Das Bild der Heimat während des Zweiten Weltkriegs in der Kunst. „Als die Kanonen feuerten“ (Literatur und Kunst während des Großen Vaterländischen Krieges). Literatur ist eine Kampfwaffe

Mit Beginn des Großen Vaterländischen Krieges beteiligten sich Künstler aktiv am Kampf gegen den Feind. Einige von ihnen kämpften an der Front, andere schlossen sich Partisanenabteilungen und der Volksmiliz an. Zwischen den Kämpfen gelang es ihnen, Zeitungen, Plakate und Cartoons zu veröffentlichen. Im Hintergrund waren Künstler Propagandisten, sie organisierten Ausstellungen, sie verwandelten Kunst in eine Waffe gegen den Feind – nicht weniger gefährlich als das Original. Während des Krieges wurden viele Ausstellungen organisiert, darunter zwei gesamtunionische („Der Große Vaterländische Krieg“ und „Heroische Front und Rückseite“) und zwölf republikanische. In Leningrad, umgeben von der Belagerung, veröffentlichten Künstler eine Zeitschrift mit Lithografien, „Combat Pencil“, und zeigten zusammen mit allen Leningradern der ganzen Welt beispiellosen Mut und Standhaftigkeit.

Wie in den Revolutionsjahren nahm auch in den Kriegsjahren das Plakat den ersten Platz ein. Darüber hinaus sind zwei Phasen seiner Entwicklung deutlich erkennbar. In den ersten beiden Kriegsjahren hatte das Plakat einen dramatischen, ja sogar tragischen Klang. Bereits am 22. Juni erschien das Kukryniksy-Plakat „Wir werden den Feind rücksichtslos besiegen und vernichten!“. Er brachte den Hass der Bevölkerung gegen den eindringenden Feind zum Ausdruck, forderte Vergeltung und rief zur Verteidigung des Mutterlandes auf. Die Hauptidee bestand darin, den Feind abzuwehren, und sie wurde unabhängig von kreativen Individuen in einer harten, lakonischen Bildsprache ausgedrückt. Häusliche Traditionen waren weit verbreitet. Also: „Das Mutterland ruft!“ I. Toidze (1941) mit einer allegorischen Frauenfigur vor einem Hintergrund aus Bajonetten, die in ihren Händen den Text des Militäreides hält, erinnert sowohl in der Komposition als auch in der Farbe (rot, schwarz, weiß) an Moores „Haben Sie sich als angemeldet?“ Freiwilliger?" Das Plakat von V.G. klang wie ein Aufruf zur Rache. Koretsky „Krieger der Roten Armee, rette!“ (1942), das auch die Traditionen der Revolutionsjahre nutzte – Fotomontage, wie es A. Rodtschenko tat. Es gab nicht nur keinen einzigen Kämpfer, sondern anscheinend auch keinen einzigen Menschen, der nicht von der tragischen Kraft dieses Bildes einer Frau durchdrungen wäre, die entsetzt ein Kind umklammert, auf das ein Bajonett mit Hakenkreuz gerichtet ist spitz. Das Plakat wurde wie ein Eid eines jeden Kämpfers. Künstler griffen oft auf die Bilder unserer heldenhaften Vorfahren zurück (Kukryniksy „Wir kämpfen hart, wir stechen verzweifelt, Enkel von Suworow, Kinder von Tschapajew“, 1941). „Frei“, „Rache!“ - Bilder von Kindern und alten Menschen schreien aus Plakatblättern.

In der zweiten Phase, nach einer Wende im Kriegsverlauf, verändern sich sowohl die Stimmung als auch das Bild des Plakats. B.C. Ivanov zeigt einen Soldaten vor dem Hintergrund der Überquerung des Dnjepr, der Wasser aus einem Helm trinkt: „Wir trinken das Wasser unseres heimischen Dnjepr. Wir werden von Prut, Neman und Bug trinken!“ (1943). L. Golovanovs Plakat „Auf nach Berlin!“ ist voller Optimismus und Volkshumor. (1944) steht das Bild des Helden Wassili Terkin nahe.

Ab den ersten Kriegstagen tauchten nach dem Vorbild von „Windows of ROSTA“ „Windows of TASS“ auf. Von Hand geschaffen – durch Auftragen von Farben auf Papier durch eine Schablone – in einem hellen, einprägsamen Farbschema reagierten sie sofort auf alle wichtigen militärischen und politischen Ereignisse. Zu den Meistern der älteren Generation, die an TASS Windows mitarbeiteten, gehörten M. Cheremnykh, B. Efimov und Kukryniksy, die auch viel an Zeitschriften- und Zeitungskarikaturen arbeiteten. Die ganze Welt ging um ihren berühmten Cartoon „Ich habe meinen Ring verloren... (und es gibt 22 Divisionen im Ring)“ über die Niederlage der Deutschen bei Stalingrad (1943) herum. Die politische Abteilung der Westfront gab ein Sondermagazin „Front-Line Humor“ heraus. Ihr künstlerischer Leiter war bis 1942 N. Radlov und von 1942 bis Kriegsende V. Goryaev. V. Lebedev fertigte Zeichnungen zu Gedichten von S.Ya. Marschak.

Ähnlich wie der Leningrader „Kampfstift“ begannen georgische Künstler, eine Reihe kleiner Propagandablätter mit dem Titel „Bajonett und Feder“ zu veröffentlichen, in denen literarische Texte eine große Rolle spielten. Zu den an dieser Veröffentlichung beteiligten Künstlern gehörten L.D. Gudiashvili, unter den Dichtern – Tabidze. Ähnliche Propagandaflugblätter wurden von ukrainischen Künstlern aufgestellt und in den besetzten Gebieten abgeworfen. Georgische und ukrainische Propagandagrafiken haben überwiegend einen heroischen und dramatischen Ton; aserbaidschanische Künstler arbeiteten satirisch gemäß der Tradition, die sich vor dem Krieg entwickelt hatte.

Während der Kriegsjahre entstanden bedeutende Werke der Staffeleigrafik, und die Vielfalt der Eindrücke ließ eine Vielfalt an Formen entstehen. Dabei handelt es sich um schnelle, dokumentarisch genaue Frontskizzen, unterschiedlich in Technik, Stil und künstlerischem Niveau. Dies sind Porträtzeichnungen von Kämpfern, Partisanen, Matrosen, Krankenschwestern, Kommandanten – die reichste Chronik des Krieges, später teilweise in Stiche übersetzt (Lithographien von Vereisky, Stiche von S. Kobuladze, Aquarelle von A. Fonvizin, Zeichnungen von M. Saryan, usw.). Dazu gehören Kriegslandschaften, unter denen Bilder des belagerten Leningrads einen besonderen Platz einnehmen (Gouachen von Y. Nikolaev und M. Platunov, Aquarelle und Pastelle von E. Belukha und S. Boym usw.). Schließlich handelt es sich um ganze Serien von Grafikblättern zu einem Thema. So entstand die Grafikserie von D. Shmarinov „Wir werden nicht vergessen, wir werden nicht vergeben!“ (Kohle, schwarzes Aquarell, 1942), das aus Skizzen entstand, die er in frisch befreiten Städten und Dörfern anfertigte, aber nach dem Krieg schließlich fertiggestellt wurde: Feuer, Asche, Weinen über den Leichen ermordeter Mütter und Witwen – alles verschmolz zu einer Tragik künstlerisches Bild.

Propagandaplakat. Rettung eines Kriegers der Roten Armee

Die Serien von L.V. sind im Geiste völlig anders. Soyfertis „Sewastopol“ (1941–1942), „Krim“ (1942–1943), „Kaukasus“ (1943–1944). Soifertis schildert nicht die tragischen Aspekte des Krieges, sondern nur den Alltag, den Kriegsalltag, mit dem er als Schwarzmeerseemann bestens vertraut war. Soyfertis‘ anmutige Zeichnungen sind in schwarzem Aquarell gemalt und voller Humor und scharfer Beobachtungsgabe. Wahrhaftig gemacht, aber in einer anderen Tonart als Shmarinov, verherrlichen sie den Heldenmut des sowjetischen Volkes. Blatt „Keine Zeit!“ (1941) zeigt beispielsweise einen Matrosen, der auf einem Plakatständer lehnt und dessen Stiefel während einer kurzen Pause zwischen den Gefechten von zwei Jungen geschickt gereinigt werden.

„Leningrad in den Tagen der Belagerung und Befreiung“ heißt eine Serie von mehr als drei Dutzend Autolithographien von A.F. Pakhomov (1908–1973), das er 1941 begann und nach dem Krieg vollendete. Pakhomov selbst überlebte die Blockade und seine Seiten sind voller tragischer Gefühle, aber auch Bewunderung für den Mut und den Willen seiner Landsleute. Die ganze Welt ging um sein Blatt „Zur Newa für Wasser“ herum, auf dem vermummte Mädchen mit großen Augen abgebildet sind, die mit aller Kraft Wasser aus der Newa holen.

Das historische Thema nimmt in der Militärgrafik einen besonderen Platz ein. Es offenbart unsere Vergangenheit, das Leben unserer Vorfahren (Stiche von V. Favorsky, A. Goncharov, I. Bilibin). Auch architektonische Landschaften der Vergangenheit werden vorgestellt.

Auch die Malerei der Kriegsjahre hatte ihre Etappen. Zu Beginn des Krieges handelte es sich hauptsächlich um eine Aufzeichnung des Gesehenen, die nicht verallgemeinert werden sollte, fast eine hastige „malerische Skizze“. Künstler schrieben auf der Grundlage lebendiger Eindrücke, und daran herrschte kein Mangel. Es gelang nicht immer, das Geplante zu erreichen; den Gemälden mangelte es an Tiefe in der Darstellung des Themas und an der Kraft der Verallgemeinerung. Aber es gab immer große Aufrichtigkeit, Leidenschaft, Bewunderung für Menschen, die unmenschlichen Prüfungen standhaft standhalten, Direktheit und Ehrlichkeit der künstlerischen Vision, den Wunsch, äußerst gewissenhaft und genau zu sein.

Agtposter. Kommen wir nach Berlin

Die Geschwindigkeit einer scharfsichtigen Skizze schloss Ernsthaftigkeit und Tiefe des Denkens nicht aus. Skizzen von Künstlern, die sich im belagerten Leningrad befanden – V. Pakulin, N. Rutkovsky, V. Raevskaya, N. Timkov und andere – sind bis heute unschätzbare Bilddokumente (Ya. Nikolaev „Für Brot“, 1943; V. Pakulin " Newa-Ufer. Winter“, 1942). Während des Großen Vaterländischen Krieges meldeten sich viele junge Künstler, sie selbst nahmen an den Schlachten bei Moskau, der großen Schlacht um Stalingrad, teil, überquerten Weichsel und Elbe und eroberten Berlin im Sturm.

Natürlich entwickelt sich zuerst das Porträt, denn die Künstler waren schockiert über den Mut, die moralische Höhe und den Adel des Geistes unseres Volkes. Zunächst handelte es sich um äußerst bescheidene Porträts, die nur die Gesichtszüge eines Mannes während des Krieges einfingen – des weißrussischen Partisanen F. Modorov und des Soldaten der Roten Armee V. Jakowlew, Porträts derjenigen, die im Hinterland für den Sieg über den Faschismus kämpften, eine ganze Serie von Selbstporträts. Die Künstler versuchten, gewöhnliche Menschen einzufangen, die gezwungen waren, zu den Waffen zu greifen, und die in diesem Kampf die besten menschlichen Qualitäten zeigten. Später erschienen zeremonielle, feierliche und manchmal sogar pathetische Bilder, wie zum Beispiel das Porträt des Marschalls G. K. Schukow von P. Korin (1945).

P. Konchalovsky hat in den Kriegsjahren viel in diesem Genre gearbeitet. In seiner gewohnt dekorativen, farbgesättigten Art kreiert er optimistische, lebenslustige Charaktere. Aber im Selbstporträt von 1943 möchte ich, obwohl es in Übereinstimmung mit den üblichen Techniken des Künstlers ausgeführt wurde, die besondere Einsicht des nachdenklichen Gesichtsausdrucks hervorheben, als ob er der schwierigsten Zeit unserer Zeit entspräche Land durchmacht. Ein bemerkenswert subtiles Porträt des berühmten Kunstkritikers N.N. Punina schreibt an V.M. Oreschnikow (1944).

Особой значительностью, монументальностью образа отличаются написанные в годы войны М. Сарьяном портреты интеллигенции (академик И.А. Орбели, 1943; композитор А. И. Хачатурян, 1944; поэт и переводчик М. Лозинский, 1944; писательница М. Шагинян, 1944, usw.).

