Zusammenfassung der Sonette von William Shakespeare. Wie du es magst. So übersetzen Sie Shakespeares Sonette. Eine kurze praktische Anleitung

Die Sonette von William Shakespeare gehören zu den bemerkenswerten Beispielen der Lyrik der Renaissance. Insgesamt schuf Shakespeare 154 Sonette. Die meisten Werke offenbaren das Thema Liebe, aber viele von ihnen widmen sich der Freundschaft, philosophischen Überlegungen und reflektieren manchmal auch Fragen der künstlerischen Kreativität. Sonette nehmen im reichen Erbe Shakespeares einen besonderen Platz ein. Sie wurden vom Autor nicht zur Veröffentlichung erstellt, sondern waren nur für bestimmte Personen aus dem engeren Kreis des Dichters bestimmt. Er begann in den 1590er Jahren, Sonette zu schreiben, als dieses Genre der Poesie in Mode kam.
Ein besonderes Merkmal von Shakespeares Sonetten ist die Vermittlung subtilster menschlicher Erfahrungen in farbenfrohen, manchmal unerwarteten Bildern. Shakespeares Gedichte unterscheiden sich von vielen anderen Sonettzyklen der Renaissance dadurch, dass sie der Freundschaft Vorrang vor der Liebe einräumen. Freundschaft galt als ideale Form der Beziehung, weil sie frei von Sinnlichkeit ist. Dies kommt in vielen Sonetten Shakespeares deutlich zum Ausdruck. In einigen von ihnen protestiert Shakespeare gegen die Tradition idealisierter Frauendarstellungen, wie sie in der Lyrik seit der Zeit der höfischen Literatur üblich sind. Im berühmten 130. Sonett beispielsweise kontrastiert der Autor das Aussehen seiner Geliebten kühn mit einem stereotypen poetischen Porträt einer Schönheit:

Ihre Augen sind nicht wie Sterne
Man kann seinen Mund nicht Koralle nennen...
……..
Und doch wird sie ihnen kaum nachgeben
Der in Vergleichen großartiger Menschen verleumdet wurde.

Shakespeares Sonett 66 liefert eine düstere Einschätzung der Moral einer von Lügen und Ungerechtigkeit dominierten Gesellschaft. Shakespeare wiederholt diese Gedanken durch die Lippen Hamlets in seinem berühmten Monolog „Sein oder Nichtsein“.
Von der Stimmung her stehen Shakespeares Sonette näher an der zweiten Phase seines Schaffens, als dem Dichter die Unvollkommenheit der Weltstruktur und des Lebens der Menschen offenbart wurde. Seine Sonette sind konfessioneller Natur. Beispiele für poetisches Bekenntnis finden sich bei vielen großen Dichtern. Sie können sich an Puschkins Gedicht erinnern, das er Anna Kern gewidmet hat: „Ich erinnere mich an einen wundervollen Moment ...“. Poesie erhebt den Künstler über das Niveau des Alltags. In der Poesie erlangen die Phänomene des Lebens ideale Schönheit.
Shakespeares Sonette offenbaren komplexe persönliche Beziehungen, Bewunderung für menschliche Perfektion und edle Freundschaft. Einer von ihnen beschreibt die Liebe zu einer bestimmten dunkelhäutigen Frau mit einer schwer fassbaren Seele. Shakespeare denkt im Maßstab der Ewigkeit und vermittelt gleichzeitig die Gefühle eines kleinen, zerbrechlichen, leicht verwundbaren Menschen.
Die Kunst, Sonette zu komponieren, reicht vier Jahrhunderte vor Shakespeare zurück. Nach den Regeln der Sonettlyrik musste man Gedanken und Gefühle in 14 Zeilen mit einem vorgegebenen Reimschema ausdrücken. Unter Shakespeares ersten Dutzend Sonetten gibt es viele, die Gedichten zu einem bestimmten Thema ähneln. Dies sind zum Beispiel die ersten 17 Sonette, in denen der Dichter seinen Freund überredet, zu heiraten und Kinder zu bekommen. Man kann nur staunen über die Fantasie des Dichters, der so viele Möglichkeiten findet, den gleichen Gedanken auszudrücken.
Das Thema vieler Sonette Shakespeares ist die Vergänglichkeit der Zeit, der Untergang aller schönen Dinge. Dieses Thema war in der Poesie der Renaissance weit verbreitet, doch Shakespeare fand neue künstlerische Mittel, um es auszudrücken.
Allmählich begann Shakespeare, den Kanon der Sonetttexte zu verletzen. Er führte lebendige Leidenschaften in die konventionelle Form eines Sonetts ein und beleuchtete Themen, die nach damaligen Vorstellungen unpoetisch waren.
Wenn Shakespeare seine Sonette als Werke intimer Lyrik betrachtete, dann haben sie für uns eine tiefere Bedeutung. Persönliche Gefühle spiegeln die Zeit wider, in der der Dichter lebte. Die Sonette zeigen die Tragödie der besten Persönlichkeiten der Renaissance. Der lyrische Held lebt zunächst in einer idealen Welt, erlebt aber später den gleichen Zusammenbruch der Illusionen wie Hamlet, wie Shakespeare selbst – die Tragödie des Zusammenbruchs des Humanismus. Die Wahrheit des Lebens erweist sich als hart, ihre Erfahrungen sind schmerzhaft für diejenigen, die an den bevorstehenden Triumph von Schönheit und Vernunft glaubten.
Die Sprache von Shakespeares Sonetten kommt der lebendigen Sprache nahe und enthält viele bildliche Vergleiche aus dem Alltag. In seinen Texten verwendete Shakespeare künstlerische Techniken, die geeignet waren, das Thema offenzulegen. Er gehörte keiner Schule oder Bewegung an.
Die besten Übersetzungen von Shakespeares Sonetten sind die von S. Ya. Marshak, die er in den 1940er Jahren anfertigte und für die er den Staatspreis erhielt. Marshak gelang es, die Integrität des von jedem Sonett erzeugten Eindrucks zu erreichen. Der Dichter reproduzierte die Elastizität und Energie von Shakespeares Gedichten und zeigte deren Präzision und Aphorismus. Im Wesentlichen gab Marschak diesen Werken neues Leben. Die Bedeutung von Shakespeares Sonetten ist sowohl in der Weltliteratur als auch in der russischen Literatur nach wie vor enorm.

Sonette von W. Shakespeare. Hauptmotive. In den Sonetten aufgeworfene philosophische Fragen.

Anders als die Petrarchisten stürzte sich Shakespeare nicht in die geisterhaften Himmelssphären. Was ihm am Herzen lag, war die Erde, die blühende irdische Natur, die Welt des irdischen Menschen, widersprüchlich, aber schön, sich in Freundschaft, Liebe und Kreativität behauptend.

Die Bedeutung der Sonette: Sie offenbaren den spirituellen Reichtum und die Schönheit des Renaissance-Menschen, die Größe und Tragik seiner Existenz. Dem ist das Sonett 146 gewidmet. Es verherrlicht einen Mann, der dank seiner spirituellen Suche und seiner unermüdlichen kreativen Leidenschaft Unsterblichkeit erlangen kann. Shakespeares lyrischer Held ist eine solche Person. Alle 134 Sonette sind in seinem Bild vereint. Der lyrische Held besingt seine hingebungsvolle Freundschaft mit einem wundervollen jungen Mann und seine glühende Liebe zur „dunklen Dame“. Shakespeares Sonette sind ein Zyklus, dessen Struktur durch den Charakter und die Dynamik der Gefühle des lyrischen Helden bestimmt wird.

Sonette entstanden in den gleichen Jahren wie Komödien, Historien und frühe Tragödien; sie sind mit der Dramaturgie Shakespeares verbunden. Sie drücken die Idee des Triumphs des Lebens und der Liebe, der Wechselfälle der Gefühle aus und vermitteln das für Komödien so charakteristische lyrische Element; die Sonette offenbarten ein humanistisches Interesse an Persönlichkeit und ethischem Pathos, das für Tragödien und historische Chroniken charakteristisch ist; Sie werfen philosophische Existenzprobleme auf, klingen zutiefst dramatische und manchmal tragische Motive und zeichnen das Bild einer Welt, in der Vertrauen und Adel mit Grausamkeit und Eigennutz in Konflikt geraten. Der Dichter denkt über die Probleme im Leben der Gesellschaft und die Unordnung der Welt nach. Die Gefühlswelt des lyrischen Helden ist reich, aber er verschließt sich nicht in sich selbst. Seine Seele ist offen für das Leben. Der Ungerechtigkeit werden bleibende Werte gegenübergestellt – Freundschaft, Liebe, Kunst. Shakespeares Sonette sind ein poetischer Kommentar zu dieser Zeit. Der Dichter spricht über das Leben des Herzens und verurteilt die Heuchelei und Grausamkeit der Gesellschaft.

Unter den Sonetten, die wichtige gesellschaftliche Ideen entwickeln, sticht das 66. Sonett hervor. Dies ist eine wütende Anklage gegen Betrug und Gemeinheit, siegreiches Böses und Ungerechtigkeit.

Vor dem Helden öffnet sich das Bild des Bösen, und er ruft nach dem Tod.

Die Sonette 1-126 sind einem Freund gewidmet

Alle Sonette enthalten das Thema Liebe. Seine Variationen überraschen durch ihren Reichtum. Die Liebe weckt im Helden die Fähigkeit, besonders scharf und stark zu fühlen, das Leben in seiner ganzen Fülle wahrzunehmen. Liebe ist die Quelle von Stärke und Glück. Sie wird in Sonetten als das größte Geschenk des Lebens besungen. Liebe hat viele Gesichter. Sie schenkt nicht nur Freude und Kraft: „Liebe ist listig, sie braucht Tränenströme“; Sie kann grausam und heimtückisch sein.

Die Sonette vermitteln die Fülle der Gefühle, die ein Liebhaber erlebt; Freude, Hoffnung, Entzücken, Bewunderung, Leidenschaft, Verzweiflung, Traurigkeit, Schmerz, Melancholie, Eifersucht und wieder Hoffnung, Glück und Jubel.

Einen wichtigen Platz in den Sonetten nimmt das Thema Zeit, Generationswechsel und die Unvermeidlichkeit des Alters ein. Der lyrische Held wendet sich an einen Freund und rät ihm, zu heiraten und Kinder zu bekommen. Das Leben der Kinder wird den Tod besiegen. Du kannst das Leben nicht nur auf dein Schicksal beschränken, du kannst dir nicht aneignen, was die Natur „dir zum Weitergeben gibt“. Die Natur braucht Erneuerung, nichts kann und soll stillstehen. Sie sollten in der Gegenwart an die Zukunft denken

Und obwohl die Zeit unerbittlich über alles Irdische siegt, ist der schöpferische Impuls des Menschen in der Lage, auch darüber zu siegen. Es ist jedem Menschen gegeben, seine Existenz in der Nachwelt zu verlängern (Sonette 2, 3, 4 usw.).

Dennoch ist die Bewegung der Zeit unvermeidlich, sie fegt alle Hindernisse auf ihrem Weg hinweg und bringt Erneuerung und bringt den Tod näher. Dieses Thema ist im Sonett 64 zu hören.

Der Macht der Zeit wird die Unsterblichkeit der Kunst gegenübergestellt. Es überdauert Jahrhunderte, bewahrt die Erinnerung an die vom Dichter besungenen Menschen und das Bild des Dichters selbst (Sonett 55). Der Mensch findet seine Unsterblichkeit in der Kreativität. Der Dichter lebt weiterhin in der Poesie.

Im berühmten 130. Sonett entsteht das Porträt einer „dunklen Dame“. Shakespeare schafft das Bild einer echten Frau. Die lyrische Welt Shakespeares ist die Welt eines Menschen, der nicht nur fühlt, sondern auch denkt. Shakespeare brach mutig etablierte Muster, um die Wahrheit des Lebens zu bekräftigen. In diesem Zusammenhang ist der Zyklus seiner der „dunklen Dame“ gewidmeten Sonette (Sonette 127 - 152) sehr bemerkenswert. Aus Shakespeares Sonetten erfährt der Leser, dass der Dichter in eine „dunkle Dame“ verliebt ist und sie einmal seine Gefühle erwiderte und dann, von dem Freund des Dichters mitgerissen, aufhörte, ihm treu zu sein. Shakespeares Sonette enthalten das offene Bekenntnis des lyrischen Helden. Gleichzeitig stellt der Dichter seinen Auserwählten entgegen der Tradition weder als ideal noch als äußerst schön dar. Das Drama spielt sich im Kopf des Dichters ab.

1-17 – Freund, seine Schönheit, Narzissmus; Fortsetzung seiner selbst auf seine Weise.

18+ ewiges Leben in Versen; Bild der Zeit (Löwe, Tiger)

55+ Poesiethema, Katze ist stärker als der Tod

62+ Spiegelbild

116+ Bild der Liebe

Die Lyrik unter seiner Feder nähert sich der Tragödie. Der Dichter verstand gut, dass der Verrat eines Freundes und die Täuschung seiner Geliebten nur ein Tropfen im Ozean menschlichen Kummers waren, der um ihn herum tobte. Sonett 66 dringt wie ein Blitz in das Buch der intimen Sonette ein und erinnert an Hamlets traurigen Monolog über weltliche Unordnung.

Shakespeares Sonette wurden von B. Pasternak, S. Marshak und O.B. ins Russische übersetzt. Rumer, M. I. Tschaikowsky, A. M. Finkel.

39. Poesie der Plejaden + Beispiele für Gedichte

Die Plejaden (französisch: La Pléiade) ist der Name einer Dichtervereinigung im Frankreich des 16. Jahrhunderts unter der Leitung von Pierre de Ronsard. Sie waren die ersten, die Gedichte auf Französisch und nicht auf Latein oder Griechisch verfassten.

