt, an dem er krank wird, stirbt, und alles zu einem anderen, seinem Freund, zurückkehrt. Makanin, als denkender Mensch, als Schriftsteller nicht nur begabt, sondern auch intelligent, schreibt eine bittere Prosa nach der anderen, in der er die folgenden Enttäuschungen voraussieht. Zuerst schrieb er eine sehr enttäuschende Prosa über die sechziger Jahre, dieses Ding hieß "Eins und Eins", dann "Der Mann im Gefolge" - ein Ding, in dem er den Typus Mensch für alle Zeiten analysiert. Und heute sehen wir sie überall. Aber es ist nicht nur die soziologische Genauigkeit dessen, was Makanin sieht. Es geht um seinen Stil. Wenn wir beispielsweise die Anzahl der Klammern in seiner Prosa analysieren, werden wir feststellen, dass er jedes Mal mit Hilfe von Klammern, Punkten und Strichen die Tiefe seines Textes und die Möglichkeit, den Text als fast mathematische Metaphern wahrzunehmen, erhöht. Etwas ist mit dem Booker Committee passiert, das eine so seltsame endgültige Entscheidung getroffen hat, als der Preis an Mark Kharitonov verliehen wurde. Vergessen wir nicht, dass damals Petrushevskayas „Time is Night“ und Makanins „Laz“ in Bookers Sechs waren. Die Geschichte „Laz“ hat gezeigt, was relativ gesehen mit liberalen Demokraten passieren kann, was die Gesellschaft in der Zeit der Befreiung vom Kommunismus relativ erreichen kann, obwohl er es in keiner Weise benennt. Ich möchte Sie daran erinnern, dass die Handlung dort gleichzeitig in einem sehr hellen Kerker stattfindet, in dem sich nette Menschen versammeln, sehr leckeren Wein trinken und sich wohl fühlen, aber ihnen nur die Luft fehlt, und oben in einer verdorbenen, heruntergekommenen, schrecklichen Welt, wo es ist unmöglich ist, sein Kind zu retten, wo Massen von fast verrückten Menschen umher rennen. Hier ist so eine Dystopie, die er dann geschrieben hat. Die Jury vergab diese Auszeichnung an Mark Kharitonov. Das war schlecht für Booker, nicht für Makanin. Makanin war ein Mann, der einige Preise gesammelt hat und sammelt – er ist der Gewinner des Oxford-Puschkin-Preises, des Booker-Preises, aber für etwas ganz anderes, für die Geschichte „Ein Tisch mit Tuch bedeckt und mit einer Karaffe in der Mitte “, veröffentlicht in der Zeitschrift Znamya. Das ist eher ein Essay als Prosa. Sehr schön, aber bei weitem nicht so stark wie Laz. Darüber hinaus führte dieser räuberische Blick, mit dem Makanin begabt ist, und seine nicht zimperliche Haltung gegenüber dem, was um ihn herum passiert, zu einer noch größeren Distanzierung, würde ich sagen, von dem Material, das er beschreibt. Er ist ein zäher Schriftsteller, er ist Bakteriologe, und er mag die Mikrobe nicht, mit der er arbeitet. Und nach diesen Dingen, die ich benannt habe, kreiert er ein ziemlich grandioses Wandbild „Underground or a Hero of Our Time“, wo er alles auf den Kopf stellt. Dies ist ein Roman über einen Schriftsteller, der keinen Roman schreibt, sondern ihn ständig im Kopf des Lesers schreibt. Er versteht, wie es ist, ein Schriftsteller zu sein, der aus dem Untergrund kommt, und ein Schriftsteller, der den Untergrund nicht verlassen will. Und wenn Sie nicht gehen wollen, wenn Sie wirklich ehrlich sind, - denkt Makanins Held, - können Sie nicht aus dem Untergrund in einen gestreichelten, geliebten, literarischen Pop werden, alles ist käuflich. Solch ein Held von Präsentationen, Performances. .. Makanin diese Literatur, die ich gerade aufgelistet habe, verachtet er. Was jetzt? Jetzt ist Makanin in ausgezeichneter literarischer Form. Du wirst ihm niemals 70 Jahre geben. Sein biologisches Talent zeichnet sich durch Ausdauer und Vorahnung aus. Am Vorabend des Tschetschenienkrieges sind wir zusammen geflogen und er sagt im Flugzeug zu mir: „Willst du eine Geschichte lesen?“ Und er gab mir den "Gefangenen des Kaukasus". Das war vor Tschetschenien. Wie hat er es empfunden? Zwei Monate später begann eine Operation in Tschetschenien. Es ist diese Vorahnung, die ihn bis heute durch die Literatur leitet. Obwohl ich auf eine Portion Gift nicht verzichten kann. Sein letztes Buch, Fright, lässt mich persönlich gleichgültig. Mir scheint, dass er heute mit vereinfachten, journalistischen, offenen Mitteln stigmatisieren will, was ihm nicht gefällt, und entlarven will, was ihm ekelhaft vorkommt. In einem seiner Werke - "Eine erfolgreiche Liebesgeschichte" - sagt der Held, früher Schriftsteller und jetzt Fernsehmoderator, dass das Fernsehen die Literatur "gerinnen" lässt. Es scheint mir, dass Makanin in seinem letzten Stück seine Literatur "gerinnen" lässt, indem er seine Sahne in trockenen Hüttenkäse verwandelt, also drückt er alles aus. Und es ist für mich nicht mehr so interessant wie Makanin in der Vergangenheit. Aber ich hoffe, dass er sein Versprechen einlösen und den neuen Roman bei der Redaktion der Zeitschrift Znamya einreichen wird. Ich freue mich sehr auf diesen Moment, ich wünsche mir, dass Vladimir Makanin derselbe ist, wie ich ihn zum ersten Mal in einem großen, wunderbaren, wunderschönen Bibliotheksgebäude gesehen habe, auch umgeben von den Musen, sagen wir mal.