Während der Kriegsjahre malte Saryan auch Landschaften und Stillleben. Erwähnenswert ist ein besonderes Stillleben, das er „An die armenischen Soldaten, Teilnehmer des Vaterländischen Krieges“ (1945) nannte und das die Früchte und Blumen Armeniens darstellt: als Geschenk und Dankbarkeit für diejenigen, die kämpfen und siegen, und als Erinnerung an diejenigen, die fern ihrer Heimat gestorben sind, und als Hoffnung auf ein zukünftiges friedliches Leben.

1941–1945 Sowohl häusliche als auch landschaftliche Genres entwickeln sich, aber sie sind immer irgendwie mit dem Krieg verbunden. Einen herausragenden Platz in der Bildung beider während der Kriegsjahre nimmt A. Plastov ein. In seinem Gemälde „Der Faschist flog herüber“ (1942) scheinen beide Genres vereint zu sein: junge Birken, grauer Himmel, ferne Felder, die jeder von uns kennt. Vor dem Hintergrund dieser friedlichen Herbstlandschaft erscheint die Gräueltat des faschistischen Piloten, der den Hirtenjungen und die Kühe, die er weidete, tötete, noch monströser. Sie sagen, dass die Zuschauer vor diesem Gemälde erstarrten, als es 1942 in der Ausstellung „Der Große Vaterländische Krieg“ ausgestellt wurde. Plastov malte auch sehr helle, herzliche Landschaften unserer Heimat. Im letzten Kriegsjahr malte A. Plastov ein wunderschönes Bild „Ernte“ (1945, Tretjakow-Galerie): Ein ernster und müder alter Mann und Kinder essen in der Nähe der komprimierten Garben zu Mittag – diejenigen, die hinten blieben und fütterten die Soldaten. Plastovs Malerei ist üppig, seine Pinselführung ist breit und großzügig und die Landschaft enthält nicht die traurige, schmerzliche Note, die im vorherigen Bild erklingt.

Während der Kriegsjahre arbeiteten sowohl die ältesten Meister (V. Baksheev, V. Byalynitsky-Birulya, N. Krymov, A. Kuprin, I. Grabar, P. Petrovichev usw.) als auch jüngere, wie G. Nissky das Landschaftsgenre während der Kriegsjahre. der mehrere ausdrucksstarke, sehr ausdrucksstarke Gemälde schuf. Darunter „Um Moskau zu verteidigen. Leningradskoje-Autobahn“ (1942). Ausstellungen von Landschaftsmalern während des Krieges zeugen von ihrem Verständnis der Landschaft in einem neuen Bild, das der harten Kriegszeit angehört. So blieben in diesen Jahren auch fast dokumentarische Landschaften erhalten, die im Laufe der Zeit zu einem historischen Genre wurden, wie „Parade auf dem Roten Platz am 7. November 1941“ von K.F. Yuon (1942), das diesen für alle Sowjetmenschen denkwürdigen Tag festhielt, als die Soldaten direkt vom schneebedeckten Platz in die Schlacht zogen – und fast alle von ihnen starben.

Lakonismus, Einfachheit der Bildmittel, aber auch irritierende Geradlinigkeit zeichnen die thematischen Gemälde der Jahre 1941–1942 aus. Bezeichnend hierfür ist Sergej Gerassimows Gemälde „Mutter des Partisanen“ (1943), das von Zeitgenossen eher aufgrund der Aktualität des Themas als wegen seines künstlerischen Werts hoch gelobt wurde. Gerasimov entwickelt die „Konfliktlinie“ im Anschluss an Ioganson, tut dies jedoch noch anschaulicher.

Die weibliche Figur wird als heller Fleck auf dunklem Hintergrund gelesen, während die Figur des Faschisten, der sie verhört, als dunkler Fleck auf hellem Hintergrund erscheint, und das soll, so der Autor, symbolisch klingen: eine Frau, wie verwurzelt in ihrem Heimatland, aber auch wie ein Denkmal, das sich über dem Rauch des Feuers erhebt, verkörpert sie die Kraft des Schmerzes, des Leidens und der Unbesiegbarkeit der Menschen. Das kommt ganz klar, prägnant, aber auch anschaulich „literarisch“ zum Ausdruck. Die Figur des gefolterten Sohnes erscheint völlig unnötig. Und so ist der Gedanke klar und äußerst verständlich.

Dem Gemälde von A.A. mangelt es nicht an einer gewissen Plakathaftigkeit, die der Malerei so fremd ist. Deinekas „Verteidigung von Sewastopol“ (1942), entstanden in den Tagen, als „die Schlacht tobte ... heilig und richtig, eine tödliche Schlacht, nicht um des Ruhmes willen, sondern um des Lebens auf der Erde willen.“ Das Thema selbst ist der Grund für die enorme emotionale Wirkung des Gemäldes. Obwohl der Betrachter weiß, dass Sewastopol von unseren Truppen verlassen wurde, werden diese bis zum Tod kämpfenden Matrosen als Sieger wahrgenommen. Dadurch wurden sie zu ihnen. Deineka vermittelt die schreckliche Spannung der Schlacht nicht mit illusorischen Details, der Realität der Situation, sondern mit bestimmten, rein bildlichen Techniken, Übertreibungen. Indem der Künstler eine Reihe von Bajonetten mit dem Bildrand abschneidet, erweckt er den Eindruck einer Lawine feindlicher Truppen. Obwohl er nur eine kleine Gruppe von Faschisten darstellt, die zum Ufer stürmen, sind die Bewegungen der Figuren bewusst schnell, die Winkel sind scharf. Die Heftigkeit des Kampfes „heilig und richtig“ wird vor allem durch die Farbe vermittelt. Die Blusen der Matrosen sind strahlend weiß, ihre Figuren sind vor dunklem Hintergrund gut lesbar, die Figuren der Deutschen sind dunkel vor hellem Hintergrund. Zu Recht wird darauf hingewiesen, dass die Gesichter der Matrosen für den Betrachter offen sind; wir sehen ihren Ausdruck, wie zum Beispiel das Gesicht eines Matrosen im Vordergrund, der sich darauf vorbereitet, einen Haufen Granaten auf den Feind zu werfen. Seine Figur ist ein Symbol eines erbitterten Kampfes. Wir sehen die Gesichter unserer Feinde nicht. Mit einem koloristischen Mittel hat der Film nicht die Geradlinigkeit, die in „Mother of the Partisan“ zu finden ist.

Nicht nur die Farbe, auch die Komposition ist auf Kontraste aufgebaut. Im Hintergrund wird dem tödlich verwundeten Matrosen die Figur eines getöteten Deutschen gegenübergestellt. Der dritte Plan ist ein Bajonettkampf, bei dem die Kämpfer im letzten tödlichen Kampf aufeinandertreffen. Deineka enthüllt den heroischen Inhalt durch die Hauptsache und ignoriert sekundäre Details. Mittels plakativer, aber auch ausdrucksstarker künstlerischer Sprache entsteht das Bild einer erbitterten Schlacht.

Deineka war auch maßgeblich am Aufbau einer neuen, militärischen Landschaft beteiligt, die von einem ausgeprägten Zeitgefühl geprägt war („Stadtrand von Moskau. November 1941“). Die benannte Landschaft, die verlassene Moskauer Straßen zeigt, die von Furchen und stählernen „Igeln“ blockiert sind, vermittelt die unvergessliche Atmosphäre jener schrecklichen Tage, als der Feind auf Moskau zustürmte und vor seiner Haustür stand.

Bezeichnend ist, dass der Geist des Krieges, durchdrungen von einem Gedanken – dem Krieg – von Künstlern manchmal im Charakter eines einfachen Genrebildes vermittelt wird. So stellte B. Nemensky eine Frau dar, die über schlafenden Soldaten saß, und nannte sein Werk „Mutter“ (1945): Sie mag eine Mutter sein, die den Schlaf ihrer eigenen Söhne-Soldaten bewacht, aber dies ist auch ein verallgemeinertes Bild aller Mütter von jene Soldaten, die mit dem Feind kämpfen.

Nemensky war einer der ersten, der sich in diesen für die Kunst schwierigen Jahren entschieden von der pathetischen Verherrlichung verabschiedete. Durch das Gewöhnliche und nicht durch das Außergewöhnliche schildert er die alltägliche Leistung der Menschen in diesem blutigsten aller Kriege, die es auf der Erde gegeben hat. Im Wesentlichen bringt die programmatische Arbeit die innovative Rolle des Künstlers zum Ausdruck.

In den letzten Kriegsjahren schufen die Kukryniksy eines ihrer besten Gemälde, das sich dem Bild der Antike zuwandte – Sophia von Nowgorod als Symbol der Unbesiegbarkeit des russischen Landes („Flucht der Nazis aus Nowgorod“, 1944–1946). ). Vor dem Hintergrund der majestätischen, von Granaten verwundeten Fassade der Kathedrale wirken die umherhuschenden Brandstifter erbärmlich, und der Haufen verdrehter Trümmer des Denkmals „Millennium Russlands“ schreit nach Rache. Die künstlerischen Mängel dieses Bildes werden durch seine Aufrichtigkeit und echte Dramatik wettgemacht.

In der historischen Malerei tauchen Bilder von Helden der glorreichen Vergangenheit unseres Vaterlandes auf, die sowjetische Soldaten zum Kampf gegen den Feind inspirieren und an die Unvermeidlichkeit des Todes und das unrühmliche Ende der Eroberer erinnern. So nimmt den zentralen Teil von P. Korins Triptychon eine Ganzkörperfigur von Alexander Newski in Rüstung mit einem Schwert in der Hand vor dem Hintergrund von Wolchow, der Sophienkathedrale und einem Banner mit der Darstellung „Der nicht gemachte Erlöser“ ein by Hands“ (1942–1943, Tretjakow-Galerie). Später würde der Künstler sagen: „Ich habe es in den harten Kriegsjahren gemalt, ich habe den unbesiegten, stolzen Geist unseres Volkes gemalt, der „in der Gerichtsstunde seiner Existenz“ zu seiner vollen gigantischen Höhe stand.“ Das Wichtigste für Korin ist nicht die archäologische Authentizität historischer Details, sondern die Offenbarung des spirituellen Wesens des Helden, seiner Entschlossenheit, die auf dem Weg zum Sieg keine Hindernisse kennt. Der rechte und linke Teil des Triptychons – „Northern Ballad“ und „Ancient Tale“ – sind Gemälde über einen mutigen und geistig belastbaren russischen Mann. Aber sie sind deutlich schwächer als der Mittelteil; es wurde zu Recht festgestellt, dass ihnen auch die bekannte „Verschlüsselung“ der Handlung schadet. Charakteristisch für Korin ist die malerische und plastische Lösung: Die Formen sind äußerst verallgemeinert, die Plastizität der Figur ist starr, die Kontur ist grafisch, die Farbgebung basiert auf lokalen, kontrastierenden Kombinationen.

Der älteste Künstler E.E. arbeitet viel im historischen Genre. Lansere. N. Uljanow malt ein Bild über den Krieg von 1812 („Loriston im Hauptquartier von Kutusow“, 1945). Aber auch im historischen Genre der Kriegsjahre, insbesondere gegen Kriegsende, wie auch in anderen, zeichnen sich Veränderungen ab: Die Gemälde werden komplexer, tendieren zu Mehrfiguren, sozusagen zu einer „entwickelten Dramaturgie“. In diesem Sinne lohnt es sich, die bereits erwähnte lakonische, majestätische Komposition „Alexander Newski“ mit dem Gemälde „Morgen auf dem Kulikovo-Feld“ (1943–1947) von A. P. Bubnov (1908–1964) oder mit dem Gemälde von M. zu vergleichen. Avilov „Das Duell von Peresvet mit Tschelubey“ (1943), um zu verstehen, dass „Nationalität“ in einem historischen Gemälde nicht durch die Anzahl der dargestellten Personen erreicht wird.

Natürlich hatte die monumentale Malerei in den Kriegsjahren nur wenige Möglichkeiten. Aber auch in dieser Zeit der schwierigsten Prüfungen existierte und entwickelte sich die Kunst der „ewigen Materialien“, Fresken und Mosaike, weiter. Bezeichnend ist, dass im belagerten Leningrad in der Mosaikwerkstatt der Akademie der Künste Mosaike für die U-Bahn aus Deinekas Kartons hergestellt werden.

Trotz der schwierigeren Arbeitsbedingungen eines Bildhauers im Vergleich zu einem Maler und Grafiker (spezielle Arbeitsausrüstung ist erforderlich, teurere Materialien usw.) arbeiteten sowjetische Bildhauer seit den ersten Kriegstagen aktiv und nahmen an Wanderausstellungen teil 1941 und in den Ausstellungen „Der Große Vaterländische Krieg“ (1942), „Heroic Front and Rear“ (1944) usw.