Die Plejaden sollten nicht als eine einzige poetische Schule betrachtet werden (trotz der Tatsache, dass Ronsards Priorität für alle Mitglieder der Gruppe unbestreitbar war). Die allgemeine Haltung der Plejaden war die Ablehnung traditioneller (nationaler) poetischer Formen (in dieser Hinsicht polemisierte die Gruppe mit Clément Marot) und betrachtete Poesie als ernsthafte harte Arbeit (und nicht als leeren Zeitvertreib, den die Dichter der Schule von großer Bedeutung hatten). Rhetoriker und derselbe Marot frönten angeblich) ) und in der „Feier der spirituellen Aristokratie“. Diese Aristokratie wurde von dem apologetischen Konzept des Dichters genährt, das für die Renaissance charakteristisch war und mit dem Einfluss des Neuplatonismus verbunden war. Letzterer ist aufgerufen, nach Schönheit zu streben, indem er aktiv auf mythologische Bilder, Neologismen und lexikalische Anleihen zurückgreift und die Syntax mit Phrasen bereichert, die für die lateinische und griechische Sprache charakteristisch sind. Anstelle mittelalterlicher Genres (mit Ausnahme von Ekloge, Elegie, Epigramm, Epistel und Satire, die noch erhalten bleiben sollten) wurde vorgeschlagen, sich den alten (Ode, Tragödie, Epos, Hymne) und charakteristischen für Italien (Sonett) zuzuwenden. Das Manifest der Gruppe war die Abhandlung „Die Verteidigung und Verherrlichung der französischen Sprache“ (La Deffence et Illustration de la Langue Française, 1549), unterzeichnet von Du Bellay (aber offenbar unter aktiver Beteiligung von Ronsard verfasst). An der Wende der 1550er-1560er Jahre änderte sich die Stellung der Plejadendichter, nicht ohne den Einfluss der gesellschaftspolitischen Situation, etwas: Es gab eine Tendenz zur Vertiefung der Philosophie einerseits und des bürgerlichen Pathos andererseits (Das patriotische Gefühl prägt jedoch auch das Manifest „Plejaden“).

Was hat die Gruppe vereint? Wie üblich einige theoretische Bestimmungen. Sie wurden in Abhandlungen, Vorworten zu Gedichtsammlungen und poetischen Briefen dargelegt. Den ersten Platz in Bezug auf Zeit und Bedeutung nimmt hier die „Verteidigung und Verherrlichung der französischen Sprache“ von J. Du Bellay ein.

Von den ersten Schritten an zeichnen sich die Aktivitäten der Plejaden durch ihre allgemeine Sorge um die gesamte französische Literatur im Namen der Erhöhung und des Ruhms Frankreichs aus: Sie schützen die Muttersprache, ohne das Lateinische zu verurteilen, sie erheben die Sprache auf das Niveau der Kunst und proklamierte die Poesie als die höchste Form ihrer Existenz.

Nach Du Bellays Theorie musste die praktische Verwirklichung des idealen Ausdrucks der Nationalliteratur nicht durch Nachahmung des Buchstabens, sondern des Geistes der Antike erreicht werden.

Die besten Autoren der Plejaden schufen unter brillanter Anwendung der Pindar-Technik eine französische Ode und brachten das poetische Wort auf den höchsten Grad der Perfektion. Man könnte sagen, Ronsard hat eine neue französische Lyrik geschaffen, so wie es Puschkin hier tat. Ronsard hatte, wie Du Bellay, ein subtiles Gespür für Proportionen, Lakonismus und lehnte sogar zu Recht italienische Dichter ab, die, in seinen Worten, „normalerweise vier oder fünf Epitheta in einem Vers häufen“.

Die Plejaden-Theoretiker, die sich dem Werk von Horaz zuwandten, drängten darauf, die Werke nicht überstürzt zu veröffentlichen, sondern ihren Stil unermüdlich zu verfeinern. Allerdings wird kein noch so großes Lernen und harte Arbeit helfen, wenn sich der Dichter nicht von den Musen inspirieren lässt und die poetische Theorie in Übereinstimmung mit den Lehren von Platon aufgebaut wird, der behauptet, dass Dichter Vertreter der göttlichen Inspiration sind, die auf sie herabkommt.

Du Bellay sprach über das hohe Ziel des Dichter-Schöpfers, dass er den Leser „empören, beruhigen, jubeln, verärgern, lieben, hassen“ machen müsse.

„Plejade“ leistete noch etwas Wichtiges – es befreite den Dichter von der völligen Abhängigkeit vom Mäzen und machte ihn zu einem Profi.

Zwar gingen die Wege der Gruppenmitglieder in den Jahren der Religionskriege im Kontext der Gegenreformation recht stark auseinander: Ronsard und Baif wurden Gerichtsautoren, Jodelle ging in die Opposition, viele andere lebten nicht mehr. Aber im Großen und Ganzen war die Arbeit getan: Eine nationale Schule, nationale Poesie wurde geschaffen, außerdem breitet sich der Einfluss der „Plejaden“ in ganz Europa aus: Edmund Spencer und Philip Sidney versuchen, eine ähnliche Reform in England und in Polen umzusetzen Der brillante Jan Kochanowski erklärt sich in seinem Werk Deutschland – Weckerlin und Opitz, sogar der Italiener Chiaberra zum Anhänger von Ronsards Ideen.

Aber Theorien sind Theorien, und Literatur wird in erster Linie von Genies geschaffen. Die Plejaden schenkten Frankreich und Frankreich der ganzen Welt solche Genies. Diese Genies waren Joagent du Bellay und Pierre de Ronsard.

2. Joachin du Bellay

Beginnen wir mit den Ältesten. Joachin du Bellay wurde 1522 geboren, lebte für einen Dichter klassische 38 Jahre und starb 1560.

Versuchen wir uns die Zeit von Du Bellay vorzustellen.

Im Jahr 1525 nahmen die Truppen Karls V. den französischen König Franz I. gefangen. Und dies war nur eine der Episoden des blutigen Krieges um die Vorherrschaft in Europa, ein Kampf, der das gesamte Leben des Dichters überschattete.

Darüber hinaus ist dies auch eine Zeit der wissenschaftlichen Suche und der Explosionen wilden Aberglaubens und doppelten Fanatismus – grimmige Katholiken und unversöhnliche Hugenotten. Frankreich befindet sich fast ununterbrochen im Krieg – entweder mit Charles oder mit den Briten. Das Habsburgerreich erschreckt die Welt mit seiner Macht. Karl V., geboren in Flandern und regierend in Madrid, regierte Deutschland und Mexiko, Holland und Italien. Die Franzosen begannen dann zunächst, vom „europäischen Gleichgewicht“ zu sprechen. Franziskus schlug dem türkischen Sultan ein Bündnis vor. Er einigt sich sowohl mit Muslimen als auch mit deutschen Protestanten, was ihn nicht daran hindert, einheimische Ketzer auf dem Scheiterhaufen zu verbrennen.

Die aus Italien stammenden Ideen der Renaissance schockierten die aufgeklärten Franzosen. Die Adligen lesen die Odyssee und reden über die Entdeckungen des Kopernikus, und die Studenten verwechseln ihre Liebhaber mit den Gedichten von Petrarca. Der König bestellt den großen Tizian aus Italien, der ein Porträt des aufgeklärten Monarchen malt. Der König gründete das Collège de France, die erste höhere weltliche Schule. Er fördert Philosophie, Philologen, Dichter und Künstler. Er hält Reden über die Bedeutung des Buchdrucks. Gleichzeitig verbrennt er einen der besten Drucker Frankreichs, den Philologen Dolet, auf dem Scheiterhaufen. Es sprechen die ersten Jünger des Ignatius von Loyola, kämpferische Jesuiten. Calvinisten protestieren gegen den Fanatismus der Katholiken, aber sie selbst verachten ihre Methoden nicht. Im katholischen Paris lehrt der spanische Arzt Servet Medizin; er erforscht das Kreislaufsystem. Aufgrund der Verfolgung der Kirche reist er nach Genf, wo Calvin eine protestantische Republik gründete. Natürlich verurteilt Calvin die Inquisition, aber die wissenschaftliche Grundlage der Welt beunruhigt ihn vielleicht mehr als sogar den Papst selbst ... Und die freiheitsliebenden Hugenotten verbrennen den Arzt Servetus feierlich auf dem Scheiterhaufen. Und noch etwas Wichtiges: Eine neue Klasse wächst rasant – die Bourgeoisie. Dies ist die Umgebung, in der die Dichter der Plejaden arbeiten, die Welt, in der Du Bellay lebt.

Er stammte aus einem armen Zweig einer berühmten Familie von Bischöfen, Gouverneuren, Diplomaten und Generälen, wurde früh Waise und befand sich in einem schlechten Gesundheitszustand. Als junger Mann geht er nach Poitiers, um an der Universität Jura zu studieren. Dort traf er Ronsard. Der Legende nach trafen sie sich zufällig in einer Vorstadtkneipe. Und vom ersten Treffen an wurden wir für immer Freunde. Im Jahr 1547 gab der 25-jährige Du Bellay die Jurisprudenz auf, zog nach Paris und trat in das Cocray College ein, wo sein Freund Ronsard studierte. Beide leben in einem Internat, lieben italienische Poesie, schlendern durch die engen Gassen des Quartier Latin und verlieben sich in Mädchen, die ausnahmslos mit Petrarcas Laura verglichen werden.

Zwei Jahre später veröffentlicht Du Bellay eine Gedichtsammlung mit dem Titel „Olive“, wie der Dichter das Objekt seiner Liebe nennt. Das Buch enthält viele schöne Sonette. Fast gleichzeitig erfolgte die Verherrlichung der französischen Sprache.

Und drei Jahre später verzichtet er auf sein erstes Buch, nämlich den Petrarchismus:

Die Worte sind erhaben und hell,

Und alles ist Vorwand, alles sind Worte.

Heißes Eis. Liebe ist tot

Sie duldet keine Fähigkeiten

Genug, um Petrarca nachzuahmen.

......................................

Ich möchte lieben, ohne zurückzublicken.

Denn abgesehen von Posen und außer Phrasen,

Amors Pfeile, Gorgons Augen,

Es gibt diese Liebe, die uns verbindet.

Ich spiele kein Verstecken mehr.

Wir haben die Papierleidenschaften satt -

Lass mich mit einer lebenden Frau leben!

Was meiner Meinung nach nur einmal mehr beweist, wie eng und zugleich ewig die Bandbreite poetischer Themen ist.

Im Jahr 1553 war Du Bellay bereits ein völlig kranker Mann. Tuberkulose quält ihn seit seiner Jugend und Armut fast seit seiner Geburt.

Zu dieser Zeit besuchte er Rom als Finanzminister im Rahmen der Mission Heinrichs II. unter der Leitung des Verwandten des Dichters, Kardinal Jean Du Bellay. Die Habsburger und Frankreich kämpften für das unglückliche, zerrissene Italien.

Der Dichter verbrachte vier Jahre in Italien. Er war erstaunt über das Leben, das in den antiken Ruinen vor sich ging. Damals waren Rom nicht nur die Ruinen seines früheren Glanzes: Der hektische Michelangelo arbeitete noch, es wurden Liturgien abgehalten, Architekten schufen Paläste und verbanden die Harmonie des „goldenen Zeitalters“ mit den ersten Launen des extravaganten Barocks.

Und Rom offenbarte ihm auch das Gesicht des Lasters. In Sonetten beschrieb er alles: die Intrigen und Betrügereien der Kardinäle und Diplomaten, die Schamlosigkeit der Kurtisanen, eine Mischung aus halbnackten Mädchen mit Roben, Weihrauch mit Weindunst, Rosenkränze mit Bankiersaufführungen. Er beschrieb – und bekam Heimweh, floh nach Frankreich und schuf ein poetisches Buch „Regrets“ – ein Tagebuch voller Beobachtungen, Überlegungen, Geständnisse. Ein Buch der lebendigen Liebe für eine lebende und verheiratete Frau, die römische Faustina, über ihre schwierige und stürmische Liebe. Und doch steht in Du Bellays letztem Buch nicht die Liebe im Vordergrund. Er verstand, dass Ronsard besser über die Liebe schrieb, und deshalb schrieb er über das Leben, über sich selbst, über die Zeit.

Die Taubheit, die ihn zeitweise befallen hatte, ihn aber auch erleichterte (er hatte sogar eine gemeinsame Krankheit mit Ronsard!), kehrte 1599 vollständig zurück. Auch andere Krankheiten plagten mich. Der Dichter wurde krank. Als plötzlich Erleichterung kam, stand er auf und feierte fröhlich das neue Jahr im Haus seines Freundes Bizet. Als er nach Hause zurückkehrte, setzte er sich an den Tisch, um an Gedichten zu arbeiten. Am Morgen des 1. Januar 1560 wurde er tot aufgefunden.

Und drei Jahre nach dem Tod des Dichters begann ein neuer Krieg zwischen Katholiken und Hugenotten und ... die Renaissance endete.

Hier sind einige von Wilhelm Levick übersetzte Sonette von Du Bellay, die seinen Namen unsterblich machten.

Der Unwissende hat keine Verwendung für die Künste Apollos,

Ein Geizhals schätzt einen solchen Schatz nicht,

Der Ehrgeiz neigt nicht dazu, sich damit zu schmücken;

Derjenige, der in der Nähe des Throns schwebt, lacht ihn aus,

Ein Soldat kann aus Reimen und Strophen keinen Schutzschild machen,

Und Du Bellay weiß: Du wirst nicht satt davon sein,

Dichter werden von den Behörden und dem Gesetz nicht geschätzt.