Ab 2016 wird der Tag der Eremitage ein offizieller Stadtfeiertag. Das entsprechende Dokument wurde bereits vom Gouverneur von St. Petersburg unterzeichnet. Damit rückt die weltweit vernetzte Eremitage, die im europäischen Museumsgeschehen die Mode diktiert, näher an die Stadt heran.

Der Tag der Eremitage, der jährlich am 7. Dezember gefeiert wird, wird in St. Petersburg zum offiziellen Feiertag. Die Entscheidung wurde bereits vom Gouverneur genehmigt und befindet sich nun im Gerichtsverfahren. Mit dieser Nachricht begann der Leiter der Eremitage, Mikhail Piotrovsky, seine jährliche Pressekonferenz. Er wies darauf hin, dass der Stadturlaub dem Museum die Möglichkeit gebe, verschiedene Veranstaltungen durchzuführen, zum Beispiel eine 3D-Show auf dem Schlossplatz. Zu den wichtigsten Errungenschaften des Jubiläumsjahres: Die Eremitage erhielt gleich in zwei Kategorien – Museum des Jahres und Ausstellung des Jahres – den renommierten Museum Olympus Award.

„Die Eremitage ist zu einem globalen Museum geworden, das der Welt noch nie so geöffnet wurde, wie es jetzt ist. In vielerlei Hinsicht diktiert die Eremitage die Museumsmode in der Welt: die Schaffung von Zentren und offenen Depots und vieles mehr.“

Die Eremitage ist heute eine dynamische Kombination aus Dauerausstellungen, neuen Ausstellungsräumen, wechselnden Ausstellungen, offenen Lagern und Ausstellungen außerhalb der Eremitage in allen Teilen der Welt, die die Ausstellungsmöglichkeiten und das Publikum des Museums erheblich erweitert haben. Als Beweis dafür wurden am Vortag fünf neue Ausstellungen im Restaurierungs- und Aufbewahrungszentrum Staraya Derevnya eröffnet. Hallen der offenen Aufbewahrung einzigartiger Exponate der Abteilung für Antike Welt. Architektur, Nekropole, Amphoren, Sarkophage und Inschriften – all das wird erstmals der Öffentlichkeit gezeigt.

Anna Trofimova, Leiterin Abteilung für Antike Welt der Staatlichen Eremitage:

"Jedes Museum hat den Teil der Sammlung, der ausgestellt ist, und den Teil, der sich in der Speisekammer befindet. Dies ist eine ständige Wahl: das Beste - für die Ausstellung und die weniger berühmten - in der Speisekammer. Aber die Das Konzept des Wertes eines Denkmals für Geschichte, Kultur und Kunst ändert sich, und jetzt befinden wir uns sogar in Amphoren, die vor hundert Jahren als solche Masse galten, uninteressant, wir sehen so viele Informationen in einer alten Amphore, wir können sagen wir bis zu einem Jahrzehnt, als es auf Kosten des Brandings und vieler anderer Dinge gemacht wurde.