Noch deutlicher als in der Malerei ist in der Skulptur der Kriegsjahre der Vorrang des Porträtgenres zu spüren. Bildhauer streben vor allem danach, das Bild eines Kriegshelden einzufangen, ihn wahrheitsgetreu und frei von äußerer Wirkung zu machen. Das Gesicht des Piloten, Colonel I.L., ist überhaupt nicht „heldenhaft inspiriert“. Khizhnyak, der unter schwerem Feuer einen Munitionszug rettete, oder das vernarbte Gesicht von Colonel B.A. Jussupow, der ein Duell mit feindlichen Panzern überlebte, in den Büsten von V. Mukhina (beide Gips, 1942). „Unser Vaterländischer Krieg“, schrieb V.I. Mukhina, die so viele neue Helden hervorgebracht hat, war ein Beispiel für solch strahlenden und außergewöhnlichen Heldentum, dass die Schaffung eines Heldenporträts den Künstler nur fesseln kann. Die russischen Helden unseres antiken Epos sind im sowjetischen Menschen wieder auferstanden und epische Bilder leben mit ihm und unter uns ...“

Die Komposition ihrer Porträts ist schlicht und klar, ebenso die klare plastische Modellierung. Die Hauptsache im Gesicht wird durch das reiche Spiel von Licht und Schatten betont. Dadurch werden die Schatten im unteren Teil von Khizhnyaks Gesicht, auf den Wangen und auf den Wangenknochen dicker, was die Konzentration, Strenge und Integrität des Bildes verstärkt. Es gibt keine unnötigen Details, sogar das Bild eines Militärbefehls ist auf dem Stand platziert. Eine dramatischere Charakterisierung findet sich im Porträt von N.N. Burdenko (Gips, 1943) basiert auf dem Kontrast der inneren Emotionalität und dem eisernen Willen, der sie zurückhält. Diese Porträts von Mukhina heben sich durch ihre Einfachheit und Aufrichtigkeit glücklich vom Hintergrund zukünftiger falsch-heroischer, pompöser Entscheidungen ab, die für so viele Meister, insbesondere aus der Nachkriegszeit, charakteristisch sind. Aber Mukhina selbst hat auch Werke aus derselben Kriegszeit, in denen sie anscheinend versucht, ihre Beobachtungen zu verallgemeinern, um eine Art kollektives Bild vieler Patrioten zu schaffen, die gegen die Faschisten kämpften, aber gleichzeitig in eine zuckersüße Idealisierung verfällt , zum Beispiel in „Partisan“ (Gips, 1942), dieses „Bild des Zorns und der Unnachgiebigkeit gegenüber dem Feind“, „Russische Nike“, wie sie damals dennoch genannt wurde.

Eine große Rolle spielten Mukhinas Experimente mit verschiedenen modernen Materialien, die sie in einem Werk kombiniert und dabei deren unterschiedliche Texturen und vor allem unterschiedliche Farben nutzt (Porträt von H. Jackson, Aluminium, farbiges Kupfer usw., 1945). Der Künstler schien die Möglichkeiten der Verwendung von Farbe in der Skulptur wiederentdeckt zu haben, obwohl sie der Menschheit seit der Antike bekannt waren. Wichtig sind auch Mukhinas Glasexperimente und ihre Verwendung von Glas in der Skulptur.

S. Lebedeva arbeitete in den Kriegsjahren in einer anderen Tonart, mit anderen Techniken, mit einer völlig anderen Herangehensweise an das Modell und schuf nicht weniger bedeutsame Bilder. Ihr analytischer Verstand und ihre Nachdenklichkeit ermöglichen es ihr, die Intensität des Innenlebens, die hohe Intelligenz und die Nuancen des Geisteszustands des Modells zu vermitteln, wie in der Büste von A.T. Tvardovsky, ein Kriegsberichterstatter dieser Jahre (Gips, 1943). Mit einer leichten Neigung des Kopfes, die in der Bewegung mit der Drehung der Schultern kontrastiert wird, betont der Bildhauer gekonnt, aber nicht direkt, die Stärke seines Charakters, die es ihm ermöglichte, die Position eines Dichters und Bürgers bis zu seinem Ende zu verteidigen Tage.

In der Skulptur der sogenannten Kleinformen, Figuren, die vor allem nach dem Krieg entstanden, hinterlässt Lebedeva unvergesslich ergreifende, poetische Bilder („Sitzender Tatlin“, Gips, 1943–1944).

Bildhauer aus allen Republiken und nationalen Schulen arbeiten an den Bildern von Kriegern (A. Sargsyan – in Armenien, Y. Nikoladze, N. Kandelaki – in Georgien usw.). Unter diesen Werken sticht das Bild von N.F. durch seine ungewöhnliche Komposition hervor. Gastello des weißrussischen Bildhauers A. Bembel (Bronze, 1943): ein Dreieck einer Halbfigur mit erhobener Hand auf einem Ständerblock – in dieser Komposition hielt der Künstler den tragischen und majestätischen Moment fest, als er ein brennendes Auto auf einen warf feindlicher Zug. Der älteste Bildhauer V. Lishev und Matveevs Schüler V. Isaeva arbeiten im belagerten Leningrad.

Mit der Zeit gewinnt, wie in der Malerei, auch in einem skulpturalen Porträt das Ideale, das erhaben Heroische und oft offen Idealisierte den Vorrang vor dem individuell Konkreten. In diesem Sinne porträtiert N.V. Helden der Sowjetunion. Tomsky wird in den Porträts von E.V. ein noch spektakulärer romantischer Anfang betont. Vuchetich, vergleichen Sie einfach die Porträts von Armeegeneral I.D. Chernyakhovsky beider Meister.

Während des Krieges war der Bau von Denkmälern nicht möglich. Doch gerade in den Kriegstagen kamen viele Bildhauer auf neue Ideen und Projekte. Also arbeitet Mukhina an einem Denkmal für P.I. Tschaikowsky (bereits 1954 in der Nähe des Moskauer Konservatoriums aufgeführt, Architekt A. Zavarzin). Bereits 1943 wurde es konzipiert und unmittelbar nach Kriegsende, 1946, in Wjasma ein Denkmal für den von E. Vuchetich hingerichteten Generalmajor M.G. errichtet. Efremov, der hier im ersten Kriegsjahr starb. Die Komposition des Denkmals besteht aus fünf Figuren: In der Mitte steht General Jefremow, der tödlich verwundet weiter kämpft, als er und die überlebenden Soldaten von allen Seiten von Feinden umgeben waren. In diesem Bild hat der Bildhauer nicht auf erzählerische und illustrative Elemente verzichtet, aber Wahrhaftigkeit, Aufrichtigkeit und sogar Leidenschaft bei der Vermittlung der Atmosphäre der letzten Schlacht, in der die Menschen so viel Mut bewiesen haben, bestimmen die künstlerische Bedeutung dieses Denkmals.

Vuchetich schuf nach dem Krieg (1945–1949) die berühmte 13-Meter-Bronzefigur eines Soldaten mit einem Kind auf einem Arm und einem gesenkten Schwert im anderen für das grandiose Denkmal für den „Sowjetischen Soldaten-Befreier“ im Treptower Park Berlin (Architekt Ya.B. Belopolsky und andere). Die räumliche architektonische und skulpturale Komposition in der Parkanlage umfasst zwei Gassen und ein Parterre mit Bestattungen, das mit einem Hügel mit einem Mausoleum endet. Am Anfang der Gassen, die zum Hügel führen, steht auf einem Sockel aus poliertem rotem Granit eine Figur der Mutter Heimat aus grauem Granit. Aus dem gleichen Material bestehen Banner mit bronzenen Figuren kniender Krieger auf den Propyläen. Das Mausoleum wird von der Figur eines Kriegers gekrönt, der ein Kind im Arm hält – die zentrale Figur des Denkmals. Das Erscheinen eines solchen Denkmals unmittelbar nach dem Krieg war selbstverständlich: Es spiegelte die Rolle unseres Staates beim Sieg über den Faschismus wider.

In den Jahren 1941–1945, in den Jahren des großen Kampfes gegen den Faschismus, schufen Künstler zahlreiche Werke, in denen sie die gesamte Tragödie des Krieges zum Ausdruck brachten und die Leistung des siegreichen Volkes verherrlichten.

Zenkovich V.V. Blumenstrauß in einer grünen Tasse. 1943

In den harten Kriegsjahren war es nicht nur wichtig, die Front mit Waffen und Nahrungsmitteln zu versorgen, sondern auch die Moral der Truppen hochzuhalten. Psychologische und ideologische Unterstützung ist eine mächtige Waffe zum Sieg, und die Kunst spielte dabei eine wichtige Rolle. Damals war jede Richtung wichtig: Malerei, Kino, Literatur, Musik – all das trug dazu bei, die Macht der Eindringlinge zu überwinden.

Kreativität an vorderster Front

Künstler, Künstler und Musiker gingen an die Front, meldeten sich bei Milizen und Partisanenabteilungen, gaben auf den Schlachtfeldern ihr Leben, vergaßen aber nicht ihre Kreativität. Zu dieser Zeit war das patriotische Thema wichtiger denn je:

• Während der Kriegsjahre erlangte das Kino enorme Popularität. Sowjetische Chronisten arbeiteten buchstäblich unter Kugeln und filmten einzigartige Aufnahmen, die später zu Zeugen der Weltgeschichte wurden. Aus Kurzfilmen, die sowohl während des Krieges als auch später gezeigt wurden, wurden Kampffilmsammlungen zusammengestellt.
• Es ist schwer, die Bedeutung der Musik in Kriegszeiten zu überschätzen. Das Red Banner Song and Dance Ensemble gab Konzerte an der Front; 1941 wurde das Lied „Holy War“ zum ersten Mal auf dem Weißrussischen Bahnhof aufgeführt. Das Lied „Katyusha“ von Michail Isakowski wurde schnell im ganzen Land bekannt. Viele Kämpfer schrieben Briefe an ihre Heldin und es erschienen viele poetische Volksversionen. Andere Liedmeisterwerke dieser Zeit, wie „Blue Handkerchief“, „Random Waltz“ und viele andere, sind noch immer jedem Russen bekannt. Das stärkste musikalische Werk der Kriegsjahre war Schostakowitschs siebte Symphonie, die im belagerten Leningrad vollendet wurde.
• Es ist unmöglich, die Vorzüge des Musik- und Theatertheaters nicht zu übersehen. Während der Kriegsjahre traten mehr als 4.000 Künstlerbrigaden an der Front auf und brachten den Soldaten Freude, Lächeln und Hoffnung auf einen schnellen Sieg.

Kunst in der Evakuierung

Bei der Evakuierung fernab der Front zielten die Bemühungen der Kunstschaffenden darauf ab, den Soldaten zu helfen. Zu dieser Zeit erlangte das Plakat in der Malerei eine besondere Bedeutung. Es war die Plakatkunst, die die Stimmung weckte, dazu beitrug, dem Feind mutig entgegenzutreten und zur Überwindung von Schwierigkeiten aufrief. Das jedem bekannte Plakat „Motherland Calls“ gehört Irakli Toidze. Er wurde auch Autor einer Reihe von Meisterwerken der Plakatmalerei.

Die Literatur war untrennbar mit der Front verbunden. Viele Schriftsteller und Dichter nahmen an den Schlachten teil, aber auch die Evakuierten setzten ihre ganze Kraft in den Kampf um den Sieg ein. Gedichte wurden im Radio ausgestrahlt und in Sammlungen veröffentlicht. Simonovs Gedicht „Warte auf mich“ wurde zum Ausdruck der Gefühle und Gedanken vieler Soldaten, die von der Rückkehr nach Hause träumten.

Die Militärkunst stellt eine besondere Ebene der russischen Kultur dar, da damals die gesamte kreative Energie der Menschen gemeinsamen Zielen untergeordnet war – der Front zu helfen, die Moral der sowjetischen Soldaten zu heben und ihr Heimatland vor Eindringlingen zu schützen.

Kuleva Julia

Geschichtsaufsatz mit Präsentation

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Vorschau:

Städtische Bildungseinrichtung

„Melekhovskaya-Grundschule Nr. 2“

ABSTRAKT

„Als die Waffen feuerten…“

(Literatur und Kunst während des Großen Vaterländischen Krieges).

Kuleva Julia

Lehrer:

Kuleva

Natalia Viktorowna

Melechowo 2009

Planen

1. Einleitung.

2. Literatur während des Großen Vaterländischen Krieges.

2.1 Poesie der Kriegsjahre.

2.2 Militärjournalismus.

2.3 Geschichten und Romane über den Krieg.

3. Kunst während des Großen Vaterländischen Krieges.

3.1. Kino.

3.1.1. Kriegschroniken und Filmromane.

3.1.2. Kunstfilme.

3.2. Kunst.

3.2.1. Propagandaplakat als Hauptform der bildenden Kunst während des Krieges.

3.2.2. Malerei, Skulptur, Grafik.

3.3. Kriegsmusik.

4. Fazit.

Literaturverzeichnis.