Der Edelmann sieht keinen Gewinn in der Poesie,

Die beste Poesie wird dir keine Shisha kaufen, -

Der Dichter ist in seiner Heimat meist arm.

Aber ich werde die Liedzeile nicht aufgeben,

Nur Poesie rettet vor Melancholie,

Und ich schulde ihr sechs Jahre meines Lebens.

Willst du wissen, Panjas, wie dein Freund hier lebt?

Aufwachen, sich nach allen Gesetzen der Mode anziehen,

Er denkt eine Stunde lang darüber nach, wie er die Kosten senken kann.

Und wie man Schulden abbezahlt und im Voraus bezahlt.

Dann rennt er umher, er sucht, er fängt, er wartet,

Er behält ein liebenswürdiges Aussehen, obwohl er von Natur aus aufbrausend ist.

Es durchläuft alle Ein- und Ausgänge hundertmal.

Nachdem er zwanzig Fälle geplant hat, wird er nicht zwei ausführen.

Mal eine Verbeugung vor Papa, mal Briefe, mal Berichte,

Dann kam ein angesehener Gast und – man freut sich, man freut sich nicht –

Er erzählt viele Lügen über allerlei Unsinn.

Sie fragen, sie schreien, sie verlangen Rat,

Und das passiert jeden Tag, und glauben Sie mir, es gibt kein Licht ...

Also erkläre, Panjas, wie ich Gedichte schreibe.

Gesegnet ist derjenige, der sich um seiner selbst willen den niedrigen Lügen widersetzt hat

Ich habe nicht gegen die hohe Wahrheit verstoßen,

Ich habe die Feder nicht gezwungen, beschämenden Unsinn zu kritzeln,

Im Dienste derjenigen, die das Wetter machen.

Und ich schmelze meine Wut, ich vergewaltige die Natur,

Damit unerträgliche Bindungen die Schande nicht verschlimmern,

Ich wage es nicht, meine Seele an die Öffentlichkeit zu bringen

Und Frieden finden oder dem Gefühl Freiheit geben.

Jeder meiner Schritte ist eingeschränkt – ich schweige resigniert.

Sie machen mir das Leben schwer, und trotzdem schreie ich nicht.

Oh, die Qual, alles zu ertragen und nur die Fäuste zu ballen!

Es gibt keinen schmerzhafteren Schmerz als den, der im Knochen verborgen ist!

Es gibt keinen feurigeren Gedanken als den, der eingesperrt ist!

Und es gibt kein stärkeres Leiden als stille Trauer!

3. Pierre Ronsard

Nun zu Ronsard. Pierre de Ronsard (1524 – 1585) wurde in die Familie eines armen Adligen hineingeboren, dessen Vorfahren aus Ungarn stammten. Der Vater des Dichters, Teilnehmer an fast allen italienischen Feldzügen des frühen 16. Jahrhunderts. Er war ein guter Amateurdichter und vermittelte seinem Sohn die Liebe zur Antike. In seiner Jugend besuchte der zukünftige Dichter England, Schottland, Flandern und Deutschland und studierte Sprachen und antike Literatur unter der Anleitung von Jean Doré.

Nach dem Erscheinen seiner ersten Bücher wurde Ronsard sofort zum Anführer einer neuen Bewegung und zum „Fürsten der Dichter“. Seine Weltanschauung ist integral, fröhlich und humanistisch. In dieser Zeit ist Ronsard ein wahrer Mann der Renaissance.

Seine besten Kreationen dieser Zeit, also der späten 40er Jahre. - „Oden“, in denen Ronsard mit Pindars Technik wunderbare Poesie, philosophische und ästhetische Tiefe erreichte.

Neben den Oden ist der umfangreiche Zyklus der Petrarca-Sonette „Liebe zur Kassandra“ von Bedeutung.

Bis Mitte der 50er Jahre. Ronsard wandte sich der „Poesie der Realität“ zu. Zwei brillante Gedichtzyklen an Maria im Stil von Catull, Ovid und Tibull markierten eine neue Etappe in seinem Werk.

Hier vereinen sich Natur und Mensch, der Ton der Gedichte wird ruhiger, der alexandrinische zwölfsilbige verdrängt den ungestümen zehnsilbigen Vers des Kassandra-Zyklus. In der Zukunft sollte der alexandrinische Vers zum Haupttakt des klassizistischen Dramas und der hohen Poesie in Frankreich werden.

Maria, seine neue Liebe, ist ein einfaches Mädchen, und seine Verse verlieren dadurch ihre übermäßige Feierlichkeit, gewinnen aber an Einfachheit und Natürlichkeit. Das Bild des Mädchens ist in Bewegung, in Variabilität gegeben und ähnelt überhaupt nicht der leicht gestelzten Art, Cassandra anzusprechen.

In zwei Büchern mit „Hymnen“ (Mitte der 50er Jahre) stellt Ronsard philosophische und wissenschaftliche Probleme und stellt das irdische, unruhige Leben der Harmonie des Kosmos gegenüber. Die Dissonanz von Idealen und Existenz bricht in der Poesie aus; der Dichter sieht einen Ausweg in einem einsamen Landleben.

Die dritte Schaffensperiode Ronsards fällt mit dem Beginn der Religionskriege zusammen. Hier ist er der Begründer der Tradition der politischen Poesie, durchdrungen vom Geist des Patriotismus, der gewissermaßen d\"Aubigne vorwegnimmt. Das Bewusstsein seiner selbst als Teil der Nation, als Person, die für das Schicksal des Landes verantwortlich ist, ist der Hauptmerkmal des Buches „Diskurse“. Und hier ist Ronsard der Begründer des Genres der Nachrichten.

Nach 1563 arbeitete der Dichter zehn Jahre lang neben der Lyrik an dem von Karl IX. in Auftrag gegebenen Gedicht „Franciade“, als ob er dem Vorbild von Vergils „Aeneis“ folgen würde. Aber im Gegensatz zu Virgil arbeitete Ronsard nicht gern auf Befehl und konnte es auch nicht, und im Großen und Ganzen war das Epos für ihn, einen reinen Lyriker, kein Erfolg. Allerdings ist anzumerken, dass es in dem Gedicht mehrere Stellen gibt, die vom Genie Ronsards geprägt sind, der weitere klassizistische Epen bis hin zu Voltaires Henriade beeinflusste.

Im gleichen Zeitraum schuf Ronsard brillante Eklogen und etablierte dieses Genre in seiner Heimatdichtung. Die wichtigste Errungenschaft des Meisters in den 70er Jahren. - ein großartiger Gedichtzyklus „Sonette an Helen“, der sich mit der letzten hoffnungslosen und doch schönen Liebe zu einer jungen Dame befasst, sowie mehrere atemberaubende Gedichte im Vorgriff auf das Ende des Lebens, die im letzten Jahr entstanden sind.

Die Biografie von Ronsard ist ein riesiger und brillanter Roman über das lebendige Leben des Königs der Poesie, gekrönt von einem Lorbeerkranz, einer Reihe von Hobbys und Leidenschaften, dem Kampf gegen eine Krankheit – Taubheit, dem heimlichen Gesang der Muse, nur hörbar Für ihn politische Hoffnungen und Enttäuschungen und Kreativität, Kreativität, Kreativität von klein auf bis ins Grab. Und im Sterben diktierte Ronsard seiner Sekretärin und Freundin Amadis Jamin Gedichte.

Ronsard galt zu seinen Lebzeiten als König der Dichter und blieb es auch über die Jahrhunderte hinweg. Ein Wort: klassisch.

Gedichte von Pierre Ronsard, übersetzt von Wilhelm Levick

Sobald Kamena mir ihre Quelle öffnete

Und erfüllt von süßem Eifer zu Heldentaten,

Stolzer Spaß erwärmte mein Blut

Und edle Liebe entzündete sich in mir.

Im Alter von zwanzig Jahren von einer unbeschwerten Schönheit fasziniert,

Ich beschloss, mein ganzes Herz in die Poesie zu stecken,

Aber die französische Sprache stimmt mit den Gefühlen überein,

Ich sah, wie unhöflich, unklar und hässlich er war.

Dann für Frankreich, für die Muttersprache,

Ich begann mutig und streng zu arbeiten.

Ich habe Wörter vervielfacht, wiederbelebt, erfunden -

Und was geschaffen wurde, wurde durch Gerüchte verherrlicht.

Nachdem ich die Antike studiert hatte, entdeckte ich meinen Weg,

Er gab den Phrasen Ordnung, den Silben Abwechslung,

Ich habe die Struktur der Poesie gefunden – und, durch den Willen der Musen,

Wie der Römer und der Grieche wurde auch der Franzose groß.

Kommt zu mir, meine Freunde, heute feiere ich!

Gieße uns, Corydon, einen kochenden Strom.

Ich werde meine Schönheit ehren,

Cassandra oder Marie – spielt es eine Rolle, welche?

Aber neunmal, Freunde, lasst uns den Kreis vergrößern, -

Den Buchstaben meines Namens entsprechend trinke ich neun Tassen.

Und du, Bello, verherrliche deinen Exzentriker,

Lassen Sie uns einen lebendigen Strom für die junge Madeleine ergießen.

Bringen Sie die Blumen, die Sie im Garten gepflückt haben, auf den Tisch,

Veilchen, Lilien, Pfingstrosen, Reseda, -

Jeder soll für sich einen duftenden Kranz stricken.

Freunde, lasst uns dem Tod ein Schnippchen schlagen und auf die Liebe trinken!

Vielleicht kommen wir morgen nicht wieder zusammen.

Heute leben wir, aber wer kann morgen vorhersagen?

Oh, dieser verdammte Doktor! Da kommt er wieder!

Er will ihn zum hundertsten Mal ohne Hemd sehen

Mein Geliebter, fühle alles: Oberschenkel,

Und das und diese Brust und dieser Rücken und dieser Bauch.

Behandelt er sie so? Ganz im Gegenteil:

Er ist ein Schurke, er täuscht sie, das arme Ding,

Alle ihre Brüder haben die gleichen Gewohnheiten.

Ich habe mich verliebt, vielleicht ist es besser, nicht zu lügen.

Ihre Eltern, bitte, ihr Lieben, -

Die Krankheit meiner Maria hat dich völlig aus der Fassung gebracht! -

Vertreibe den Sanitäter, das verliebte Schwein.

Ist Ihnen seine ganze Idee nicht klar?

Möge der Herr senden, um den Bösewicht zu bestrafen,

Heilung für sie, meine Krankheit für ihn.

Die Natur hat jedem eine Waffe gegeben:

Der Adler hat einen buckligen Schnabel und kräftige Flügel,

Der Stier hat seine Hörner, das Pferd seine Hufe,

Der Hase rennt schnell, die Viper ist giftig,

Ihr Zahn ist vergiftet. Fische haben Flossen

Und schließlich hat der Löwe Krallen und Reißzähne.

Sie wusste, wie man einem Mann einen weisen Geist einflößt,

Die Natur hatte keine Weisheit für Frauen

Und nachdem seine Macht an uns erschöpft war,

Sie gab ihnen Schönheit – kein Schwert oder Speer.

Wir alle sind der weiblichen Schönheit gegenüber machtlos geworden,

Sie ist stärker als Götter, Menschen, Feuer und Stahl.

Belry Creek

Müde von der Mittagshitze,

Wie ich liebe, oh mein Strom,

Fallen Sie auf Ihre eisige Welle,

Atme deine Kühle,

Solange der August sparsam ist

Beeilt sich, die Gaben der Erde einzusammeln,

Und die Felder ächzen unter den Sicheln,

Und jemandes Lied schwebt in der Ferne.

Unerschöpflich frisch und jung,

Du wirst immer ein Gott sein

An den, der deine fröhliche Erkältung trinkt,

Wer hütet die Herden in Ihrer Nähe?

Und um Mitternacht zu deinen Lichtungen,

Nachdem sie ihren Frieden durch Freude gestört hatten,

Immer noch die gleichen Nymphen und Waldbewohner

Sie werden in einer verspielten Menge angerannt kommen.

Aber lasst, streamen, und in einen kurzen Schlummer

Ich erinnere mich nicht an deinen Stream,

Als, vom Fieber erschöpft,

Ich erkenne den Atem des Todes.

Wenn ich mindestens einmal wieder Liebe erleben möchte,

Die Schönheit schreit mir zu: „Aber du bist doch hundert Jahre alt!“

Komm zur Besinnung, Freund, du bist hässlich, schwach und grau geworden,

Und Sie geben vor, ein hübscher junger Mann zu sein.

Du kannst nur lachen, wofür brauchst du Liebe?

Du bist blass wie ein toter Mann, dein Alter wurde bereits gemessen.

Auch wenn meine Reize dein Blut erregen,

Aber du bist kein Hengst, du bist ein räudiger Wallach.

Ich würde in den Spiegel schauen: Na ja, wirklich, was für ein Anblick!

Warum versteckst du deine Jahre, dein Alter hat dich verraten:

Es gibt keine Spuren von Zähnen und das Auge ist halb geschlossen.

Und dein Gesicht ist schwarz, wie ein rußiges Idol.

Ich antworte so: Interessiert es mich?

Tränen mir die Augen, bin ich fit für den Stamm,

Und meine Haare sind schon lange schwarz oder grau, -

Und es ist nicht die Zeit für mich, in den Spiegel zu schauen.

Aber bald muss ich im Boden verrotten

Und vielleicht zum traurigen Tartarus gehen

Im Moment möchte ich leben, und das bedeutet, dass ich lieben möchte,

Darüber hinaus ist die verbleibende Zeit sehr kurz.

Was ist der Tod? Ist das so böse?