Das Jahr für die Eremitage ist noch nicht vorbei. Im Nikolaussaal des Winterpalais wurde die Ausstellung „Katharina II. und Stanislaus August“ eröffnet, die mehr als einhundertfünfzig Werke der bildenden und angewandten Kunst „zweier aufgeklärter Herrscher“ präsentiert. Dies ist eine der mysteriösesten und gleichzeitig romantischsten Episoden der russisch-polnischen Beziehungen. Und das Ziel ist es, die Sammlungen der beiden Monarchen zu vergleichen, von denen eine die Grundlage für die Gründung der Eremitage bildete.

AUS ergey Androsov, Kurator der Ausstellung, Leiter. Abteilung für Westeuropäische Bildende Kunst der Staatlichen Eremitage:

„Bei der Arbeit an der Ausstellung haben wir viel entdeckt. Und wir haben einige Gemälde gefunden, die sich in der Eremitage befinden, aber wir wussten nicht, dass sie aus der Sammlung von Stanislav August stammen. Und jetzt ist es uns gelungen, 20 Gemälde zu identifizieren seine Sammlung, die sich in der Eremitage befinden."

Das Hermitage Theatre bleibt nicht hinter den Aktivitäten des Museums selbst zurück und präsentiert ein neues Programm namens Living Masterpieces. Musik, Ballett, Fotografie – auf der Bühne fügt sich alles zu einem Ganzen zusammen und es folgen Geschichten zu den Themen Antike, europäische und russische Kunst.

Pavel Yolkin, Direktor des St. Petersburger Balletttheaters. PI. Tschaikowsky:

Die Bedeutung dieses Projekts ist, dass es endlos ist. So viele Meisterwerke gibt es in der Eremitage, wie viele choreografische Nummern können wir inszenieren, wie viele Meisterwerke können wir hervorheben, die sich in der Eremitage befinden. Und das Tolle an diesem Projekt ist, dass es endlos ist."

Traditionell beteiligt sich die Eremitage aktiv an der Arbeit des internationalen Kulturforums, das bereits nächste Woche beginnen wird. Das Headquarter wird zur zentralen Plattform des Forums. Hier wird eine Ausstellung eröffnet, die Modelle aller ersten Objekte präsentiert, die in die UNESCO-Liste aufgenommen wurden. Das Forum selbst ist dem siebzigsten Jahrestag dieser Organisation gewidmet. Besondere Aufmerksamkeit wird dem Runden Tisch „80. Jahrestag der Verabschiedung des Roerich-Paktes“ geschenkt.

Mikhail Piotrovsky, Generaldirektor der Staatlichen Eremitage:

„Wir hoffen, dass der Runde Tisch mit dem bescheidenen Namen „Roerich-Pakt“ die dringendsten Probleme im Zusammenhang mit dem Schutz von Museumssammlungen unter verschiedenen Bedingungen ansprechen wird: Krieger, Streitigkeiten und alles andere. Wir werden einen Italien-Tag haben, an dem zwei Kulturminister teilnehmen werden diskutieren die Probleme von Kultur und Wirtschaft am Beispiel des italienischen Experiments und des russischen Experiments, und wir werden Materialien präsentieren, die sich auf das Hermitage-Verständnis beziehen."

Übrigens hat die Eremitage die Stadtbewohner eingeladen, sich einen neuen Namen für das Museum im Generalstabsgebäude auszudenken. Tatsache ist, dass die Eremitage nur den Ostflügel besitzt. Und in der englischen Version gibt das Wort Hauptquartier seine Bedeutung nicht ganz genau wieder, es wird eher mit verschiedenen Dienstleistungen in Verbindung gebracht. Unter den bereits vorgeschlagenen Optionen sind Hermitage Rossi und East Wing immer noch führend.

Igor Zychonow. Maxim Beljajew. Tatjana Osipova. Alexander Vysokikh und Andrey Klemeshov. Erster Kanal. Petersburg.

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