1. Einleitung

Der Große Vaterländische Krieg ist eine der hellsten und tragischsten Seiten in der Geschichte unseres Landes. Der Krieg wurde zu einer schrecklichen Prüfung für das gesamte sowjetische Volk. Ein Test für Mut, Widerstandsfähigkeit, Einheit und Heldentum. Die Konfrontation mit dem damals mächtigsten entwickelten Land – Nazi-Deutschland – zu überleben, war nur mit enormen Anstrengungen und größten Opfern möglich.

Während des Krieges wurde die Fähigkeit unseres Volkes, schwere soziale Überlastungen zu ertragen, die durch jahrtausendealte russische Erfahrung entwickelt wurde, deutlich unter Beweis gestellt. Der Krieg zeigte einmal mehr das erstaunliche „Talent“ des russischen Volkes, gerade unter extremen Bedingungen seine besten Qualitäten, Fähigkeiten und sein Potenzial zu entfalten.

All diese Volksgefühle und Gefühle manifestierten sich nicht nur im Massenheldentum der sowjetischen Soldaten an der Front, sondern auch im Hinterland. Der Zustrom von Freiwilligen an die Front versiegte nicht. Zehntausende Frauen, Jugendliche und alte Menschen griffen zu Werkzeugmaschinen und beherrschten Traktoren, Mähdrescher und Autos, um ihre Ehemänner, Väter und Söhne zu ersetzen, die in den Krieg gezogen waren.

Der Krieg mit seiner Trauer, dem Verlust geliebter Menschen, seinem Leid, der enormen Belastung aller geistigen und körperlichen Kräfte des Volkes und gleichzeitig einem außergewöhnlichen geistigen Aufschwung spiegelte sich in den Inhalten der Literatur und Kunst der Kriegsjahre wider. In meinem Aufsatz geht es um den enormen Beitrag der künstlerischen Intelligenz zur großen Sache des Sieges, die gemeinsam mit dem gesamten Volk das Schicksal des Landes teilte. Während ich an der Zusammenfassung arbeitete, habe ich eine Reihe von Artikeln und Veröffentlichungen studiert. Ich habe in dem Buch von P. Toper „Um des Lebens auf Erden willen …“ viel Interessantes für mich gelernt.Das Buch ist eine umfassende Studie der Weltliteratur, die sich dem militärischen Thema widmet und über die Werke dieser Zeit, ihre ideologische Ausrichtung und ihre Helden spricht. Die Sammlungen „Der Zweite Weltkrieg: Kino- und Plakatkunst“ sowie „Die Geschichte Moskaus während des Großen Vaterländischen Krieges und der Nachkriegszeit“, die mich mit berühmten Filmmeistern, Künstlern, Musikern und ihren Werken bekannt machten, erregte großes Interesse. Das Lehrbuch zur Prüfungsvorbereitung „Russische Literatur des 20. Jahrhunderts“ vermittelte mir die nötige theoretische Grundlage. Auch Internetressourcen trugen zur erfolgreichen Arbeit an der Zusammenfassung bei.

2. Literatur während des Großen Vaterländischen Krieges

Der Große Vaterländische Krieg war eine schwere Prüfung für das russische Volk. Die damalige Literatur konnte sich diesem Ereignis nicht entziehen.

So wurden am ersten Kriegstag bei einer Kundgebung sowjetischer Schriftsteller folgende Worte gesprochen: „Jeder sowjetische Schriftsteller ist bereit, seine ganze Kraft, seine ganze Erfahrung und sein Talent, sein ganzes Blut, wenn nötig, für die Sache einzusetzen.“ vom Krieg des heiligen Volkes gegen die Feinde unseres Vaterlandes.“ Diese hohen Worte waren berechtigt. Von Beginn des Krieges an fühlten sich Schriftsteller „mobilisiert und berufen“. Ungefähr zweitausend Schriftsteller gingen an die Front. Fünfhundert von ihnen wurden mit Orden und Medaillen ausgezeichnet. Achtzehn wurden zu Helden der Sowjetunion. Mehr als vierhundert von ihnen kehrten nicht zurück. Dies sind A. Gaidar, E. Petrov, Y. Krymov, M. Jalil; M. Kulchitsky, V. Bagritsky, P. Kogan starben sehr jung.

Die Autoren an vorderster Front teilten mit ihrem Volk sowohl den Schmerz des Rückzugs als auch die Freude über den Sieg. Georgi Suworow, ein Frontschriftsteller, der kurz vor dem Sieg starb, schrieb: „Wir haben unser gutes Leben als Menschen und für die Menschen geführt.“

Schriftsteller lebten das gleiche Leben wie die kämpfenden Menschen: Sie erstarrten in den Schützengräben, griffen an, vollbrachten Heldentaten und ... schrieben.

Oh Buch! Geschätzter Freund!

Du bist in der Reisetasche eines Kämpfers

Ich bin bis zum Sieg gegangen

Bis zum Ende.

Deine große Wahrheit

Sie hat uns mitgeführt.

Wir sind gemeinsam in die Schlacht gezogen.

Die russische Literatur der Zeit des Zweiten Weltkriegs wurde zur Literatur eines Themas – des Themas Krieg, des Themas des Vaterlandes. Die Schriftsteller fühlten sich wie „Grabendichter“ (A. Surkow), und die gesamte Literatur als Ganzes war, um A. Tolstoi treffend auszudrücken, „die Stimme der heroischen Seele des Volkes“. Der Slogan „Alle Kräfte, um den Feind zu besiegen!“ direkt mit Schriftstellern verbunden. Schriftsteller der Kriegsjahre beherrschten alle Arten literarischer Waffen: Lyrik und Satire, Epos und Drama. Das erste Wort sprachen jedoch Texter und Publizisten.

Gedichte wurden von der Zentral- und Frontpresse veröffentlicht, im Radio zusammen mit Informationen über die wichtigsten militärischen und politischen Ereignisse ausgestrahlt und auf zahlreichen improvisierten Bühnen an der Front und im Hinterland erklingen lassen. Viele Gedichte wurden in Notizbücher an der Front kopiert und auswendig gelernt. Die Gedichte „Warte auf mich“ von Konstantin Simonov, „Dugout“ von Alexander Surkov und „Ogonyok“ von Mikhail Isakovsky führten zu zahlreichen poetischen Reaktionen. Der poetische Dialog zwischen Schriftstellern und Lesern zeugte davon, dass während der Kriegsjahre ein in der Geschichte unserer Poesie beispielloser herzlicher Kontakt zwischen Dichtern und dem Volk entstand. Die spirituelle Nähe zum Volk ist das bemerkenswerteste und außergewöhnlichste Merkmal der Lyrik von 1941-1945.

Heimat, Krieg, Tod und Unsterblichkeit, Hass auf den Feind, militärische Brüderlichkeit und Kameradschaft, Liebe und Treue, der Traum vom Sieg, Nachdenken über das Schicksal des Volkes – das sind die Hauptmotive der Militärpoesie. In den Gedichten von Tichonow, Surkow, Isakowski, Twardowski hört man die Sorge um das Vaterland und den gnadenlosen Hass auf den Feind, die Bitterkeit des Verlustes und das Bewusstsein für die grausame Notwendigkeit des Krieges.

Während des Krieges verstärkte sich das Heimatgefühl. Von ihren Lieblingsbeschäftigungen und Heimatorten losgerissen, schienen Millionen von Sowjetmenschen einen neuen Blick auf ihre vertrauten Heimatländer, auf die Heimat, in der sie geboren wurden, auf sich selbst, auf ihr Volk zu werfen. Dies spiegelte sich in der Poesie wider: Es erschienen herzliche Gedichte über Moskau von Surkow und Gusew, über Leningrad von Tichonow und Olga Berggolz und über die Region Smolensk von Isakowski.

Hier sind Zeilen aus Nikolai Tichonows Leningrad gewidmetem Gedicht:

Mehr als einmal kamen Feinde wie Wellen,

Damit es auf Granit bricht.

Verschwinde in einem schaumigen Wirbelwind aus Gischt,

Spurlos im schwarzen Abgrund ertrinken

Und er stand da, groß wie das Leben,

Nicht wie alle anderen, einzigartig!

Und unter den faschistischen Waffen heulen

So wie wir ihn kennen

Er nahm den Kampf wie ein Wachposten auf,

Wessen Beitrag ist für immer unveränderlich!

Während der Blockade 1941–1943 befand sich Olga Berggolts in Leningrad und wurde von den Nazis belagert. Im November 1941 sollten sie und ihr schwerkranker Mann aus Leningrad evakuiert werden, doch Nikolai Stepanowitsch Moltschanow starb und Olga Fjodorowna blieb in der Stadt. Nach sehr kurzer Zeit wurde die ruhige Stimme von Olga Berggolts zur Stimme einer lang erwarteten Freundin in den gefrorenen und dunklen belagerten Leningrader Häusern, zur Stimme Leningrads selbst. Diese Transformation schien fast ein Wunder zu sein: Von der Autorin wenig bekannter Kinderbücher und Gedichte wurde Olga Berggolts plötzlich zu einer Dichterin, die die Widerstandsfähigkeit Leningrads verkörperte. Sie arbeitete während der gesamten Zeit der Belagerung im Radiohaus und leitete fast täglich Radiosendungen, die später in ihr Buch „Leningrad spricht“ aufgenommen wurden. In den schweren Tagen der Blockade schrieb die Dichterin hoffnungsvoll:

...Wir führen jetzt ein Doppelleben:

Im Dreck, in der Dunkelheit, im Hunger, in der Traurigkeit,

Wir atmen morgen -

Ein freier, großzügiger Tag.

Wir haben diesen Tag bereits gewonnen.

Die Liebe zum Vaterland und der Hass auf den Feind sind die unerschöpfliche und einzige Quelle, aus der unsere Texte während des Großen Vaterländischen Krieges ihre Inspiration schöpften.

In der Poesie der Kriegsjahre lassen sich drei Hauptgattungsgruppen von Gedichten unterscheiden: lyrische (Ode, Elegie, Lied), satirische und lyrisch-epische (Balladen, Gedichte).

Eines der weithin bekannten Gedichte ist „Sohn“ von Pavel Antokolsky, das dem Andenken an Oberleutnant Wladimir Pawlowitsch Antokolsky gewidmet ist, der am 6. Juni 1942 einen Heldentod starb. Hier sind die letzten Strophen:

Lebe wohl, meine Sonne. Auf Wiedersehen, mein Gewissen.

Abschied von meiner Jugend, lieber Sohn.

Lassen Sie die Geschichte mit diesem Abschied enden

Über die gehörlosesten aller gehörlosen Einzelgänger.

Du bleibst drin. Eins. Losgelöst

Aus Licht und Luft. In der letzten Qual,

Von niemandem erzählt. Nicht auferstanden.

Für immer und ewig, achtzehn Jahre alt.

Oh, wie weit sind die Straßen zwischen uns,

Kommen durch Jahrhunderte und durch

Diese grasbewachsenen Küstensporne,

Wo ein zerbrochener Schädel Staub ansammelt und seine Zähne zeigt.

Auf Wiedersehen. Von dort kommen keine Züge.

Auf Wiedersehen. Flugzeuge fliegen dort nicht.

Auf Wiedersehen. Es wird kein Wunder wahr werden.

Aber wir träumen nur Träume. Sie träumen und schmelzen dahin.

Ich träume davon, dass du noch ein kleines Kind bist,

Und du bist glücklich und trampelst auf deinen nackten Füßen herum

Das Land, in dem so viele begraben liegen.

Während des Krieges erfreute sich A. Tvardovskys Gedicht „Wassili Terkin“ großer Beliebtheit, dessen Kapitel in Frontzeitungen veröffentlicht und von Soldaten von Hand zu Hand weitergegeben wurden. Das kollektive Bild des russischen Soldaten, der mutig, zäh und nie entmutigt war und mit der Befreiungsarmee nach Berlin marschierte, wurde zu einem echten Favoriten und nahm einen festen Platz in der Frontfolklore ein.

Während des Großen Vaterländischen Krieges entwickelten sich nicht nur poetische Genres, sondern auch Prosa. Es wird durch journalistische und essayistische Genres, Kriegsgeschichten und Heldengeschichten repräsentiert. Journalistische Genres sind sehr vielfältig: Artikel, Essays, Feuilletons, Appelle, Briefe, Flugblätter.

Im Großen Vaterländischen Krieg war Alexei Tolstoi bereits im Alter von 58 Jahren ein berühmter Schriftsteller (1941 vollendete er das dritte Buch seines berühmten Romans „Walking Through Torment“).