Was denken wir alle? Vielleicht im Sterben

In der letzten, bitteren Stunde, am Rande angekommen,

Wie war es in der ersten Stunde der Fahrt – überhaupt nicht schwer?

Aber du verstehst – sei es nicht! Licht, Wärme verlieren,

Wenn der Faden reißt und die Blässe des Grabes

Er wird die Mitglieder überfahren und alle Gefühle abschneiden, -

Wenn die Wünsche verschwinden, so wie alles verschwunden ist.

Und keine Getränke, kein Essen! Nun ja, na und?

Nur der Körper verlangt nach Nahrung, Nahrung ist seine Grundlage,

Er braucht sie, um seine Stärke zu bewahren,

Aber der Geist isst und trinkt nicht. Aber Lachen, Liebe und Zuneigung?

Der süße Ruf der Venus? Verschwende keine Worte und Farben, -

Was ist Liebe für jemanden, der gestorben und erkältet ist?

Ich werde alt, du bist auch alt geworden.

Was wäre, wenn wir zwei Zeitalter zu einem verschmelzen würden?

Und den Winter – so gut wir können – in diesen Frühling verwandeln,

Was schützt Sie vor Kälte und Frösteln?

Schließlich ist ein alter Mann viele Jahre jünger,

Wenn er kein Altersgefangener sein will.

Das gibt allen Gefühlen eine Neuheit,

Er ist fröhlich, er ist wie eine Schlange in glänzender neuer Haut.

Warum brauchst du dieses Make-up – es verwöhnt dich nur.

Sie werden die vergehenden Tage des Gesetzes nicht täuschen.

Es ist nicht mehr möglich, die Beine so trocken wie Stöcke zu machen,

Du kannst deine Brüste nicht stark und süß machen wie Obst.

Aber Zeit – gib ihr Zeit! - er wird deine Verkleidung abreißen,

Und ein weißer Schwan wird von einer schwarzen Dohle abheben.

Ich bin bis auf die Knochen ausgetrocknet. Bis zur Schwelle von Dunkelheit und Kälte

Ich nähere mich taub, genagt, schwarz, schwach,

Und der Tod lässt mich nicht aus seinen Fängen.

Ich bin für mich selbst schrecklich, wie jemand aus der Hölle.

Poesie hat gelogen! Die Seele würde gerne glauben,

Aber weder Phoebus noch Aesculapius werden mich retten.

Lebe wohl, strahlendes Tageslicht! Sklave des schmerzenden Fleisches,

Ich gehe in eine schreckliche Welt des allgemeinen Verfalls.

Wenn ein Freund hereinkommt, schaut er durch seine Tränen,

Wie ich zerstört wurde, in was ich verwandelt wurde.

Er flüstert mir etwas zu, küsst mein Gesicht,

Ich versuche leise eine Träne von meiner Wange zu entfernen.

Freunde, Lieben, auf Wiedersehen, alte Leute!

Ich werde der Erste sein und deinen Platz einnehmen.

4. Agrippa d'Aubigne

Für eine würdige Beschreibung des Lebensromans dieses Mannes wäre die Feder von Alexandre Dumas erforderlich, denn wenn das Leben von Ronsard ein lyrischer Roman ist, dann ist das Leben von Aubigne das abenteuerlichste.

Versuchen wir es nur ganz allgemein darzustellen.

1560 Der achtjährige Junge Agrippa d\"Aubigne reitet zusammen mit seinem Vater, einem eifrigen Hugenottenkrieger und Schriftgelehrten, zu Pferd über den Stadtplatz, von dem die Köpfe hingerichteter protestantischer Verschwörer noch nicht abgenommen wurden. Der alte Mann bricht in Flüche auf ihre Henker aus. Kaum konnte er sich aus der Menschenmenge, die seine Truppe umgab, entziehen, ließ er seinen Sohn schwören, bis zu seinem letzten Atemzug für ihre Sache zu kämpfen.

So wurde der Junge im Protestantismus zum Ritter geschlagen. Diesem Eid blieb er immer und überall treu: auf den Schlachtfeldern, in der Politik, in der Literatur.

Bereits im Alter von sechs Jahren las Agrippa Griechisch, Latein und Hebräisch, ein Jahr später übersetzte er Platon. Ein Jahr später, als Waise, landete er in Genf, wo er sich mit Kommentaren zur Heiligen Schrift, Philosophie und Mathematik beschäftigte. Ohne das Wissen seiner Verwandten zog er nach Lyon, wo er sich für okkulte Wissenschaften interessierte. Sein Temperament trug ihn jedoch in die Schlacht.

Und eines Tages kletterte ein sechzehnjähriger junger Mann, der im Haus seines Vormunds eingesperrt war und nur sein Hemd trug, das Laken vom Schlafzimmerfenster herunter, schloss sich einer Abteilung Protestanten an und am nächsten Morgen holte er sich in einem Kampf Waffen. Kleidung und ein Pferd. Dies war die erste Waffentat des Kriegers, der dann fast ein halbes Jahrhundert lang das Schwert nicht losließ.

Ein Held, ein Draufgänger, ein Partisan – das alles ist er, junger d\“ Aubigne... Doch dann erkrankt er an Fieber und beim Aufstehen bereut er bitterlich die begangenen Raubüberfälle und Gräueltaten. Von nun an Darüber hinaus ist er ein ideologischer Kämpfer für sein Heimatland und seinen Glauben, erfüllt vom Bewusstsein der Heiligkeit seiner Mission.

In der Pause zwischen den Schlachten verliebt sich Aubigne auf grausame Weise. Er versteckt sich vor seinen Verfolgern in einem der Schlösser und wird von der Tochter des Besitzers, der stolzen Schönheit Diana Salviati, fasziniert, der Nichte derselben Dame, die Ronsard unter diesem Namen besungen hat von Cassandra.

Aber warum sollte ein katholischer Aristokrat einen Hugenotten von den zwielichtigen Adligen brauchen?

Leidenschaft wird nicht erwidert, aber sie bringt einen Dichter hervor. Das erste Buch von Aubigne ist ein großartiger Gedichtzyklus mit dem Titel „Frühling“. Hier ähnelt er etwas Ronsard, aber seine Melodie ist bitterer, und sein Frühling ist der Frühling eines Soldaten, der aus dem Krieg kommt.

Im Jahr 1573 war Aubigne in Paris. Er pflegte eine enge Freundschaft mit dem zukünftigen Heinrich IV., demselben Hugenottenprinzen, der bald sagen würde: „Paris ist eine Messe wert“, zum Katholizismus konvertieren und auf dem Thron sitzen würde. Aber vorerst beides werden gejagt und fliehen gemeinsam aus dem Louvre, wo Henry scheinbar heimlich verhaftet wird. Diese Episode wird von Dumas im Roman „Königin Margot“ erzählt.

Und wieder ist d\"Aubigne ein Partisan, wieder ein Krieger, wieder ein Soldat. Aber jetzt ist er kein Junge mehr, sondern ein anspruchsvoller theologischer Theoretiker und Philosoph, ein guter Freund von Montaigne und einem Dutzend anderer berühmter französischer Humanisten.

Als ritterlicher Prediger ohne Furcht und Vorwurf verzichtet d\"Aubigne auf Heinrich, als dieser im Namen des Throns auf den Protestantismus verzichtet. Indem er dem König alles ins Gesicht wirft, was er über Verräter und Abtrünnige denkt, versteckt sich d\"Aubigne ein Jahrzehnt lang vor der Welt anderthalb in einem abgelegenen Schloss, wo er an Gedichten und Prosa arbeitet und mit Abscheu auf die Taten seiner ehemaligen Freunde blickt.

Nach der Ermordung Heinrichs wurde der alte Hugenotte munter und versuchte, eine neue protestantische Opposition aufzubauen, doch seine Zeit war bereits vorbei. Frankreich war in die Ära des Absolutismus eingetreten und die Stunde war nicht mehr fern, in der Sporen und Kampfhelme durch die gepuderten Perücken der Ballsaalfeierlichkeiten des „Sonnenkönigs“ ersetzt wurden.

Nachdem er die Tore seiner Burg verschlossen hatte, machte sich Agrippa daran, seine „Allgemeine Geschichte“ (1616-1626) zu schreiben – eine Chronik der vergangenen Ära religiöser Unruhen. Er starb 1630, nachdem er sein Leben und sich selbst überlebt hatte, umgeben von Fremden und Feinden. Es heißt, er habe auf seinem Sterbebett begonnen, den Psalm zu singen, mit dem er einst seine Regimenter in die Schlacht führte.

Das gesamte Lebenswerk des Dichters Aubigne sind „Tragische Gedichte“. Er arbeitete neununddreißig Jahre lang (1577-1616) an ihrer Entstehung. Hier ist, was kurz über sie gesagt werden kann.

Der erste Teil – „Troubles“ – zeichnet ein trauriges Bild eines Königreichs, das durch Religionskriege zerstört wurde.

Der zweite Teil – „Monarchen“ – bietet eine satirische Bildergalerie der Herrscher Frankreichs. Dieses Werk ist in der französischen Literatur beispiellos in der spezifischen Ausrichtung seiner Satire, in seiner Entschlossenheit, einen Spaten beim Namen zu nennen, in seiner Furchtlosigkeit, mit der er die herrschenden Mächte anprangert.

Der dritte Teil – „Die Goldene Kammer“ – ist eine Geschichte über ungerechte, grausame katholische Richter.

Der vierte Teil – „Feuer“ – ist eine historische Chronik der Glaubensverfolgung von Jan Hus bis hin zu sich selbst.

Der fünfte Teil – „Schwerter“ – stellt Frankreich als das Königreich Satans dar, das Gott als Strafe für die Taten der Katholiken gesandt hat.

Der sechste Teil – „Vergeltung“ – und der siebte Teil – „Gericht“ – sind durchdrungen vom Pathos des Glaubens an gerechte Vergeltung für Abtrünnige auf Erden und in der Ewigkeit.

Der gesamte Zyklus ist durchdrungen von biblischer Antike, antiker Mythologie und hoher Tragödie. Dies ist ein wahres Meisterwerk des Niedergangs der Renaissance.

Darüber hinaus schrieb Aubigne den Schelmenroman „Die Abenteuer des Baron Fenest“, der unter dem Einfluss von „Don Quijote“ geschrieben wurde und in erster Linie eine Satire auf die Hofmoral darstellt. Dieser Roman geht auf die Kurzgeschichten der Anfänge zurück des Jahrhunderts und das Werk von Rabelais, gilt als bedeutendes Phänomen der französischen Prosa.

Eine andere prosaische Sache – „Das Leben des Agrippa von Aubigne, von ihm selbst für seine Kinder geschrieben“ hielt Dumas wahrscheinlich davon ab, die Biographie von Agrippa für einen Roman zu verwenden. Schließlich konnte niemand besser über ihn schreiben als Aubigne selbst, nicht einmal der König des Bestsellers Dumas. Vater. (Übrigens nutzte Dumas in genau der gleichen Situation Cellinis Autobiografie, als er den Roman „Ascanio“ schuf – und … verlor gegen den Italiener in einem kreativen Duell … Vielleicht verzichtete er deshalb auf ein ähnliches Duell mit dem Franzosen . Allerdings hat Dumas unzählige Romane geschrieben, und es ist gut möglich, dass ich sein Buch über d\"Aubigne einfach nicht kenne.)

Das Werk von Agrippa d\"Aubigne als Ganzes ist eines der Höhepunktphänomene, die den Barock in der Renaissance vorbereiteten. Seine tragische Muse verlieh der französischen (und nicht nur!) der Literatur das hohe Pathos der bürgerlichen Lyrik und die Kraft einer visionären Flucht des Denkens. Die Präsenz der Muse d'Aubigne ist in den kosmischen Visionen von John Milton, in den wütenden „Iambics“ von Auguste Barbier und im Werk von Victor Hugo zu spüren. Und Baudelaire setzte einfach als Epigraph zur Erstausgabe von „Die Blumen des Bösen“ Zeilen aus dem Gedicht des alten Hugenotten.

Abschließend präsentiere ich mehrere Sonette und ein kleines Fragment aus „Schwerter“ von Agrippa d\"Aubigne.

*** (Übersetzt von Al. Revich)

Ronsard! Du warst großzügig, du hast anderen so viel gegeben,

Du hast der ganzen Welt solche Freundlichkeit erwiesen,

Spaß, Zärtlichkeit und Qual und Melancholie,

Und wir ehren deine Liebe, deine Cassandra.

Ihre Nichte, besessen von Liebe,

Ich möchte singen. Aber soll ich mit dir konkurrieren?

Ich kann Schönheit nur miteinander vergleichen,

Vergleiche Feuer mit Feuer und meine Asche mit deiner.

Natürlich bin ich ein Laie, leider ohne Wissen

Und Gründe. Sie eignen sich zum Schreiben,

Doch für zärtliche Gefühle nützen sie manchmal nichts.

Ich serviere den Sonnenaufgang, und du servierst die Abenddämmerung,

Als der verliebte Phoebus das Meer umarmt

Und er will sein Gesicht nicht nach Osten wenden.

(Übersetzt von V. Dmitrieva)

Ein unerwarteter Tod im Kampf ist süß für andere,

Von einer Kugel, von einem Schwert, einem Dolch oder einer Kartätsche,

Ein glorreicher Tod inmitten der blutigen Schlacht,

Wo den Verbliebenen das gleiche Schicksal droht.

Der Tod im Bett liegt einem anderen am Herzen, ich verstecke es nicht,

Und dann die Aufregung der Ärzte - Reden über dem Sarg,

Und die Schreie der Trauernden und Fackeln und Kerzen,

Und eine Krypta auf einem Friedhof und eine Ecke im Paradies ...