Der Angriff der Faschisten auf unser Land löste bei dem patriotischen Schriftsteller eine wütende, protestierende Reaktion aus. Am fünften Kriegstag erschien A. Tolstois erster Artikel „Was wir verteidigen“ in der Zeitung Prawda, in dem der Autor das sowjetische Volk aufrief, sich für die Verteidigung seines Heimatlandes einzusetzen. Tolstoi schrieb darin: „Die Armeen des Dritten Reiches zu besiegen, alle Nazis mit ihren barbarischen und blutigen Plänen vom Erdboden zu vertreiben, unserem Heimatland Frieden, Ruhe, ewige Freiheit und Fülle zu geben.“ Eine solch hohe und edle Aufgabe muss von uns, den Russen und allen Brudervölkern unserer Union erfüllt werden.“

Diesem Artikel folgten viele weitere markante Auftritte von ihm in unserer Presse. Insgesamt verfasste A. Tolstoi im Zeitraum 1941-1944 mehr als 60 journalistische Artikel.

In diesen Artikeln wendet sich der Autor oft der Folklore zu, der russischen Geschichte, stellt die Merkmale des russischen Charakters und die Würde des russischen Volkes fest. Artikel beziehen sich oft auf russische Volksmärchen (in „Armee der Helden“ vergleicht Alexei Tolstoi Hitler mit einem Märchenwolf). In „Russian Warriors“ zitiert der Autor „The Tale of Igor’s Campaign“. Andere Artikel erwähnen den Kampf mit Khan Mamai, die Siege von Alexander Newski und Michail Kutusow. Alexey Tolstoi leitet in seinem Militärjournalismus konsequent einen bestimmten „russischen Charakter“ ab und weist auf bestimmte Merkmale hin, die für das russische Volk charakteristisch sind. Dazu gehören „die Loslösung vom Vertrauten in schwierigen Momenten des Lebens“ („Was wir verteidigen“), „der russische Geheimdienst“ („Armee der Helden“), „das Streben des russischen Volkes nach moralischer Verbesserung“ („An die Autoren von Nordamerika“), „Verachtung seines Lebens und seiner Wut, Intelligenz und Hartnäckigkeit im Kampf“ („Warum Hitler besiegt werden muss“).

Bei der Beschreibung der Deutschen lacht Alexej Tolstoi oft über sie, entlarvt sie als „Liebhaber von Würstchen und Bier“ („Was wir verteidigen“, „Blitzkrieg“ und „Blitzkollaps“), nennt sie Feiglinge und Dummköpfe und nennt relevante Beispiele. Er verspottet die psychologischen Methoden der Kriegsführung der Faschisten („Brave Men“) und vergleicht „Schädel und Knochen ... in Knopflöchern, schwarze Panzer, heulende Bomben“ mit den gehörnten Masken der Wilden. So versuchte Tolstoi, verschiedene Mythen über den Feind, die unter den Soldaten kursierten, zu bekämpfen. Alexei Tolstoi schreibt viel über die Heldentaten russischer Soldaten.

Das Thema Hass ist für Alexei Tolstoi, aber auch für alle anderen sowjetischen Kriegspublizisten („Ich rufe zum Hass“) äußerst wichtig. Auch schreckliche Geschichten über nicht weniger schreckliche Gräueltaten der Faschisten dienen als Aufruf zum Hass.

Im Kontext der turbulenten, angespannten Ereignisse des Krieges erhielt der Journalismus als Kampf- und Einsatzgenre eine besondere Entwicklung und Verbreitung in der sowjetischen Literatur. Viele unserer Autoren haben in diesen Jahren journalistische Artikel und Essays geschrieben: I. Erenburg, L. Leonov, M. Sholokhov, Vs. Ivanov, B. Gorbatov, N. Tikhonov und andere. Mit ihren Artikeln weckten sie hohes Bürgergefühl, lehrten eine kompromisslose Haltung gegenüber dem Faschismus und enthüllten das wahre Gesicht der „Organisatoren der neuen Ordnung“. Sowjetische Schriftsteller stellten faschistische Falschpropaganda der großen menschlichen Wahrheit gegenüber. Hunderte von Artikeln zitierten unwiderlegbare Fakten über die Gräueltaten der Invasoren, zitierten Briefe, Tagebücher, Aussagen von Kriegsgefangenen, nannten Namen, Daten, Nummern und verwiesen auf geheime Dokumente, Befehle und Anweisungen der Behörden. In ihren Artikeln erzählten sie die harte Wahrheit über den Krieg, unterstützten den strahlenden Siegestraum des Volkes und riefen zu Beharrlichkeit, Mut und Beharrlichkeit auf. Der patriotische Journalismus spielte während der Kriegszeit eine große und wirksame Rolle bei der Förderung des Kampfgeistes unserer Armee und bei der ideologischen Bewaffnung des gesamten sowjetischen Volkes.

Der Journalismus hatte großen Einfluss auf alle Genres der Kriegsliteratur, insbesondere auf den Essay. Aus den Aufsätzen erfuhr die Welt erstmals von den unsterblichen Namen Zoya Kosmodemyanskaya, Liza Chaikina, Alexander Matrosov und von der Leistung der Jungen Garde. In den Jahren 1943-1945 war ein Aufsatz über die Leistung einer großen Gruppe von Menschen sehr verbreitet. So erscheinen Aufsätze über die Nachtfliegerei U-2 (K. Simonov), über den heldenhaften Komsomol (V. Vishnevsky) und viele andere. Die der heroischen Heimatfront gewidmeten Essays sind Porträtskizzen. Darüber hinaus achten Schriftsteller von Anfang an nicht so sehr auf das Schicksal einzelner Helden, sondern auf das Heldentum der Massenarbeit. Marietta Shaginyan und Elena Kononenko schrieben am häufigsten über Menschen an der Heimatfront.

Die Verteidigung Leningrads und die Schlacht um Moskau waren Anlass für die Entstehung einer Reihe von Ereignisessays, die eine künstlerische Chronik der Militäreinsätze darstellen. Dies belegen die Aufsätze: „Moskau. November 1941“ von V. Lidin, „Juli - Dezember“ von K. Simonov.

Während des Großen Vaterländischen Krieges entstanden auch Werke, in denen das Schicksal des Menschen im Krieg im Vordergrund stand. Menschliches Glück und Krieg – so lässt sich das Grundprinzip von Werken wie „Simply Love“ von V. Vasilevskaya, „It Was in Leningrad“ von A. Chakovsky, „The Third Chamber“ von B. Leonidov formulieren. A. Chakovskys Roman „Es war in Leningrad“ entstand kurz nach dem Krieg. Es basierte auf dem, was der Autor persönlich sah und erlebte.

Schlicht, zurückhaltend und mit dokumentarischer Genauigkeit erzählt A. Chakovsky von der Leistung Leningrads, vom harten, heroischen Alltag der Blockadejahre, der das Große und das Tragische, das Unsterbliche und die alltägliche Sorge um das tägliche Brot vereint.

Dem Autor gelang es, in isolierten, manchmal sehr individuellen Handlungen, Ereignissen und Erfahrungen von Menschen viele wesentliche Merkmale des Charakters und der Moral des Volkes nachzubilden, das spirituelle Potenzial der Verteidiger Leningrads zu erforschen und die Geheimnisse ihrer Beharrlichkeit und Beharrlichkeit zu erfahren Ausdauer.

„Es war in Leningrad“ ist ein Buch über den Mut zu täglichen Heldentaten, über hingebungsvolle, kompromisslose Liebe, über das Innerste und Beste, das die harte Realität des Krieges in den Menschen offenbarte.

1942 erschien V. Nekrasovs Kriegsgeschichte „In den Schützengräben von Stalingrad“. Dies war das Erstlingswerk eines damals unbekannten Frontschriftstellers, der bis zum Hauptmann aufstieg, der tagelang und nächtelang in Stalingrad kämpfte, der sich an der Verteidigung von Stalingrad beteiligte, an den schrecklichen und erschütternden Schlachten, die unsere Truppen führten Armee

Der Krieg ist für alle zu einer großen Katastrophe, einem Unglück geworden. Aber gerade in dieser Zeit zeigen die Menschen ihr moralisches Wesen, „er (der Krieg) ist wie ein Lackmustest, wie eine Art besondere Manifestation.“ Valega zum Beispiel ist ein Analphabet: „… liest Silben und fragt ihn, was ein Heimatland ist, verdammt, er wird es nicht wirklich erklären.“ Aber für dieses Heimatland... wird er bis zur letzten Kugel kämpfen. Und die Patronen werden ausgehen – mit Fäusten, mit Zähnen ...“ Die Bataillonskommandanten Shiryaev und Kerzhentsev tun alles, um zur Erfüllung ihrer Pflicht möglichst viele Menschenleben zu retten. Sie werden im Roman mit dem Bild von Kaluzhsky kontrastiert, der nur daran denkt, nicht an die Front zu gelangen; Der Autor verurteilt auch Abrosimov, der glaubt, dass eine gestellte Aufgabe trotz aller Verluste erfüllt werden muss und Menschen dem zerstörerischen Feuer von Maschinengewehren aussetzt.

Der Leser der Geschichte spürt stets das Vertrauen des Autors in den russischen Soldaten, der trotz aller Leiden, Nöte und Misserfolge keinen Zweifel an der Gerechtigkeit des Befreiungskrieges hat. Die Helden in der Geschichte von V. P. Nekrasov leben im Glauben an einen zukünftigen Sieg und sind bereit, ohne zu zögern ihr Leben dafür zu geben.

3. Kunst während des Großen Vaterländischen Krieges

Der Große Vaterländische Krieg offenbarte dem Blick des Künstlers eine Fülle an Material, das enorme moralische und ästhetische Reichtümer verbarg. Der Massenheldentum der Menschen hat der Kunst und den Humanstudien so viel verliehen, dass die in diesen Jahren begonnene Galerie der Volksfiguren ständig mit neuen und neuen Figuren aufgefüllt wird. Die schärfsten Zusammenstöße des Lebens, in denen die Ideen der Treue zum Vaterland, des Mutes und der Pflicht, der Liebe und der Kameradschaft besonders deutlich zum Vorschein kamen, sind in der Lage, die Pläne der Herren der Gegenwart und Zukunft zu nähren.

3.1. Kino

243 Dokumentarfilmer haben für uns die Chronik des Krieges festgehalten. Sie wurden „Soldaten mit zwei Maschinengewehren“ genannt, weil in ihrem Arsenal neben Militärwaffen die Hauptwaffe weiterhin eine professionelle Waffe war – eine Filmkamera.

Wochenschauen in all ihren Formen wurden in den Vordergrund gerückt. Die Arbeit der Frontarbeiter ist eine ständige kreative Suche, bei der aus einer riesigen Menge an Filmmaterial die wichtigsten Dinge im harten Alltag des Großen Vaterländischen Krieges ausgewählt werden.

In den ersten Kriegsmonaten wurden die Wochenschaustudios Leningrad, Kiew und Minsk außer Betrieb gesetzt. Übrig blieb das Moskauer Filmstudio, das zum Organisationszentrum wurde und in der Lage war, schnell Filmgruppen an vorderster Front zu besetzen und sie zur aktiven Armee zu schicken. Und bereits am 25. Juni 1941 wurde der erste Frontfilm in die 70. Ausgabe von Sojuskinoschurnal aufgenommen, und ab Anfang Juli 1941 gab es dort bereits eine feste Rubrik „Filmberichterstattung von den Fronten des Vaterländischen Krieges“. Die Konsolidierung von Wochenschaumaterialien zu Wochenschauen und Filmen erfolgte am Hauptsitz – dem Central Newsreel Studio in Moskau.

Für die Bedürfnisse der Filmteams, die die Kampfeinsätze unserer Piloten filmen, stellte das Luftwaffenkommando eine große Anzahl spezieller Schmalfilmkameras zur Verfügung. Gemeinsam mit Flugzeugkonstrukteuren wurden die besten Orte für die Installation in Flugzeugen gefunden: Die Geräte wurden mit Kleinwaffen von Flugzeugen gekoppelt und gleichzeitig mit dem Schuss eingeschaltet.

Etwa 250 Kameraleute arbeiteten an den Fronten des Großen Vaterländischen Krieges. Der Hauptkern der Front-Wochenschauen waren Kameramänner, die an den Arbeitsfronten der ersten Fünfjahrespläne erfahren waren – R. Carmen, M. Tronevsky, M. Oshurkov, P. Paley. Aber es gab auch viele talentierte junge Leute, die später in den goldenen Fonds der russischen Kinematographie aufgenommen wurden – V. Sushchinsky, Ya. Leibov, S. Stoyanovsky, I. Belyakov, G. Bobrov, P. Kasatkin, B. Nebylitsky... Sie filmte etwa sechs Monate lang in einer Partisaneneinheit, die hinter den feindlichen Linien in der Region Moskau operierte, Kameramann M. Sukhova. Ohne auch nur eine Minute von der Kameralinse aufzublicken, filmte Kameramann B. Pumpyansky den Kampf um die Befreiung des Tschop-Bahnhofs durch sowjetische Truppen, der fünf Stunden dauerte...