Aber der Tod eines Soldaten verführt mich überhaupt nicht:

Schließlich ist seine Bezahlung in unserer Zeit unbedeutend.

Der Tod im Bett ist langweilig, das sind die vielen Heuchler.

Ich möchte in Dianas Armen sterben,

Damit in ihrem Herzen, atemlos vor Trauer,

Erinnerungen errichteten ein Mausoleum.

(Übersetzt von Yu. Denisov)

Ihr Hund ist in Ungnade, Sir. Der Boden darunter ist kalt

Und es war einmal, als er den süßesten Schlaf im Bett schlief.

Er hat dir seine Hingabe in Aktion gezeigt,

Unter den Höflingen fand er Verräter.

In deinem Dienst war er so widerstandsfähig wie ein Ochse,

Und vor ihm verstummten die Feinde vor Entsetzen.

Jetzt wird er geschlagen, er bekommt eine Woche lang kein Futter.

Undankbarkeit, mein Herr, ist das bitterste Übel.

Du hast ihn wegen seiner Beweglichkeit und Jugend so sehr geliebt.

Jetzt wird er verachtet. Andere sind bereits in Kraft.

Seine Täuschung und Bosheit sind jetzt kaum noch zu ertragen.

Er ist verlassen. Plötzlich waren alle Türen vor ihm geschlossen.

Sie vergiften ihn, aber wissen Sie, die Favoriten:

Für Treue gilt, dass die Bezahlung für alle gleich sein wird.

Fragment aus dem Gedicht „Schwerter“

(Übersetzung von Al. Revich)

Nero belustigte Rom früher oft

Eine Zirkusarena, ein quadratisches Theater,

Genau wie in den Tuilerien oder, sagen wir, in Bar-le-Duc,

In Bayonne oder in Blois, wo es losgeht

Wie Ballett, Turnier oder Maskerade,

Ristanya, Karussell, Kampf oder Parade.

Nero, der Rom niederbrannte, befriedigte seinen wilden Zorn,

Wie sehr er es genoss, überall Schreie zu hören

Verzweifelte Menschenmengen zittern vor dem Feuer,

Das Unglück anderer brachte ihn nur zum Lachen,

Die ganze Zeit über fachte er die Flammen zur Zurschaustellung an,

Ohne Angst über die Asche der Opfer regieren.

Wenn das Feuer völlig mit Ärger gesättigt ist,

Der Herrscher erfreute sein unglückliches Volk,

Nachdem er die Schuldigen gefunden hatte, legte er sie im Voraus fest.

Und jetzt wurden Christen aus dem Gefängnis geholt,

Sie müssen Opfer fremder Götter werden,

Erlöser ohne eigenes Verschulden zu sein.

In den Abendstunden bei einem prächtigen Karneval

Die Unglücklichen wurden den Schaulustigen ausgesetzt

Und vor der Menge, um den Gottheiten zu gefallen,

Sie warfen sie ins Feuer und in das Maul hungriger Löwen.

So kam es in Frankreich zum Brand Hunderter Hütten

Der Tyrann wurde erhöht und die armen Leute wurden gedemütigt.

In den brennenden Hütten herrscht Verzweiflung,

Doch der Despot ist erfreut: „Wie gut es brennt!“

Die Menschen sehen nichts Böses, vertrauensvolle Betrüger,

Er ernährt sie und macht die Ketzerei für ihr Unglück verantwortlich.

Und du, Christ, antwortest für Hungersnot und Pest,

Du hast die Erde in Eisen verwandelt, den Himmel in Kupfer.

Wahre Meisterwerke der Weltlyrik sind Shakespeares Sonette, die S. Marshak und B. Pasternak für den sowjetischen Leser wiederentdeckt haben. Die Bekanntschaft mit Sonetten zieht immer die Aufmerksamkeit von Gymnasiasten auf sich, denn in diesem Alter beginnt ihre Suche nach Antworten auf Fragen zu Freundschaft und Liebe, die Gegenstand der meisten Sonette Shakespeares sind. Wenn ein Lehrer die Möglichkeit hat, einen Poesieabend zu veranstalten, der Shakespeares Sonetten gewidmet ist, sollten die Vorbereitungen dafür im Voraus beginnen: Die Schüler sollen mit Shakespeare „allein“ gelassen werden, die Lyrik seiner Sonette spüren, den Charme hoher Poesie spüren, wählen was sie wollen: auswendig lernen.
Das Sonett ist eine der komplexesten poetischen Formen, die nicht jeder perfekt beherrschen kann. Seine klassische Vollendung fand das Sonett in Italien unter der Feder von Dante und Petrarca und in England – William Shakespeare. Das Sonett hat eine strenge Struktur und umfasst vierzehn Zeilen mit einem spezifischen Reimsystem. Die Idee eines Sonetts passt in folgendes Schema: These, Entwicklung der These, Antithese, Synthese. Manchmal trat der Gegensatz in den Hintergrund. Der kompositorische Aufbau des italienischen Sonetts bestand aus zwei Vierzeilern (Quatrains) und zwei Terzetten (Terza). In Vierzeilern sind die Reime gekreuzt: a-b-a-b, s-d-s-d, in Terzen sind sie frei: e-f-g, g-g-g. Der Inhalt des Sonetts enthielt ein Thema, das oft in der Eröffnungszeile formuliert wurde. Der erste Vierzeiler ist eine Darstellung (These), der zweite ist eine Darstellung (Entwicklung der These), manchmal basierend auf dem Prinzip der Opposition. In Terzas gibt es eine Lösung des Themas und eine Schlussfolgerung, eine Schlussfolgerung aus der Argumentation des Autors.
In der englischen Poesie der Renaissance erhielt das Sonett eine einfachere Form: drei Vierzeiler mit einem Kreuzreim und ein letztes Couplet (Vers) mit einem Paar: a-b-a-b, c-d-c-d, c-d-c-d, g -OK. Diese Form wird Shakespeare-Sonett genannt.
Die Grundlage eines Sonetts ist immer ein Vergleich (Vergleich). Das Ende ist meist aphoristisch. Inhalt von Shakespeares Sonetten sind nicht nur Freundschaft und Liebe, sondern auch die gesellschaftlichen Konflikte der Zeit und Fragen der Kreativität. So sagt Shakespeare im Sonett 21:
Ich konkurriere nicht mit den Schöpfern von Oden,
Welche gemalten Göttinnen
Der Himmel wird geschenkt
Mit all dem Blau der Erde und des Ozeans.
Lassen Sie sie die Strophen dekorieren
Sie wiederholen in Versen und streiten untereinander:
Über die Sterne am Himmel, über Blumenkränze,
Über die Schätze der Erde und des Meeres.
Die Wahrheit ist mein Gesetz in Liebe und Worten.
Und ich schreibe, dass meine Liebe schön ist,
Wie jeder, der von einer sterblichen Mutter geboren wurde,
Und nicht wie die Sonne oder ein klarer Monat.
Ich möchte meine Liebe nicht loben,—
Ich verkaufe es an niemanden.
Der zweite Vierzeiler erklärt, warum Shakespeare in seiner poetischen Einfachheit und Reinheit mit denen konkurriert, die nicht so sehr wegen ihrer verrückten Gefühle zu großartigen Vergleichen greifen, sondern um „die Strophen zu schmücken“. Der dritte Vierzeiler, der auf dem Gegensatz zweier Haltungen zum Bild des Liebesobjekts aufbaut, drückt das künstlerische Credo des Dichters aus: „In Liebe und Worten ist die Wahrheit mein Gesetz.“ Und nach dem Gesetz der Wahrheit hat er seine eigene Einstellung zum Bild des Lieblings: „Und ich schreibe, dass der Liebling schön ist, wie jeder, der von einer sterblichen Mutter geboren wird, und nicht wie die Sonne oder ein klarer Mond.“ ” . Der Vers – „Ich will meine Liebe nicht loben – ich verkaufe sie niemandem“ – enthält nicht nur die Schlussfolgerung, dass Wahrheit und Treue Seite an Seite stehen, sondern auch einen Hinweis darauf, dass Schein und Pomp in Worten eine Rolle spielen Schatten auf Aufrichtigkeit in der Liebe.
Shakespeares 154 Sonette bergen noch immer viele Geheimnisse. Sie wurden, wie Forscher glauben, zwischen 1592 und 1598 geschrieben und sind zwei Menschen gewidmet: „Für Freude und Trauer, durch den Willen des Schicksals, für einen Freund, besitzen mich zwei Lieben: ein Mann mit blondem Haar, leuchtenden Augen und eine Frau.“ in dessen Blick die Dunkelheit der Nacht liegt“, schreibt der Dichter im Sonett 144. Aber wer der Freund ist, dem die meisten lyrischen Ergüsse des Dichters gewidmet sind, und wer die Schönheit ist, die ihm Freude und Leid bereitete, bleibt unbekannt. In der Literaturkritik wird sie meist als „Dunkle Lady“ bezeichnet.
Es gibt die Meinung, dass Shakespeares Sonette sein lyrisches Bekenntnis sind und alles, was zwischen ihm, dem Freund und der Dunklen Dame passiert ist, als Widerspiegelung der wahren Fakten seiner Biografie angesehen werden kann. Andere neigen dazu, in diesen Bildern lediglich eine künstlerische Verkörperung der Gefühle zu sehen, die liebenden Menschen im Allgemeinen innewohnen.
Shakespeares Sonette sind dramatisch, frei von traditionellen verbalen Ausschmückungen, sie verblüffen durch psychologische Wahrheit und poetische Perfektion.
Entspricht die Reihenfolge, in der Shakespeares Sonette gedruckt wurden und werden, der Chronologie ihres Schreibens? Forscher neigen dazu, die Frage zu verneinen. Höchstwahrscheinlich hat der erste Verleger sie willkürlich platziert, aber der Dichter selbst hat keine Seriennummern der Sonette im Manuskript hinterlassen.
Ihre Augen sind nicht wie Sterne
Du kannst deinen Mund nicht Koralle nennen,
Keine schneeweißen Schultern, offene Haut
Und eine Strähne kräuselt sich wie schwarzer Draht.
Mit Damaszener Rose, Scharlachrot oder Weiß
Man kann den Farbton dieser Wangen nicht vergleichen.
Und der Körper riecht wie der Körper riecht,
Nicht wie das zarte Blütenblatt eines Veilchens.
Du wirst darin keine perfekten Linien finden,
Besonderes Licht auf der Stirn.
Ich weiß nicht, wie die Göttinnen gehen,
Doch der Liebling tritt auf den Boden.
Und doch wird sie ihnen kaum nachgeben
Der in Vergleichen großartiger Menschen verleumdet wurde.
(Sonett 130)
Es ist nicht schwer, die Ähnlichkeiten zwischen diesem und dem bereits bekannten 21. Sonett zu erkennen. Der Dichter konstruiert die gesamte Beschreibung des ihm teuren Geschöpfs; im Gegensatz zu allgemein akzeptierten Mustern in der Vorstellung von Schönheit. Alles an ihm ist natürlich und einfach und daher wirklich schön. Die Haltung des Dichters gegenüber seiner Geliebten ist komplex und widersprüchlich: Sie ist enthusiastische Bewunderung, sklavische Hingabe, eine gesunde Einschätzung ihrer Mängel, Vergebung, manchmal Verurteilung und Anbetung zugleich. Im Sonett 131 wird er sagen: „Ich schwöre zu Tränen, dass dein dunkler Teint und deine schwarzen Haare wunderschön sind.“ Das Problem ist nicht, dass dein Gesicht dunkel ist – nicht du bist dunkel, sondern deine Taten sind dunkel!“ Das Schlimmste, was die Dunkle Dame tat, war, dass sie zwischen dem Dichter und seinem Freund stand. Der Dichter will zunächst erklären und rechtfertigen, was passiert ist, versucht den Verrat zu veredeln: „Ich selbst habe mir eine Ausrede für dich ausgedacht: Indem du mich geliebt hast, hast du sie geliebt.“ Und meine Liebe gibt dir ein Date, weil ich unendlich nett zu ihr bin... Aber wenn eine Freundin und ich ein und dasselbe sind, dann bin ich ihr nach wie vor lieber als alles andere“ (Sonett 42).
Fast vier Jahrhunderte trennen uns von der Zeit, als Shakespeares Sonette geschrieben wurden, und wir lesen sie mit der gleichen tief empfundenen Ehrfurcht, die sie bei unseren Zeitgenossen hervorriefen. Und vor uns erscheint deutlich das Bild eines lyrischen Helden: ein Mann mit großem Herzen, der für Loyalität, Selbstaufopferung, Leidenschaft, Selbstlosigkeit zugänglich ist, ein Mensch mit einer philosophischen Denkweise, einer materialistischen Weltanschauung, großzügig ausgestattet mit vielen Gaben, Die wichtigste davon ist die Gabe, ein Freund zu sein, der edlen und sensiblen Naturen zugänglich ist.

Der Mensch hat keine Macht über Zufall und Zeit. Aber er hat die Kontrolle über sich. Wenn es für Tarquin keine moralischen Konzepte gibt und er sich weder um Gewissen noch um Ehre kümmert, dann verkörpert sich für Lucretia das Konzept der Menschenwürde gerade in der Ehre.

Im Namen der Ehre beschließt Lucretia zu sterben. Hier ist der unbestrittene Einfluss der Moral des Stoizismus unschwer zu erkennen, der später bei Shakespeare in der Tragödie „Julius Caesar“ noch einmal sehr deutlich zum Vorschein kommt. Es ist unmöglich, nicht zu bemerken, dass Lucretias Überlegungen zum Selbstmord in entscheidendem Widerspruch zur christlichen Lehre stehen, die ihn verbietet. Shakespeare betont diesen Widerspruch:

„Töte dich selbst“, macht sie sich Sorgen, „

Bedeutet das nicht, dass sowohl die Seele als auch der Körper zerstört werden?“

Der Tod von Lucretia verursacht Trauer bei allen Angehörigen und löst in den Herzen der Römer Empörung aus, die sich erheben, um Tarquinius zu vertreiben.

Der Sturz des Tyrannen rundet die Geschichte von Lucretia ab und symbolisiert den Triumph der Gerechtigkeit. Das Ende des Gedichts ist optimistisch. Der Sieg des Guten wird jedoch durch Lucretias aufopfernden Selbstmord errungen. Das Gedicht ist somit eine Tragödie.

Tragisches Konzept charakteristisch für alle frühen Werke Shakespeares. Alle tragischen Werke des jungen Shakespeare stellen die Macht des Bösen dar, die Tugend und Gerechtigkeit mit Füßen tritt. Die Extreme, zu denen die Träger des Bösen gehen, rufen allgemeine Empörung gegen sie hervor. Vergeltung kommt nicht vom Himmel, sondern von der Welt der Menschen.

Shakespeare beschränkt sich in Lucretia darauf, nur einen Fall tyrannischer Tyrannei darzustellen. Dass er nicht einzigartig ist, erfahren wir nicht aus dem Bild des wirklichen Lebens, das uns unmittelbar vor Augen steht, sondern nur aus den lyrischen Klagen der Heldin. Das Gedicht enthält keine visuelle und realistisch konkrete Darstellung aller Manifestationen des Bösen, die eine solche Situation geschaffen haben, in der der Tod von Lucretia der letzte Tropfen war, der das Fass zum Überlaufen brachte und die Geduld der Römer überforderte.

Shakespeare lehnt das moralisierende Prinzip ab mittelalterliche Kunst, nach der das moralisch Böse in der künstlerischen Darstellung hässlich und das Gute äußerlich schön aussehen sollte. Dementsprechend ist in dem Gedicht die schlechte Natur Tarquiniens in seinem äußeren Erscheinungsbild nicht erkennbar. Dieses Prinzip wandte Shakespeare nicht nur in Lucrece an, sondern im gesamten übrigen Werk.

Die Gedichte offenbaren den enormen Reichtum von Shakespeares Denken. Er schafft Bilder von großer poetischer Schönheit, und obwohl wir hier keine direkte Darstellung der Realität finden, ist alles in den Gedichten von einem Lebensgefühl, einem Verständnis für seine Komplexität und dem Wunsch, die Gesetze zu verstehen, die die Welt regieren, durchdrungen.

Und doch wird angenommen, dass Shakespeare in der großen poetischen Form gescheitert ist. Wahrscheinlich spürte er dies selbst, denn er kehrte nie zu dieser Form zurück, sondern fand eine Gattung, die seinem lyrischen Talent organischer entsprach – das Sonett.

Sonette

Sonettform wurde vor langer Zeit erfunden. Es wurde wahrscheinlich von provenzalischen Dichtern geschaffen, seine klassische Entwicklung erhielt das Sonett jedoch im Italien der Renaissance.

Die Sonettform wurde erfunden, als man glaubte, dass die Kunst eines Dichters die Beherrschung der komplexesten und schwierigsten Verstechniken erforderte. Wie wir wissen -

„Der strenge Dante verachtete das Sonett nicht,

Petrarca schüttete die Hitze der Liebe in ihm aus ...“

Und es war Petrarca, der die Kunst des Sonettschreibens auf die höchste Stufe brachte.

Ein Sonett hat immer 14 Zeilen. Die klassische italienische Sonettform ist wie folgt aufgebaut: zwei Vierzeiler und zwei Terzette mit einem bestimmten Reimsystem: Abba Avav CCD EDE oder Avaw Avaw ccd eed. Ein Sonett erlaubt keine Wortwiederholung (mit Ausnahme von Konjunktionen und Präpositionalwörtern oder Artikeln). Der erste Vierzeiler sollte eine Exposition, also eine Darstellung des Themas, enthalten und die allererste Zeile sollte den Leser sofort in das Thema des Gedichts einführen. Im zweiten Vierzeiler erfolgt eine Weiterentwicklung des Themas, teilweise basierend auf dem Prinzip der Opposition. Das Terzett liefert eine Lösung zum Thema, ein Ergebnis, eine Schlussfolgerung aus den Gedanken des Autors.

Schwierigkeit der Form Strenge kompositorischer Prinzipien faszinierte die Dichter der Renaissance. In England wurde das Sonett von Wyeth eingeführt. Allerdings blieb es lange Zeit eine Form von untergeordneter Bedeutung, bis das Beispiel von Philip Sidney andere Dichter faszinierte und dann, am Ende des 16. Jahrhunderts, das Sonett für kurze Zeit den Vorrang in der Lyrik einnahm.

Zunächst folgten englische Dichter dem italienischen Schema für den Aufbau eines Sonetts, dann entwickelten sie ihr eigenes System für dessen Komposition. Die englische Sonettform besteht aus drei Vierzeilern und einem abschließenden Couplet. Akzeptierte Reimreihenfolge: Avaw cdcd efef gg. Dieses System ist einfacher als das italienische Petrarca-System. Da Shakespeare es verwendete, wurde es Shakespearean genannt.

Wie das klassische italienische Sonett konzentriert sich jedes Gedicht auf ein einzelnes Thema. Shakespeare folgt in der Regel dem üblichen Muster: Der erste Vierzeiler enthält eine Darstellung des Themas, der zweite – seine Entwicklung, der dritte – leitet zur Auflösung und das letzte Couplet drückt das Ergebnis in aphoristischer, lakonischer Form aus. Manchmal ist dies eine Schlussfolgerung aus dem oben Gesagten, manchmal im Gegenteil ein unerwarteter Kontrast zu allem, was zuvor gesagt wurde, und schließlich ist es in einigen Fällen einfach eine Schlussfolgerung, deren Ausdruckskraft den vorherigen Vierzeilern – dem Gedanken – unterlegen ist scheint sich zu beruhigen, zu beruhigen.

In einer Reihe von Fällen verletzt Shakespeare dieses Kompositionsprinzip. Einige Sonette sind eine sequenzielle Entwicklung eines Themas vom Anfang bis zum Ende durch viele Bilder und Vergleiche, die die Hauptidee veranschaulichen.

Bei der Betrachtung von Shakespeares „Sonetten“ ist es zunächst notwendig, sich die kompositorischen Anforderungen, denen der Dichter seine Vorstellungskraft unterordnen musste, genau vorzustellen. Und um diese Kunst zu schätzen, muss man erkennen lernen, wie er dieses starre Schema seinem Plan, seiner Idee unterordnen konnte. Wenn man die Sonette liest, kann man sehen, wie Shakespeare diese komplexe Form zunehmend beherrscht. In manchen, vor allem in den ersten Sonetten, ist der Zwang des Dichters noch spürbar – die Form scheint ihn mitzuziehen. Nach und nach erlangt Shakespeare die Freiheit, die Form zu beherrschen, wenn weder er selbst noch wir ihren einschränkenden Rahmen mehr spüren, und dann zeigt sich, dass man in 14 Zeilen eine ganze Welt, einen riesigen dramatischen Inhalt, einen Abgrund von Gefühlen unterbringen kann, Gedanken und Leidenschaften.

Bisher wurde die äußere Seite des Sonetts betrachtet. Wenden wir uns nun dem zu, was seine innere Form ausmacht.

Wie bereits erwähnt, entwickelt jedes Sonett nur ein Thema. Die Originalität des Dichters liegt nicht darin, es zu erfinden. Zu Shakespeares Zeiten waren die Sonettdichtung und die Lyrik im Allgemeinen so reichhaltig, dass alle möglichen Themen in den Versen der Dichter zum Ausdruck kamen. Bereits Petrarca, der Begründer der Renaissance-Dichtung und Vater aller neuen europäischen Lyrik, erschöpfte in seinen Sonetten den gesamten Themenschatz, der sich mit dem geistigen Leben des Menschen, insbesondere dem Gefühl der Liebe, befasste.

Jeder Dichter jener Zeit, der lyrische Gedichte und insbesondere Sonette schrieb, wusste, dass er mit der Neuheit der Handlung nicht überraschen konnte. Es gab nur einen Ausweg: neue Ausdrucksmittel, neue Bilder und Vergleiche zu finden, damit das, was jeder kannte, neu klingen würde. Das war es, was die Dichter der Renaissance, darunter auch Shakespeare, anstrebten.

Petrarca bestimmte auch die Grundlage der inneren Form des Sonetts, seines figurativen Systems. Im Kern Sie hat gelogen Vergleich. Für jedes Thema fand der Dichter ein eigenes Bild oder eine ganze Bilderkette. Je unerwarteter der Vergleich war, desto höher wurde er bewertet. Der Vergleich wurde oft bis zur extremen Übertreibung getrieben. Aber die Dichter hatten keine Angst vor Übertreibungen.

Die vielen Bilder, die in jedem von Shakespeares Sonetten auftauchen, sind durch eine innere Einheit miteinander verbunden. Wie wird es erreicht? Die Einheit von Idee und Bild. Die Italiener nannten es „concetti“, das englische „conceit“, und das wörtliche russische Äquivalent zu diesem Begriff ist „conception“. Dieses Konzept ist künstlerisch. Sein Wesen besteht darin, dass Gedanken, Gefühle, Stimmungen, alle schwer fassbaren und schwer auszudrückenden mentalen Bewegungen durch das Konkrete und Visuelle ausgedrückt werden, und dann stellt sich heraus, dass es unendlich viele Analogien zwischen der spirituellen und der materiellen Welt gibt. So bringt der Dichter in Sonett 1 die Idee der Notwendigkeit zum Ausdruck, sein Leben in der Nachwelt zu verlängern, indem er sagt:

„Wir erwarten Ernte von den besten Reben,

Damit die Schönheit lebt, ohne zu verblassen.

Lass die Blütenblätter reifer Rosen verwelken,

Die junge Rose hält ihre Erinnerung wach.“

Der Inhalt eines Sonetts ist ein Gefühl oder eine Stimmung, die durch eine Tatsache hervorgerufen wird. Die Tatsache selbst wird nur vage erwähnt, als Hinweis gegeben, und manchmal hat das Sonett überhaupt keinen unmittelbaren Grund – das Gedicht dient als Ausdruck der Stimmung, die den Dichter beherrscht. Die Hauptsache ist, Emotionen auszudrücken, Worte und Bilder zu finden, die nicht nur den Geisteszustand des lyrischen Helden vermitteln, sondern auch den Leser mit dieser Stimmung anstecken.

In Sonetten, wie in Gedichten, Sonderfälle führen zu weitreichenden Verallgemeinerungen sich auf alles Leben beziehen. Manchmal scheint es, als handele es sich um eine rein persönliche, flüchtige Stimmung, aber der Dichter verbindet sie durchaus mit etwas Größerem, das außerhalb von ihm liegt. In Shakespeares Dramen und insbesondere in seinen Tragödien begegnet uns die gleiche Kombination von Besonderem und Allgemeinem.

Die Dichter der Renaissance und insbesondere Shakespeare waren sich der Widersprüche des Lebens sehr bewusst. Sie sahen sie sowohl in der Außenwelt als auch in der menschlichen Seele. „Sonette“ offenbaren uns die Dialektik emotionaler Erfahrungen, die mit dem Gefühl der Liebe verbunden sind, das sich nicht nur als Quelle höchster Freuden, sondern auch als Ursache schwerster Qualen erweist.

Wann entstanden die Sonette? Die meisten Forscher glauben, dass die Sonette zwischen 1592 und 1598 von Shakespeare geschrieben wurden. Diese Jahre sind die Zeit der höchsten Blüte der Sonettdichtung in der englischen Literatur der Renaissance. Den Anstoß dazu gab die Veröffentlichung des Sonettzyklus „Astrophil and Stella“ von Philip Sidney im Jahr 1591 (sie wurden früher, um 1580, geschrieben). Von da an wurde das Sonett zur modernsten Form der Lyrik. Dichter konkurrierten untereinander bei der Verarbeitung dieser schwierigen poetischen Form und schufen eine Vielzahl von Sonettzyklen. Im Jahr 1592 veröffentlichte Samuel Deniel die Sonettreihe „Delia“; 1593 erschienen: „Tears of Imagination“ von Thomas Watson, „Parthenophilus and Parthenon“ von Barnaby Barnes, „Phyllides“ von Thomas Lodge, „Fox“ von Giles Fletcher; 1594 – „Diana“ von Henry Constable, „Sonnets to Celia“ von William Percy, „The Mirror of Ideas“ von Michael Dryten und der anonyme Zyklus „Zephyria“; 1595 - die berühmten „Amoretti“ des größten Dichters der englischen Renaissance Edmund Spenser, „Cynthia“ von Richard Barnfield, „One Hundred Spiritual Sonnets“ von Barnaby Barnes, „Alcilia“ eines unbekannten Autors; 1596 – „Fidessa“ von Bartholomew Griffin und „Chloride“ von William Smith; 1597 – „One Hundred Christian Passions“ von Henry Poke, „Laura“ von Robert Toft, „The Tree of Love’s Witnesses“ von Nicholas Breton; 1598 - „Alba“ von Robert Toft. Nach 1598 stoppte der Fluss der Sonettdichtung sofort und in den nächsten Jahren wurde kein einziges Sonettbuch veröffentlicht, bis 1609 der Verleger T. Thorpe Shakespeares Sonette veröffentlichte.

Shakespeare war stets sensibel für die Anforderungen und Interessen seiner Zeit. Davon zeugt seine Dramaturgie hinreichend deutlich. Als das Schreiben von Sonetten in Mode kam, wandte sich auch Shakespeare dieser poetischen Form zu.