Jeder großen Schlacht, die für den Verlauf des Großen Vaterländischen Krieges von entscheidender Bedeutung war, war ein eigener abendfüllender Dokumentarfilm und besonders wichtige Ereignisse – Kurzfilme oder Frontfilme – gewidmet.

So wurden die Tage und Nächte der heldenhaften Verteidigung Moskaus von den Betreibern des Central Newsreel Studios filmisch festgehalten. Im November 1941 begann das Studio mit der Produktion der Filmzeitschrift „In Defense of Native Moscow“. Die ersten Kämpfe mit der faschistischen Luftfahrt am Himmel der Hauptstadt wurden Tag für Tag von einer Gruppe Kameraleute unter der Leitung von Regisseur M. Slutsky gefilmt. Das Ergebnis war der im Sommer 1941 entstandene Film „Unser Moskau“. Derselbe Regisseur wiederholte die von M. Gorki vorgeschlagene Technik für den Vorkriegsfilm „Tag der neuen Welt“. Am 23. Juni 1942 zeichneten 160 Bediener die wichtigsten Ereignisse des 356. Kriegstages an allen Fronten sowie die Arbeit im Hinterland auf. Das Filmmaterial wurde zum Film „Day of War“ zusammengefasst.

Der erste journalistische Film über den Krieg war der Film „Die Niederlage deutscher Truppen bei Moskau“ von I. Kopalin und L. Varlamov, der auf den Bildschirmen auf der ganzen Welt ein triumphaler Erfolg war (mehr als 7 Millionen Zuschauer sahen ihn). USA allein) und erhielt 1942 die höchste Auszeichnung der American Film Academy – den Oscar für den besten ausländischen Dokumentarfilm.

Der letzte Dokumentarfilm der Kriegsjahre war der 1945 entstandene Film „Berlin“ von Y. Railman. Mit seiner Demonstration wurde das erste internationale Filmfestival der Nachkriegszeit in Cannes eröffnet. Die französische Zeitung „Patriot de Nisdus Sud Est“ schrieb damals: „Der Realismus von „Berlin“ grenzt an Halluzination. Fotografien aus der Natur sind mit verblüffender Einfachheit montiert und erwecken den Eindruck von Realität, den nur das sowjetische Kino erreichte... In „Berlin „Der Sieg wird vor allem dank Patriotismus, Mut und Selbstbeherrschung des Menschen erreicht. „Berlin“ gibt uns eine wunderbare Lektion in Filmkunst, und der unaufhörliche Applaus von Kritikern und Publikum ist der beste Beweis dafür.“

Insgesamt wurden während der Kriegsjahre 34 abendfüllende Dokumentarfilme, 67 Kurzfilme, 24 Frontausgaben und mehr als 460 Ausgaben der Zeitschriften „Sojuskinoschurnal“ und „Nachrichten des Tages“ veröffentlicht. 14 Dokumentarfilme – darunter „Die Niederlage deutscher Truppen bei Moskau“, „Leningrad im Kampf“, „Berlin“ – wurden mit dem Staatspreis der UdSSR ausgezeichnet.

Für die Erstellung einer Filmchronik des Großen Vaterländischen Krieges wurde dem Central Newsreel Studio 1944 der Orden des Roten Banners verliehen. Für das dokumentarische und journalistische Epos „Der Große Vaterländische Krieg“, das aus 20 abendfüllenden Filmen bestand, war ein großes Team seiner Schöpfer unter der Leitung der künstlerischen Leiterin und Chefregisseurin R. Carmen, später Heldin der sozialistischen Arbeit, Volkskünstlerin, tätig der UdSSR, wurde 1980 mit dem Lenin-Preis ausgezeichnet.

Mehr als 40 Dokumentarfilmer an vorderster Front starben in den Jahren des letzten Krieges einen mutigen Tod... Ihre Namen sind auf Gedenktafeln in den Gebäuden des Zentralhauses des Kinos, des Zentralstudios für Dokumentarfilme, des Zentralstudios von Kinder- und Jugendfilme, benannt nach M. Gorki. Auf dem Gelände des Studios erhebt sich ein Marmorpylon mit den Namen der verstorbenen Dokumentarfilmer des Mosfilm-Filmstudios. Und daneben befindet sich eine skulpturale Komposition, ein zerlumpter Betonblock mit Hochreliefbildern heroischer Episoden des Krieges, geschaffen vom Bildhauer L. Berlin, den Architekten E. Stamo und M. Shapiro und hier im Mai 1965 installiert.

Anders als vor dem Krieg, aber immer noch ein wirksames Mittel der ideologischen Bildung der Massen, wurde die Kunstkinematographie. Die Meister der künstlerischen Kinematographie versuchten, von den Helden der Front und des Hinterlandes so zu erzählen, dass ihre Heldentaten Tausende und Abertausende Soldaten, Offiziere, Partisanen und Heimatfrontarbeiter zu neuen Heldentaten inspirieren würden.

Der Krieg stellte die sowjetische Kinematographie vor schwierige Herausforderungen. Bei der Lösung dieser Probleme bewiesen die Filmschaffenden großen Mut und militärische Tapferkeit. Bereits am 22. Juni 1941 drehten Dokumentarfilmer die ersten Kampfaufnahmen und am 25. Juni wurde die erste militärische Episode in Sojuskinoschurnal Nr. 70 aufgenommen.

Das Moskauer Chronikfilmstudio spielte eine herausragende Rolle bei der Dokumentation der Kriegsereignisse, bei der Erstellung operativer Militärfilmberichte und großer dokumentarisch-journalistischer Filme über Schlachten und Feldzüge. Das Studio brachte viele Kreative im Bereich Spielfilme zusammen. Nachdem sie in Moskau eine Art Hauptquartier geschaffen hatten – das Central Studio of Chronicles – organisierten Dokumentarfilmer an jeder Front Filmgruppen.

Das Thema der Verteidigung Moskaus und der Heldentaten der Moskauer nahm in der Arbeit der Dokumentarfilmer einen herausragenden Platz ein. Bereits im Sommer 1941 veröffentlichte Regisseur M. Slutsky den Film „Unser Moskau“. Im Herbst wurde ein Film über die festliche Parade auf dem Roten Platz und eine Sonderausgabe „Zur Verteidigung unserer Heimat Moskau“ gedreht. Der abendfüllende journalistische Film „Die Niederlage deutscher Truppen bei Moskau“, herausgegeben von den Regisseuren I. Kopalin und L. Varlamov aus den Aufnahmen Dutzender Kameraleute, wurde zu einer Etappe in der Entwicklung des Dokumentarfilms. Diesem Film folgten Werke über die Verteidigung Leningrads, über das Epos an der Wolga, über Partisanen, über die Schlacht um die Ukraine und später, 1944-1945, über den Befreiungsfeldzug der Sowjetarmee, über die Einnahme Berlins und die Niederlage des imperialistischen Japan. Diese und viele andere Filme wurden überwiegend von Moskauer Regisseuren und Kameraleuten geschaffen. Viele berühmte „Kämpfer mit Filmkameras“ starben an der Front.

Auch das Moskauer Filmstudio für populärwissenschaftliche Filme hat viel fruchtbare Arbeit geleistet. Um den hohen Auftrag zu erfüllen, wissenschaftliches und gesellschaftspolitisches Wissen zu fördern, wurde das Filmstudio während des Krieges auf militärischer Basis neu organisiert und in Voentekhfilm umbenannt. Die Regisseure V. Suteev, V. Shneiderov und andere schufen die Filme „Deutsche Verteidigung und ihre Überwindung“, „Infanterie im Kampf“, „Zerstöre feindliche Panzer!“; Die Regisseure P. Mosyagin und I. Svistunov drehten viele nützliche militärmedizinische Filme. Für die Bevölkerung wurden Lehrfilme zur Brandbekämpfung, zum Verhalten bei feindlichen Angriffen und zur Ersten Hilfe für Bombenopfer gedreht.

Gleich in den ersten Kriegstagen begann das Moskauer Mosfilm-Studio mit der Verfilmung von Kurzfilmnovellen, einer Art Filmplakaten über den Krieg. Darunter waren satirische (Hitlers Traum über besiegte Hunderitter, Napoleon, die Besatzer von 1918 und andere Möchtegern-Eroberer) und heroische (über die Heldentaten sowjetischer Geheimdienstoffiziere, Grenzwächter, Panzerbesatzungen). Die Helden einiger Kurzgeschichten waren bekannte, vom Volk geliebte Filmfiguren: Maxim, der Postbote Strelka, drei Panzerbesatzungen; in anderen tauchten neue Helden auf, die für ein langes Filmleben bestimmt waren: der tapfere Soldat Schwejk, der geschickte und furchtlose Soldat – Koch Antosha Rybkin – der „Bruder“ von Wassili Terkin. In den Filmnovellen wurde häufig Material aus Vorkriegsfilmen über Alexander Newski, Peter I. und W. I. Tschapajew verwendet. Diese Filmromane wurden in den ersten Kriegsmonaten in den Moskauer Filmstudios Mosfilm und ihnen gedreht. A. M. Gorky sowie bei Lenfilm wurden dann zu abendfüllenden „Combat Film Collections“ unter dem allgemeinen Titel „Victory is Ours!“ zusammengefasst.

Die Kunstkinematographie stand vor einer zweiten, nicht weniger wichtigen Aufgabe: trotz des Krieges alle wertvollen Spielfilme fertigzustellen, deren Produktion vor dem Nazi-Angriff auf die UdSSR begonnen hatte. Und solche Gemälde wurden fertiggestellt. Dies sind „Der Schweinezüchter und der Hirte“, „Mashenka“, „Romantics“ und andere Filme.

Alle diese Filme erinnerten den Zuschauer an friedliche Arbeit, an die Errungenschaften der nationalen Kultur, die nun mit Waffen in der Hand verteidigt werden müssen.

Die rege Kinoaktivität hörte in Moskau keine Minute auf. Doch in den schwierigsten Tagen, als die Kämpfe mehrere Dutzend Kilometer von unserer Hauptstadt entfernt stattfanden, wurde beschlossen, die Kunstfilmstudios aus Moskau zu evakuieren. In Almaty schufen Moskauer Filmemacher ihre wichtigsten Kriegswerke.

Der erste abendfüllende Spielfilm über den Großen Vaterländischen Krieg war „Sekretär des Bezirkskomitees“ von I. Pyryev nach einem Drehbuch von I. Prut. Im Zentrum stand das Bild des Parteichefs. Die Autoren des Films enthüllten mit großer Propagandakraft und künstlerischem Können auf der Leinwand die populären Ursprünge des Bildes eines Kommunisten, der Menschen zum tödlichen Kampf mit dem Feind erweckte. Der Sekretär des Bezirkskomitees, Stepan Kochet, gespielt vom wunderbaren Schauspieler V. Vanin, eröffnete zu Recht eine Galerie mit großformatigen, hellen Charakteren des sowjetischen Kinos der Kriegsjahre.

Einen neuen Schritt zum Verständnis der Wahrheit des Krieges machte das Kunstkino im Film „Sie verteidigt das Mutterland“ (1943). Die Bedeutung dieses von F. Ermler nach einem Drehbuch von A. Kapler inszenierten Films lag vor allem in der Schaffung der heroischen, wahrhaft volkstümlichen Figur der Russin – Praskovya Lukjanova – verkörpert von V. Maretskaya.

Eine intensive Suche nach neuen Charakteren und neuen Wegen, sie zu lösen, war in dem Film „Rainbow“ (1943) mit der Schauspielerin N. Uzhviy in der Titelrolle von Erfolg gekrönt, der von M. Donskoy nach dem Drehbuch von Wanda Vasilevskaya inszeniert und im Film gedreht wurde Kiewer Filmstudio. Dieses Werk zeigte die Tragödie und Leistung des Volkes, darin erschien ein kollektiver Held – das gesamte Dorf, sein Schicksal wurde zum Thema des Films. Anschließend erlangte dieser Film weltweite Anerkennung und gewann als erster sowjetischer Film einen Oscar. Natalya Gebdovskaya, Schauspielerin des nach ihr benannten Filmstudios. Dovzhenko sagte in ihren Memoiren, dass sie „geweint habe, als sie diese Geschichte im Radio hörte“ und dass die Schauspieler froh waren, zumindest irgendwie an der Produktion dieses Films beteiligt zu sein. Einige Monate nach der Veröffentlichung des Films übersetzte der amerikanische Diplomat Charles Bohlen im Weißen Haus „Rainbow“ für Roosevelt. Roosevelt war äußerst aufgeregt. Seine Worte nach dem Ansehen des Films waren: „Der Film wird dem amerikanischen Volk in seiner angemessenen Größe gezeigt, begleitet von Kommentaren von Reynolds und Thomas.“ Danach fragte er: „Wie können wir ihnen jetzt sofort helfen?“

Die besten Filme des Central United Film Studio waren dem Partisanenkampf gewidmet, dem tapferen und stolzen sowjetischen Volk, das sich dem Faschismus nicht beugte, das nicht aufhörte, für Freiheit und Unabhängigkeit zu kämpfen: „Sie verteidigt das Mutterland“, „Zoya, „Invasion“, „Mann Nr. 217“, „Im Namen des Mutterlandes.“

Eine bedeutende Rolle bei der Mobilisierung der geistigen Kräfte des Volkes zur Bekämpfung des Faschismus spielten die Verfilmung der Werke von K. Simonov unter der Regie von A. Stolper (der Film „Der Mann aus unserer Stadt“) und das Theaterstück von A. Korneichuk „Front“ (Regie: G. und S. Vasiliev).

Die Filme „Big Land“ von S. Gerasimov, „Native Fields“ von B. Babochkin nach dem Drehbuch von M. Padava und „Once Upon a Time There Was a Girl“ erzählten von den Arbeitsleistungen des sowjetischen Volkes , insbesondere Frauen, im Hinterland, in Fabriken und auf Kollektivwirtschaften. "Regie: V. Eisymont.

Im Jahr 1943 begannen die Studios nach und nach in ihre Moskauer Pavillons zurückzukehren. Der erste große Spielfilm, der während der Kriegsjahre bei Mosfilm gedreht wurde, war „Kutuzov“ (Regie: V. Petrov) mit A. Dikiy in der Titelrolle.

Um aktive Armeeeinheiten mit den neuesten Errungenschaften der darstellenden Künste vertraut zu machen, wurde das Genre des Konzertfilms entwickelt und erfreute sich großer Beliebtheit, in dem Musik-, Theater-, Ballett- und Popnummern nach thematischen, nationalen oder anderen Prinzipien kombiniert wurden. Die Arbeit an der Verfilmung literarischer Werke („Hochzeit“ und „Anniversary“ von A.P. Tschechow, „Schuldig ohne Schuld“ von A.N. Ostrovsky) wurde fortgesetzt. Es wurden mehrere historisch-revolutionäre Filme produziert.

Der Krieg war also eine schwierige, aber fruchtbare Zeit im Leben der Filmemacher. Die Meister von Mosfilm und Sojusdetfilm reagierten umgehend auf die Wünsche ihrer Zuschauer, spiegelten in ihren Filmen wahrheitsgetreu und leidenschaftlich die Bilder der Helden des Ersten Weltkriegs wider und führten die Traditionen des sowjetischen Kinos fort und entwickelten sie weiter. Die weit verbreitete Entwicklung der chronisch-dokumentarischen Kinematographie mit ihrer wahrheitsgetreuen, genauen und zugleich wahrhaft künstlerischen Darstellung aller wichtigen militärischen Ereignisse verhalf einer besonderen Art der Filmkunst – dem figurativen Journalismus – zu einem ehrenvollen Platz in der sowjetischen Kultur.

3.2. Propagandaplakat als Hauptform der bildenden Kunst während des Großen Vaterländischen Krieges

Während des Großen Vaterländischen Krieges waren ein starker nationaler Aufschwung und die Einheit der Völker der UdSSR zu spüren. In allen Bereichen der Wirtschaft und Kultur sowie der Militärindustrie wurden gute Ergebnisse erzielt, die Gesellschaft mobilisierte und arbeitete für den Sieg. Die Künstler standen zusammen mit dem ganzen Volk in militärischer Formation. Junge Handwerker machten sich auf den Weg zu den Militärregistrierungs- und Einberufungsämtern, um sich als Freiwillige für die Rote Armee zu melden. 900 Mitglieder des Künstlerbundes kämpften an der Front und waren Soldaten. Fünf von ihnen wurden zu Helden der Sowjetunion.

Nirgendwo auf der Welt wurde im 20. Jahrhundert politischem Plakat eine so große Bedeutung beigemessen wie in der UdSSR. Die Situation erforderte das Plakat: Revolution, Bürgerkrieg, gewaltiger Aufbau, Krieg gegen den Faschismus. Die Behörden stellen den Menschen große Aufgaben. Das Bedürfnis nach direkter und schneller Kommunikation – all dies diente als Grundlage für die Entwicklung des sowjetischen Plakats. Er wandte sich an Millionen Menschen und löste mit ihnen oft Probleme über Leben und Tod.

Das Plakat hatte während des Großen Vaterländischen Krieges großen Erfolg. Vom Umfang her ist dieser Zeitraum mit der Entwicklung der Plakatkunst während der Oktoberrevolution und des Bürgerkriegs vergleichbar, es wurden jedoch Hunderte Male mehr Plakatbögen geschaffen, viele Plakate wurden zu Klassikern der sowjetischen Kunst. In seinem Geist, in seiner Fähigkeit, mobil auf die Ereignisse der Gegenwart zu reagieren, erwies sich das Plakat als eines der wirksamsten Mittel, um die Gefühle der gesamten Bevölkerung auszudrücken, zum Handeln aufzurufen, für die Verteidigung des Vaterlandes usw Ankündigung dringender Neuigkeiten von vorne und hinten. Die wichtigsten Informationen mussten mit einfachsten und effektivsten Mitteln und in kürzester Zeit vermittelt werden.

Jede Kriegsperiode hatte ihre eigenen Aufgaben, die alle dringende Lösungen erforderten. Das Plakat diente als Mittel zur Informationsübermittlung in die Gebiete, in denen es keine besetzten Kommunikationslinien gab, in denen aber sowjetische Partisanen operierten. Plakate erfreuen sich außerordentlicher Beliebtheit. Ihr Inhalt wurde von Mund zu Mund nacherzählt und wurde zu einem populären Gerücht.

"...Nacht. Anwohner kommen, um den Pfadfindern zu helfen. Leise schleichen sich furchtlose Patrioten in der Dunkelheit durch die Straßen und Gassen des Dorfes, wobei sie deutschen Wachen und Patrouillen sorgfältig ausweichen, und legen, falls dies fehlschlägt, farbige Tafeln mit sowjetischen Plakaten und „TASS-Fenstern“ auf dem Boden aus. Plakate werden an Zäunen, Scheunen und Häusern aufgeklebt, in denen die Deutschen stationiert sind.

Plakate, die tief hinter den deutschen Linien verteilt sind, sind Nachrichten vom großen Vaterland, eine Erinnerung daran, dass Freunde nahe sind. „Die Bevölkerung, der der sowjetische Rundfunk und die sowjetische Presse entzogen sind, erfährt oft aus diesen wie aus dem Nichts aufgetauchten Plakaten die Wahrheit über den Krieg …“, so spricht ein Veteran des Großen Vaterländischen Krieges über das Plakat.

Aus Zeitmangel waren nicht alle Plakate hochwertig angefertigt, vermittelten aber trotz allem ein großes und aufrichtiges Gefühl, denn angesichts von Tod und Leid war es unmöglich zu lügen.

Die größten Zentren für die Massenveröffentlichung von Plakaten in den Jahren 1941-1945 waren die Moskauer und Leningrader Filialen des Staatsverlags „Iskusstvo“. Plakate wurden auch in großen Städten Sibiriens, des Fernen Ostens, der Wolgaregion, Zentralasiens und Transkaukasiens gedruckt und von politischen Agenturen der Roten Armee und der Marine sowie von Zeitungsredakteuren herausgegeben. Ebenso häufig wurden Plakate von Hand und mit einer Schablone angefertigt, was ihre Herstellung beschleunigte, eine Verbreitung in tausenden Exemplaren jedoch unmöglich machte.

Während des Großen Vaterländischen Krieges arbeiteten viele Künstler im Genre der Plakatkunst, die weder vor noch nach dem Krieg mit Plakaten gearbeitet hatten.

Plakatkünstler reagierten schnell auf die Ereignisse der ersten Kriegstage. Innerhalb einer Woche wurden fünf Plakatbögen in Massenauflage herausgebracht, und die Verlage bereiteten den Druck von über fünfzig weiteren vor. Am Abend des 22. Juni 1941 erstellten die Kukryniksy (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov) eine Skizze des Plakats „Wir werden den Feind rücksichtslos besiegen und vernichten.“ Später wurde das erste Plakat des Großen Vaterländischen Krieges mehr als einmal in gedruckter Form reproduziert und in England, Amerika, China, Iran, Mexiko und anderen Ländern veröffentlicht.

„In der Originalfassung“, heißt es in dem Buch „Der Zweite Weltkrieg: Kino und Plakatkunst“, „durchbohrte das Bajonett des Soldaten der Roten Armee Hitlers Hand, sodass das Plakat eher wie eine Warnung klang.“ Aber es wurde bereits mit einem anderen Plot gedruckt. Das Bajonett steckte direkt in Hitlers Kopf, was voll und ganz dem Endziel der sich abspielenden Ereignisse entsprach. Auch die gelungene Kombination heroischer und satirischer Bilder in der Plakathandlung entsprach dem Zeitgeist. Eine ähnliche Kombination wurde oft von den Kukryniksy und anderen Künstlern verwendet.

Es ist zu beachten, dass sich auf der rechten Seite des Plakats der Soldat der Sowjetarmee und auf der linken Seite Hitler befindet. Interessanterweise stellen viele sowjetische Militärplakate gegnerische Kräfte auf ähnliche Weise dar. Die Ergebnisse psychologischer Experimente deuten darauf hin, dass der Betrachter beim Betrachten eines Bildes, einer Zeitungsseite oder eines Posters zunächst das obere rechte Quadrat wahrnimmt und von hier aus seinen Blick auf den Rest des Bildes richtet. Somit nimmt das obere rechte Quadrat und allgemein die rechte Seite eines Bildes oder Plakats aus Sicht der Psychologie der visuellen Wahrnehmung einen besonderen Platz ein. Auf vielen Militärplakaten sind an dieser Stelle Soldaten der Roten Armee abgebildet, die zum Angriff auf die Nazis stürmen, deren Figuren auf der linken Seite des Plakats im unteren Teil platziert sind. Eine solche Lösung hilft, den Inhalt tiefer zu offenbaren und erhöht die Ausdruckskraft des Werkes.“

Darüber hinaus wurden vom 22. bis 29. Juni 1941 N. Dolgorukovs Plakate „So war es... So wird es sein!“, „Lasst uns die faschistischen Barbaren vom Erdboden fegen“, Kukryniksovs „Napoleon wurde besiegt, das Gleiche wird dem arroganten Hitler widerfahren“, und Kokorekin „Tod dem faschistischen Ungeziefer!“

Das satirische Plakat erfreute sich während des Krieges großer Beliebtheit. Er verband die Traditionen des Bürgerkriegsplakats mit den Errungenschaften politischer Zeitungs- und Zeitschriftenkarikaturen der 30er Jahre. Die Künstler nutzten gekonnt die Sprache der Metapher, der satirischen Allegorie und die Flachheit eines weißen Blattes Papier, auf dem die Silhouette der Figuren deutlich zu erkennen und der Slogan deutlich lesbar war. Geschichten über die Konfrontation zwischen Kräften waren beliebt: das Böse aggressiv und fair verteidigend.

Besonders viele satirische Plakate entstanden im Jahr 1941. Darunter können wir eine Reihe interessanter Poster auflisten: Kukryniksy „Kannibalen-Vegetarier oder zwei Seiten derselben Medaille“; B. Efimov, N. Dolgorukov „Sie traten auf – sie hatten Spaß, zogen sich zurück – sie vergossen Tränen“; N. Dolgorukov „So war es... So wird es sein!“; Kukryniksy „Wir werden dem bösen Feind alle Wege abschneiden, aus der Schleife, er wird dieser nicht entkommen!“ Das satirische Plakat zeigte den Feind in einem komischen Licht, sowohl als er zu Beginn des Krieges furchterregend und gefährlich war, als auch zu der Zeit, als die deutsche Armee ihre ersten Niederlagen zu erleiden begann. Auf dem Plakat „Der Teufel ist nicht so schrecklich, wie er dargestellt wird“ präsentierten die Kukryniksy eine Szene aus dem Berliner Hofleben. In Wirklichkeit war der Führer dünn, aber auf der Leinwand ist er ein starker Mann mit großem Bizeps.

Helle Plakate wurden von I. Serebryany „Machen Sie es, beißen Sie es!“, N. Dolgorukov „Er hört bedrohliche Melodien“ und V. Denis „Nach Moskau!“ erstellt. Hoh! Aus Moskau: oh“, „Das Gesicht des Hitlerismus“ und andere. Die meisten satirischen Plakate wurden von TASS Windows produziert.