Dass die Sonette zwischen 1592 und 1598 entstanden sind, zeigt auch ihre stilistische Nähe zu anderen Werken Shakespeares aus diesen Jahren. Einige Themen und Motive der „Sonette“ erinnern an einige Strophen seiner Gedichte „Venus und Adonis“ (1593) und „Lucretia“ (1594). Es wurden Ähnlichkeiten zwischen poetischen Ausdrücken, Bildern und Vergleichen entdeckt, die in den Sonetten und in den dramatischen Werken Shakespeares dieser Jahre zu finden waren. Besonders deutlich sind die Parallelen zwischen den „Sonetten“ und bestimmten Passagen von Stücken wie „Die zwei Herren von Verona“, „Verlorene Liebe“, „Romeo und Julia“, die Shakespeare 1594–1595 schuf.

Obwohl der Großteil der Sonette zwischen 1592 und 1598 geschrieben wurde, ist es möglich, dass einige der in der Sammlung enthaltenen Gedichte früher und andere später als in diesen Jahren entstanden sind.

Der Brauch der Dichter der Renaissance bestand darin, Sonette so zu schreiben, dass sie Zyklen bildeten, die intern mit einem bestimmten Thema und einer lyrischen Handlung verbunden waren. Shakespeares Sonette kommen dem nahe.

Im Grunde entwickeln sich „Sonette“ zu einer lyrischen Geschichte über die leidenschaftliche Freundschaft des Dichters mit einem schönen jungen Mann und die nicht minder leidenschaftliche Liebe zu einer hässlichen, aber faszinierenden Frau.

„Für Freude und Leid, durch den Willen des Felsens,

Zwei Freunde, zwei Lieben beherrschen mich:

Hellhaariger, helläugiger Mann

Und eine Frau, in deren Augen die Dunkelheit der Nacht liegt.

Die Einheit des Sonettzyklus ist weniger handlungsbasiert als vielmehr ideologisch-emotional. Es wird durch die Persönlichkeit ihres lyrischen Helden bestimmt – desjenigen, in dessen Namen alle diese Gedichte geschrieben sind.

In dem Drama, das sich in den Sonetten vor uns abspielt, gibt es drei Charaktere: die Freundin, die Dunkle Dame und die Dichterin. Wir sehen die ersten beiden mit den Augen des Dichters. Seine Haltung ihnen gegenüber unterliegt Veränderungen, und aus den Beschreibungen der Gefühle des Dichters gegenüber diesen beiden Personen geht hervor, dass sie umfassend und komplex sind Bild hauptsächlich lyrischer Held„Sonette“.

Man kann den lyrischen Helden der Sonette nicht direkt mit Shakespeare selbst identifizieren. Natürlich flossen viele persönliche Dinge in das Bild des lyrischen Helden ein. Dabei handelt es sich jedoch nicht um ein Selbstporträt, sondern um ein künstlerisches Bild einer Person, das genauso wahrheitsgetreu und real ist wie die Bilder der Helden der Shakespeare-Dramen.

Da die Reihenfolge, in der die „Sonette“ überliefert sind, etwas durcheinander ist, erschließt sich ihr Inhalt am deutlichsten, wenn man die Gedichte nach thematischen Kriterien gruppiert. Im Allgemeinen lassen sie sich in zwei große Gruppen einteilen: Die ersten 126 Sonette sind einem Freund gewidmet, die Sonette 127–154 – einem Geliebten.

Es gibt viel mehr Sonette, die einem Freund gewidmet sind, als Gedichte über einen geliebten Menschen. Dies unterscheidet Shakespeares Zyklus bereits von allen anderen Sonettzyklen nicht nur in der englischen, sondern in der gesamten europäischen Poesie der Renaissance.

Sonette an einen Freund und Sonette an einen Geliebten sind wie zwei getrennte Zyklen, zwischen denen eine Verbindung besteht. Aber im Allgemeinen wirken die „Sonette“ nicht wie ein vorgefertigter und systematisch umgesetzter Zyklus lyrischer Gedichte.

Deshalb gab es eine Meinung dazu ausser der Reihe Sonette in der Erstausgabe von 1609? Selbst eine oberflächliche Kenntnis lässt den Schluss zu, dass die Logik der lyrischen Handlung nicht überall eingehalten wird. So erfahren wir beispielsweise aus den Sonetten 40, 41, 42, dass ein Freund den Dichter mit seiner Geliebten betrogen hat, und lange bevor wir erfahren, dass der Dichter eine Geliebte hatte, erzählen uns Sonette ab 127 von ihr. th.

Dies ist nicht der einzige Fall einer Verletzung der Reihenfolge bei der Anordnung von Sonetten. Es ist möglich, dass Shakespeare selbst einige der Sonette außerhalb des Zyklus geschrieben hat, ohne sich darum zu kümmern, welchen Platz sie im Buch seiner Sonette einnehmen würden.

In diesem Zusammenhang gab es Versuche, die Ungenauigkeiten des ersten gedruckten Textes durch eine logischere Reihenfolge der Sonette zu korrigieren. Es wurden mehrere Systeme für ihren Standort vorgeschlagen. Einige von ihnen verdienen Aufmerksamkeit. Manchmal offenbart sich bei der Neuordnung der Sonette eine bisher unbemerkte Verknüpfungslogik zwischen einzelnen Gedichten. Manchmal erweist sich die Gegenüberstellung verschiedener Sonette als willkürlich und drängt dem Autor mehr auf, als er beabsichtigt hatte.

Shakespeares „Sonette“ gehören zu den herausragenden Beispielen der Lyrik. In der Lyrik sind wir in der Regel daran gewöhnt, den Ausdruck persönlicher Gefühle und Erfahrungen des Dichters zu sehen. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, zur Zeit der Vorherrschaft der Romantik, als dichterisches Schaffen vor allem als Mittel zur Selbstdarstellung des Autors verstanden wurde, etablierte sich die Auffassung der „Sonette“ als Shakespeares lyrisches Bekenntnis. Der romantische Dichter Wordsworth belebte die Sonettform wieder, die in der Poesie des 18. Jahrhunderts verschwunden war, und schrieb: „Mit diesem Schlüssel öffnete Shakespeare sein Herz.“

Diese Ansicht hat sich weit verbreitet. Viele Shakespeare-Gelehrte haben entschieden, dass die „Sonette“ im genauesten Sinne gelten autobiografisch. Man begann, sie als poetisches Dokument zu betrachten, in dem Shakespeare die Fakten seines persönlichen Lebens und seiner persönlichen Erfahrungen erzählte. Sie begannen herauszufinden, wer die in den Sonetten beschriebenen Personen sind – Shakespeares Freund und Liebhaber? Was den Freund betrifft, so ist nach Ansicht vieler Forscher sein Name in der Widmung, mit der die erste Ausgabe der Sonette eröffnet wird, mit Initialen verschlüsselt. In der Widmung heißt es: „Dem einzigen, dem die folgenden Sonette ihr Erscheinen verdanken, Herrn W.N., wünscht der Wohltäter, der es riskierte, sie zu veröffentlichen, all das Glück und ewige Leben, das ihm unser unsterblicher Dichter versprochen hat. T.T.“

Die zweite in den Sonetten erwähnte Person ist die Geliebte des Dichters. Sie wird nicht genannt. Damals gaben die Autoren von Sonetten den Damen, die sie sangen, erhabene, poetische Namen. Für Sidney ist es Stella, für Deniel ist es Delia, für Drayton ist es Idea usw. Shakespeare machte sich nicht einmal die Mühe, seiner Geliebten einen konventionellen poetischen Namen zu geben. Aus den „Sonetten“ erfahren wir lediglich, dass sie dunkelhäutig ist, schwarze Haare hat und sich nicht durch Treue in der Liebe auszeichnet. Der Name „Die dunkle Dame der Sonette“ wurde hinter ihr etabliert.

Es ist nicht schwer, sich vorzustellen, wie viel Arbeit neugierige Forscher aufgewendet haben, um die Identität der Dunklen Dame herauszufinden. Am Ende gewannen Elizabeth Vernoy und vor allem Mary Fitton sowie die quirlige Gastwirtin Mrs. Davenant aus Oxford die meisten Unterstützer.

Der Künstler bereichert die Natur stets, indem er vieles einbringt, was nicht da ist. Der Künstler bringt in das, was er darstellt, seine Lebenserfahrung, seine Gefühle, Ansichten, Stimmungen ein, die sich nicht unbedingt oder direkt speziell auf dieses Modell beziehen. Daher können wir garantieren, dass sowohl der Freund als auch der Geliebte, gesungen von Shakespeare, anders waren als das, was sie in den Sonetten erscheinen. Wir sehen sie mit den Augen Shakespeares, aber der Dichter sieht und fühlt anders, tiefer, subtiler als gewöhnliche Menschen. In der Lyrik kommt es vor allem auf den Blick des Dichters selbst, seine Vision und sein Gefühl an. Daher erzählen uns die „Sonette“ vor allem nicht so sehr über die Personen, die die Emotionen des Autors geweckt haben, sondern über sich selbst, und daher ist es ein Fehler, alles, was der Dichter sagt, wörtlich zu verstehen und es direkt mit seinem zu verbinden Biografie. Kreativität erhebt den Dichter über sich selbst, wie er es im Alltag ist.

Einzelne Sonette, die sich weder auf das Thema Freundschaft noch auf das Thema Liebe beziehen. Dies sind lediglich die lyrischen Reflexionen des Dichters zu verschiedenen Lebensthemen. Diese Sonette wirken tiefer und reifer als diejenigen, die dem Lob eines jungen Freundes gewidmet sind. Darin stecken Gedanken, die an die Tragödien erinnern, die Shakespeare in den frühen Jahren des 17. Jahrhunderts geschrieben hat. Besonders interessant ist in dieser Hinsicht das 66. Sonett, das gedanklich nahe an Hamlets berühmten Monolog „Sein oder Nichtsein ...“ orientiert.

In Shakespeares Sonetten gibt es eine innere Dualität. Ideal und real koexistieren in Shakespeares Sonetten in einer komplexen Kombination, wie in seinem Drama. Shakespeare erscheint hier entweder als Dichter, der seine Schuld gegenüber der erhabenen und illusorischen Romantik der aristokratischen Poesie begleicht, oder als realistischer Dichter, der der traditionellen Form des Sonetts, die manchmal Bilder erfordert, die weit von Galanterie entfernt sind, einen zutiefst lebenswichtigen Inhalt verleiht. Obwohl in Shakespeares Sonetten viel Realität steckt, kann man nicht sagen, dass er hier ausschließlich als realistischer Dichter auftritt. Der Kampf zwischen dem Realen und dem Ideal wurde nicht mit dem vollständigen Triumph des Realen gekrönt.

Italienische Humanisten, die eine neue Philosophie entwickelten, nahmen den antiken griechischen Philosophen Platon als ihren Lehrer. Aus seinen Lehren extrahierten sie das Konzept der Liebe als dem höchsten Gefühl, das dem Menschen zur Verfügung steht. Die Bewunderung für die Schönheit und Größe des Menschen ist das wichtigste Merkmal der humanistischen Weltanschauung der Renaissance, im Gegensatz zur mittelalterlichen Philosophie, die lehrte, dass der Mensch ein Gefäß aller Arten von Abscheulichkeiten ist, von denen er erst befreit wird, wenn seine Seele ihn verlässt der sterbliche Körper.

Humanisten sahen in der Liebe nicht so sehr eine Form der Beziehungen zwischen Menschen unterschiedlichen Geschlechts, sondern eine wahrhaft menschliche Form der Beziehungen zwischen Menschen im Allgemeinen. Sie betrachteten die Freundschaft zwischen Männern als eine ebenso hohe Manifestation der Menschlichkeit. Eine solche Manifestation der Liebe galt als höher, weil Freundschaft die Reinheit der Gefühle offenbart. Freundschaft basiert auf einem rein spirituellen Gefühl.

Shakespeares „Sonette“ – inspiriert Hymne an die Freundschaft. Wenn wir darüber sprechen, wie sich der Humanismus in diesen Gedichten manifestierte, dann besteht er gerade in einem unendlich hohen Verständnis von Freundschaft. Die Schönheit eines Freundes erregt jedoch immer den Dichter, der danach strebt, Bilder zu finden, um sie zu beschreiben.

Shakespeare war mit diesem Verständnis von Freundschaft keineswegs der Einzige. Von dem großen Renaissance-Humanisten Erasmus von Rotterdam ist ein Brief erhalten geblieben, der Ulrich von Hutten das Aussehen und den Charakter von Thomas More beschrieb. Was für ein trockener Mann Erasmus war, aber er schrieb auch mit aufrichtiger Bewunderung über Thomas Morus. Nicht nur die moralischen Qualitäten des Autors von Utopia, sondern auch sein Aussehen erregten die Bewunderung von Erasmus. Der französische Humanist Michel Montaigne pflegte eine bewundernde Freundschaft zu Etienne de la Boesie und schrieb mit der Begeisterung eines Liebhabers über ihn.

Die Verherrlichung eines Freundes stellt daher Shakespeares Übertragung von Motiven in die Poesie dar, die bereits in der humanistischen Literatur zu finden waren.

Gedichte, die einem Freund gewidmet sind, haben mehrere Themen. In den ersten 19 Sonetten geht es in jeder Hinsicht um dasselbe: Ein Freund muss heiraten, damit seine Schönheit in seinen Nachkommen zum Leben erweckt wird. In der gesamten Sonettgruppe gibt es einen Kontrast zwischen der Zerbrechlichkeit der Schönheit und der Unerbittlichkeit der Zeit. Die Zeit verkörpert das Naturgesetz, nach dem alles, was geboren wird, erblüht und dann zum Verwelken und Sterben verurteilt ist. Hier sehen wir eine optimistische Sicht auf den Lebensprozess. Die Zeit mag ein Lebewesen zerstören, aber das Leben wird weitergehen. Der Dichter fordert seinen Freund auf, die Zeit zu besiegen und hinterlässt einen Sohn, der seine Schönheit erben wird.

Es gibt noch eine andere Möglichkeit, die Zeit zu bekämpfen. Die Kunst gibt es. Es verleiht einem Menschen auch Unsterblichkeit. Der Dichter sieht seine Aufgabe darin, der Nachwelt in der Poesie das Bild jener menschlichen Vollkommenheit zu hinterlassen, die sein wunderbarer Freund gezeigt hat.

Der platonische Charakter der Freundschaft kommt besonders in der Gruppe der Sonette zum Ausdruck, die der Trennung gewidmet sind (24, 44-47, 50, 51). In dieser Gruppe von Sonetten manifestiert sich das Gefühl mit solcher Kraft, dass es für den Dichter auch in Abwesenheit eines Freundes stets eine lebendige Realität bleibt.

„Mit dem fleißigen Blick des Herzens und Verstandes

Ich suche dich in der Dunkelheit, ohne Sicht.

Und die Dunkelheit scheint großartig,

Wenn du es als Lichtschatten betrittst“ (27).

Wurde der Freund zunächst als Verkörperung aller Vollkommenheiten dargestellt, so wird sein strahlendes Erscheinungsbild vom 33. bis zum 96. Sonett verdunkelt. Die Begeisterung der Freundschaft weicht der Bitterkeit der Enttäuschung, und es tritt eine vorübergehende Abkühlung ein. Aber am Ende siegt immer noch das Gefühl der Liebe. Der Dichter verzeiht seinem Freund sogar, dass er ihm seine Geliebte weggenommen hat. Es fällt ihm schwerer, seine Freundschaft zu verlieren als ihre Liebe:

„Ich gebe dir keine Vorwürfe, mein Freund,

Dass dir gehört, was mir gehört.

Nein, ich mache dir nur eines vor,

Warum hast du meine Liebe vernachlässigt“ (40).

Dieses Motiv erinnert uns an die Episode des Finales von „Die zwei Veroneser“, in der Valentin seine Bereitschaft zeigte, seine Geliebte Proteus zu überlassen. In dem Stück erscheint dies seltsam und ungerechtfertigt, aber wenn man die Sonette liest, die eine ähnliche Situation schildern, kann man diese mysteriöse Episode aus „Die zwei Herren von Verona“ verstehen.

Die letzte Gruppe von Sonetten, von 127 bis 152, ist „einer Frau gewidmet, in deren Augen die Dunkelheit der Nacht liegt“. Wird ein Freund als ideales Wesen dargestellt, so wird die Freundin des Dichters als völlig irdisch dargestellt:

„Ihre Augen sind nicht wie Sterne,

Du kannst deinen Mund nicht Koralle nennen,

Die offene Haut der Schultern ist nicht schneeweiß,

Und eine Strähne kräuselt sich wie schwarzer Draht ...“ (130).

Dieses Sonett ist voller Angriffe gegen die Idealisierung der Frau in der Poesie der Renaissance. Shakespeare stellt den klischeehaften Zeichen der Schönheit ein echtes Frauenbild gegenüber.

Aus anderen Sonetten erfahren wir, dass die Geliebte „voller Launen“ ist (131), dass sie ihn und seinen Freund mit „der Launen des Verrats“ quält (133). Der Dichter fragt sich:

„Wie mein Herz der vorbeiziehende Hof

Könnte das Anwesen glücklich erscheinen?“ (137).

Das Gefühl des Dichters wird äußerst komplex. Auch nachdem er von der Untreue überzeugt ist, behält er seine Zuneigung zur Dame. In ihrer Beziehung herrschen Lügen:

„Ich lüge dich an, du lügst mich unabsichtlich an,

Und es scheint, dass wir durchaus zufrieden sind!“ (138).

Der Kontrast zwischen den Gefühlen für einen Freund und für einen Liebhaber ist offensichtlich. In den Gefühlen für einen Freund sind sogar Schmerz und Bitterkeit gering, Gefühle für einen geliebten Menschen werden unerträglich und die Liebe wird zu ständiger Qual:

„Liebe ist eine Krankheit. Meine Seele ist krank.“

Ein träger, unstillbarer Durst.

Sie verlangt das gleiche Gift,

Wer hat sie einst vergiftet“ (147).

Liebe vernebelt den Geist und macht es unmöglich, Menschen und die Welt in ihrem wahren Licht zu sehen:

„Liebe macht blind und beraubt uns unserer Augen.

Ich sehe nicht, was ich klar sehe.

Ich sah Schönheit, aber jedes Mal

Ich konnte nicht verstehen, was schlecht und was schön war“ (137).

Beachten Sie, dass er im Gegensatz zu anderen Werken des lyrischen Helden der Sonne keinen Ausweg im Tod sucht. Der lyrische Held von „Sonnets“ ruft zwar zum Tod, findet aber dennoch etwas, das ihn mit dem Leben versöhnt: Das ist sein Freund und die Freude, die die Liebe zu ihm schenkt. Er will seinen Freund nicht in der rauen Welt zurücklassen:

„Ich rufe den Tod. Ich kann es nicht ertragen, das zu sehen.“

Würde, die um Almosen bittet

Eine spöttische Lüge über die Einfachheit,

Ein Nichts in luxuriöser Kleidung,

Und Perfektion ist ein falscher Satz,

Und Jungfräulichkeit, grob missbraucht,

Und fehlgeleitete Ehre ist eine Schande,

Und Macht wird durch zahnlose Schwäche erobert,

Und Direktheit, die als Dummheit gilt,

Und Dummheit in der Maske eines Weisen, eines Propheten,

Und der zusammengepresste Mund der Inspiration,

Und Gerechtigkeit im Dienst des Lasters.

Alles, was ich sehe, ist widerlich.

Aber wie kann ich dich verlassen, lieber Freund!“

Wenn man sicher sein könnte, dass die Anordnung der Sonette der Chronologie der Ereignisse entspricht, dann wäre das Ergebnis dieser gesamten lyrischen Geschichte tragisch, denn der gesamte Zyklus endet mit den Flüchen jener Liebe, die einen Menschen demütigt, ihn zum Setzen zwingt Lügen auf und sei selbst ein Lügner. Zuflucht vor den erlittenen Leiden ist die Erneuerung der Freundschaft, die durch die Prüfungen noch stärker geworden ist. Platonische Vorstellung von Liebe als Gefühle der Spiritualität Gewinnt in Shakespeares Ratschlägen völliger Sieg.

Shakespeares „Sonette“ sind ein wahres Meisterwerk der englischen Lyrik der Renaissance. Durch die Konventionen und künstlichen Formrahmen brachen echte menschliche Gefühle, große Leidenschaften und humane Gedanken durch.


Literatur

1. Anikst A.A. Gedichte, Sonette und Gedichte von Shakespeare - M.: Buch, 1974

2. Anikst A.A. Shakespeare: das Handwerk eines Dramatikers. - M.: Sov.pisatel, 1974

3. Stein A.L. William Shakespeare: Leben und Werk. - M.: Institut für Fremdsprachen. (Gaudeamus), 1996

4. Garin I.I. Shakespeare William, über ihn. Fiktion. Charkow: Garinizdat, 1998

5. Schestakow V. Mein Shakespeare. Humanistische Themen in den Werken Shakespeares. - M.: Slavyan.dialog, 1998

Die Sonette von William Shakespeare gehören zu den bemerkenswerten Beispielen der Lyrik der Renaissance. Insgesamt schuf Shakespeare 154 Sonette. Die meisten Werke offenbaren das Thema Liebe, aber viele von ihnen widmen sich der Freundschaft, philosophischen Überlegungen und reflektieren manchmal auch Fragen der künstlerischen Kreativität. Sonette nehmen im reichen Erbe Shakespeares einen besonderen Platz ein. Sie wurden vom Autor nicht zur Veröffentlichung erstellt, sondern waren nur für bestimmte Personen aus dem engeren Kreis des Dichters bestimmt. Shakespeare begann in den 1590er Jahren, Sonette zu schreiben, als dieses Genre der Poesie in Mode kam.

Ein besonderes Merkmal von Shakespeares Sonetten ist die Vermittlung subtilster menschlicher Erfahrungen in farbenfrohen, manchmal unerwarteten Bildern. Shakespeares Gedichte unterscheiden sich von vielen anderen Sonettzyklen der Renaissance dadurch, dass sie der Freundschaft Vorrang vor der Liebe einräumen. Freundschaft galt als ideale Form der Beziehung, weil sie frei von Sinnlichkeit ist. Dies kommt in vielen Sonetten Shakespeares deutlich zum Ausdruck. In einigen von ihnen protestiert Shakespeare gegen die Tradition idealisierter Frauendarstellungen, wie sie in der Lyrik seit der Zeit der höfischen Literatur üblich sind. Im berühmten 130. Sonett beispielsweise kontrastiert der Autor das Aussehen seiner Geliebten kühn mit einem stereotypen poetischen Porträt einer Schönheit:

Ihre Augen sind nicht wie Sterne, ihre Lippen können nicht Korallen genannt werden… …………………………………… Und doch wird sie denen, die im Vergleich mit Großartigen verleumdet wurden, kaum nachgeben.

Shakespeares Sonett 66 liefert eine düstere Einschätzung der Moral einer von Lügen und Ungerechtigkeit dominierten Gesellschaft. Shakespeare wiederholt diese Gedanken durch die Lippen Hamlets in seinem berühmten Monolog „Sein oder Nichtsein“.

Von der Stimmung her stehen Shakespeares Sonette näher an der zweiten Phase seines Schaffens, als dem Dichter die Unvollkommenheit der Weltstruktur und des Lebens der Menschen offenbart wurde. Seine Sonette sind konfessioneller Natur. Beispiele für poetisches Bekenntnis finden sich bei vielen großen Dichtern. Sie können sich an Puschkins Gedicht erinnern, das er Anna Kern gewidmet hat: „Ich erinnere mich an einen wundervollen Moment ...“. Poesie erhebt den Künstler über das Niveau des Alltags. In der Poesie erlangen die Phänomene des Lebens ideale Schönheit.

Shakespeares Sonette offenbaren komplexe persönliche Beziehungen, Bewunderung für menschliche Perfektion und edle Freundschaft. Einer von ihnen beschreibt die Liebe zu einer bestimmten dunkelhäutigen Frau mit einer schwer fassbaren Seele. Shakespeare denkt im Maßstab der Ewigkeit und vermittelt gleichzeitig die Gefühle eines kleinen, zerbrechlichen, leicht verwundbaren Menschen.

Die Kunst, Sonette zu komponieren, reicht vier Jahrhunderte vor Shakespeare zurück. Nach den Regeln der Sonettlyrik musste man Gedanken und Gefühle in 14 Zeilen mit einem vorgegebenen Reimschema ausdrücken. Unter Shakespeares ersten Dutzend Sonetten gibt es viele, die Gedichten zu einem bestimmten Thema ähneln. Dies sind zum Beispiel die ersten 17 Sonette, in denen der Dichter seinen Freund überredet, zu heiraten und Kinder zu bekommen. Man kann nur staunen über die Fantasie des Dichters, der so viele Möglichkeiten findet, den gleichen Gedanken auszudrücken.

Das Thema vieler Sonette Shakespeares ist die Vergänglichkeit der Zeit, der Untergang aller schönen Dinge. Dieses Thema war in der Poesie der Renaissance weit verbreitet, doch Shakespeare fand neue künstlerische Mittel, um es auszudrücken.

Allmählich begann Shakespeare, den Kanon der Sonetttexte zu verletzen. Er führte lebendige Leidenschaften in die konventionelle Form eines Sonetts ein und beleuchtete Themen, die nach damaligen Vorstellungen unpoetisch waren. Material von der Website

Wenn Shakespeare seine Sonette als Werke intimer Lyrik betrachtete, dann haben sie für uns eine tiefere Bedeutung. Persönliche Gefühle spiegeln die Zeit wider, in der der Dichter lebte. Die Sonette zeigen die Tragödie der besten Persönlichkeiten der Renaissance. Der lyrische Held lebt zunächst in einer idealen Welt, erlebt aber später den gleichen Zusammenbruch der Illusionen wie Hamlet, wie Shakespeare selbst – die Tragödie des Zusammenbruchs des Humanismus. Die Wahrheit des Lebens erweist sich als hart, ihre Erfahrungen sind schmerzhaft für diejenigen, die an den bevorstehenden Triumph von Schönheit und Vernunft glaubten.

Die Sprache von Shakespeares Sonetten kommt der lebendigen Sprache nahe und enthält viele bildliche Vergleiche aus dem Alltag. In seinen Texten verwendete Shakespeare künstlerische Techniken, die geeignet waren, das Thema offenzulegen. Er gehörte keiner Schule oder Bewegung an.

Die besten Übersetzungen von Shakespeares Sonetten sind die von S. Ya. Marshak, die er in den 1940er Jahren anfertigte und für die er den Staatspreis erhielt. Marshak gelang es, die Integrität des von jedem Sonett erzeugten Eindrucks zu erreichen. Der Dichter reproduzierte die Elastizität und Energie von Shakespeares Gedichten und zeigte deren Präzision und Aphorismus. Im Wesentlichen gab Marschak diesen Werken neues Leben. Die Bedeutung von Shakespeares Sonetten ist sowohl in der Weltliteratur als auch in der russischen Literatur nach wie vor enorm.

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