Plakat von A. Kokorekin „Tod dem faschistischen Ungeziefer!“ ähneln in Handlung und künstlerischer Ausführung dem Werk der Kukryniksy – ähnliche Farbgebung, Verwendung des heroischen Bildes eines sowjetischen Kriegers. Es wurde eine gelungene symbolische Charakterisierung des Faschismus gefunden. Der Feind wird als sich windende riesige Schlange in Form eines Hakenkreuzes dargestellt, die von einem Soldaten der Roten Armee mit einem Bajonett durchbohrt wird. Die Arbeit wurde mit einer typischen Postertechnik durchgeführt: kein Hintergrund, nur schwarze und rote Farben. Das Bild der kämpfenden Kräfte – aggressiv und reflektierend für Aggression – wird in scharfem Gegensatz dargestellt. Aber beide Figuren haben eine flache Silhouette. Die Beschränkung der Farben war auf die Notwendigkeit zurückzuführen – für eine schnelle Reproduktion im Druck musste die Farbpalette klein sein.

Auf dem Plakat von N. Dolgorukov „So war es... So wird es sein!“ Es wird auch eine begrenzte Farbpalette verwendet, das Bild ist silhouettiert. Generell ist festzuhalten, dass Künstler im ersten Kriegsjahr viele Silhouettenplakate mit wenig Farbe schufen, auf denen die Helden verallgemeinert und nicht individualisiert dargestellt wurden. Das historische Thema erfreute sich großer Beliebtheit. In der ersten Phase des Krieges zielten die Hauptbemühungen darauf ab, die Natur des Krieges und die Ziele der UdSSR darin zu erklären.

Die Unabhängigkeit und Stärke des Volkes, das begann, seinen eigenen sozialistischen Staat zu schaffen, wurzelte in der heroischen Vergangenheit Russlands. So wie unsere Urgroßväter Napoleon vertrieben, so wird die heutige Generation Hitler vertreiben, so wie unsere Väter für die Revolution und die Freiheit gekämpft haben, so werden wir kämpfen – ähnliche Parolen standen auf Plakaten und Flugblättern, und es gab kaum Zweifel darüber.

Von den ersten Kriegstagen an arbeiteten Künstler der älteren Generation weiterhin aktiv: D. Moor, V. Denis, M. Cheremnykh. Der Geist revolutionärer Plakate war auch in ihrer Arbeit präsent. Oft verwendeten Künstler alte Methoden, um neue Ereignisse in einer neuen Ära darzustellen. Nicht alle Arbeiten waren erfolgreich. Zum Beispiel wiederholte Moore sein berühmtes Plakat „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“, änderte dabei leicht das Zeichen und ersetzte die Aufschrift durch „Wie haben Sie der Front geholfen?“ Dieses Werk hatte jedoch nicht den Erfolg, den das erste Plakat des Meisters hatte. Denn wie der Plakatkünstler V. Ivanov schreibt: „In der Kunst gibt es keine genauen Regeln, aber strenge Gesetze.“ Und der genialste Schachzug kann nicht wiederholt werden“, da er durch die Wiederholung seine Frische und Wirkungsschärfe verliert.

Vergleichen wir das vorherige Poster mit dem berühmten Werk von I. Toidze „Das Mutterland ruft!“ Es wurde in Millionen Exemplaren in allen Sprachen der Völker der UdSSR veröffentlicht und seine Popularität ist kein Zufall. Genau wie Moore platziert Toidze eine vollständige monolithische Silhouette auf der Blattebene und verwendet dazu nur eine Kombination aus zwei Farben – Rot und Schwarz. Durch den niedrigen Horizont erhält das Plakat eine monumentale Wirkung. Aber die Hauptwirkungskraft dieses Plakats liegt im psychologischen Inhalt des Bildes selbst – im Ausdruck des aufgeregten Gesichts einer einfachen Frau, in ihrer einladenden Geste.

In den ersten Kriegsmonaten waren die Motive der Heldenplakate mit Szenen von Angriffen und Einzelkämpfen zwischen einem sowjetischen Soldaten und einem Faschisten gefüllt, wobei das Hauptaugenmerk in der Regel auf die Darstellung der Bewegung gewalttätigen Strebens nach dem Krieg gelegt wurde Feind. Dies sind die Plakate: „Vorwärts für unseren Sieg“ von S. Bondar, „Unsere Sache ist gerecht.“ Der Feind wird besiegt!“ R. Gershanika, „Die Nazis werden nicht passieren!“ D. Shmarinova, „Vorwärts, Budenoviten!“ A. Polyansky, „Wir werden den Feind mit einer Stahllawine vernichten“ V. Odintsov, „Schneiden Sie die Reptilien!“ M. Avilova: „Zeigen wir den verabscheuungswürdigen faschistischen Mördern, wie ein sowjetischer Seemann kämpfen kann!“ A. Kokorekina. Die mehrfigurige Komposition dieser Plakate sollte die Idee der landesweiten Natur des Widerstands gegen den Feind unterstreichen. A. Kokoshs Plakat „Ein Kämpfer, der umzingelt ist“ forderte, die Invasion um jeden Preis zu stoppen. Kämpfe bis zum letzten Blutstropfen!“

Nicht selten handelte es sich bei den Plakaten um Episoden der Mobilisierung und der Bildung einer Volksmiliz. Zum Beispiel „Die mächtige Volksmiliz“ von V. Tsvetkova, „Jugend, zieh in den Kampf für das Vaterland!“ V. Pravdina, „Die Verteidigung des Vaterlandes ist die heilige Pflicht eines jeden Bürgers der UdSSR“ von Z. Pravdina. Das Fotoplakat „Unsere Kräfte sind unzählig“ von V. Koretsky trug die Idee, eine einzige Volksmiliz zu schaffen, um den Feind zu bekämpfen. Der Künstler wandte sich dem Symbol des russischen Nationalpatriotismus zu – der Skulptur von I. Martos „Minin und Poscharski“, die auf dem Plakat Moskau und das gesamte multinationale sowjetische Volk verkörperte. Dann, im Juni, schuf V. Koretsky die Komposition „Be a Hero!“ Dieses mehrfach vergrößerte Plakat wurde entlang der Straßen Moskaus angebracht, an denen in den ersten Kriegswochen Kolonnen mobilisierter Stadtbewohner entlangzogen. Die Verteidiger Leningrads wurden von W. Serows Plakat „Unsere Sache ist gerecht – der Sieg wird unser sein“ in die Schlacht geführt.

In den Plakaten von 1941 wurde der Inhalt oft durch die Anwesenheit einer zweiten symbolischen Ebene, einer historischen Parallele, vertieft. Die Künstler verglichen moderne Krieger und Generäle der Vergangenheit, Szenen moderner Schlachten und konventionelle allegorische Bilder, die das Mutterland symbolisierten. Auf den Plakaten waren immer wieder russische Nationalhelden zu sehen, die ihre Nachkommen zum Kampf gegen den Feind aufriefen. Es wurden Blätter herausgegeben, auf denen Alexander Newski, Suworow, Kutusow sowie die Helden des Bürgerkriegs Tschapajew und Schtschors abgebildet waren. Zu solchen Plakaten gehört: „So war es: So wird es sein!“ N. Dolgorukova, „Unser Land ist ruhmreich für seine Helden“ V. Govorkova, „Zu den Waffen, Slawen! „Lasst uns die faschistischen Unterdrücker besiegen“ von V. Odintsov, „Brüste zur Verteidigung Leningrads“ von A. Kokorekin.

Eines der häufigsten Motive war das Bild einer Frau, die einen Mann ersetzte, der an der Front an einer Werkzeugmaschine, am Steuer eines Traktors oder am Steuer eines Mähdreschers stand. Die besten Poster zum Thema „Mehr Brot für vorne und hinten. Ernten Sie die Ernte vollständig ab!“ N. Vatolina und N. Denisova, „Mädchen sitzen mutig auf einem Traktor!“ T. Eremina, „Wir haben unseren Ehemännern geschworen“ M. Bri-Bein: „Je stärker das Heck, desto stärker das Vorderteil!“ O. Eiges. Viele Plakate berührten das Thema Arbeitsdisziplin: „Fehlzeiten müssen vollständig abgeschafft werden!“ S. Igumanova, „Ehefeind“ B. Clinch, „Autofahrer! Ununterbrochen Waren an die Front liefern“ Y. Beketova, „Schrott sammeln“, „Wie haben Sie der Front geholfen?“ und andere. Eines der bekanntesten Heimatfrontplakate ist „Don’t Talk!“ gehört dem Moskauer Künstler N. Vatolina.

Kriegsplakate sind nicht nur Originalkunstwerke, sondern auch echte historische Dokumente.

1941 und 1942 brachte der sowjetischen Staffeleikunst während des Krieges die ersten bedeutenden Erfolge. Der Künstler A. Deineka hat mit großer künstlerischer Ausdruckskraft den Manezhnaya-Platz mit seinen mit Tarnfarbe bedeckten Häusern eingefangen. 1942 schuf er die wunderbare Landschaft „Stadtrand von Moskau. November 1941“ – Moskau mit durch Panzerabwehrhindernisse blockierten Straßen, vorsichtig und streng.

Im gleichen Zeitraum erschienen zahlreiche grafische Werke. Darunter befanden sich Zeichnungen von A. Laptev und Stiche von M. Pikov, die über den Bau von Verteidigungsanlagen berichteten, eine Zeichnung von P. Sokolov-Skal „Im Bolschoi-Theater in Moskau im Jahr 1941“, Stiche von zwei der größten Moskauer Meister der Farbgravur I. Pawlow und I. Sokolow. Das erste gehört zu dem dramatischen Blatt „Feuer der Bücherkammer“, das der Künstler 1946 fertigstellte, das zweite – eine ganze Reihe von Stichen, vereint unter dem allgemeinen Titel „Moskau im Jahr 1942“ (1943).

Der erste Kriegswinter brachte der Kunst ein ausgeprägtes Gespür für das Drama der großen Schlacht, den Heldenmut des Volkes und die bemerkenswerten Qualitäten des sowjetischen Mannes, der zu den Waffen griff, um sein Vaterland zu verteidigen. Dieses Gefühl kam in einer ganzen Reihe von Gemälden, Skulpturen und Grafiken zum Ausdruck, die 1942 entstanden und sozusagen das Ergebnis des Verständnisses der Künstler für die erste Kriegsphase waren. Diese Werke erschienen erstmals 1942 auf einer Ausstellung in den kalten Hallen des Museums der Schönen Künste. Im selben Jahr wurde in Moskau eine Ausstellung Leningrader Künstler gezeigt und am 7. November 1942 die Ausstellung „Der Große In der Hauptstadt wurde die Ausstellung „Patriotischer Krieg“ eröffnet, die im Wesentlichen die erste gesamtunionische Kriegskunstausstellung war. Einen großen Platz in der Ausstellung nahmen Gemälde ein, die der heroischen Schlacht um Moskau gewidmet waren („Die Heldentat von 28 Panfilov-Helden“ von D. Mochalsky, „Parade auf dem Roten Platz am 7. November 1941“ von K. Yuon usw.) sowie das Leben im Moskauer Krieg (P Konchalovsky, „Wo spenden sie hier Blut?“ usw.). Bei dieser Ausstellung sahen die Moskauer zum ersten Mal die Werke von Künstlern, die an der Front standen.

Zur gleichen Zeit schuf der Künstler O. Vereisky seine großartigen Illustrationen für A. Tvardovskys Gedicht „Wassili Terkin“, inspiriert von der Schlacht um Moskau.

Große Werke allgemeiner Natur, die 1942 erschienen, vermittelten ein ausgeprägtes Gespür für die Tragödie des Kampfes, einen wütenden Protest gegen die unmenschliche Grausamkeit des Faschismus. In diesem Ton malte A. Plastov sein Gemälde „Der Deutsche flog vorbei“. Die grausame Grausamkeit der Faschisten wird durch das Gemälde „Tanja“ von Kukryniksy entlarvt. Bezeichnend ist, dass in beiden Gemälden das Gefühl der Schönheit und Größe des russischen Landes und der russischen Natur mit besonderer Kraft zum Ausdruck kommt.

D. Shmarinovs Grafikserie „Wir werden nicht vergessen, wir werden nicht vergeben!“ steht diesen Gemälden in ihrer ideologischen Struktur nahe. (1942).

Zu den Werken über die ersten Phasen des Krieges, über die Stärke des Volkes, das im brutalen Kampf und Leid immer stärker wurde, gehörte die Statue „Unconquered“ von E. Balashova aus dem Jahr 1943. In verallgemeinerter Form wurden die Ideale des mutigen Heldentums in der Skulptur „Partisan“ von V. Mukhina und in der 1942 ausgeführten Statue „Zoya“ von M. Manizer verkörpert.

Während 1943-1944. Es gab eine Ausstellung von Künstlern der Sowjetunion „Heroic Front and Rear“. Auf den Ausstellungen nahmen Grafiken und vor allem Frontzeichnungen einen großen Platz ein. Eine große Anzahl von den Partisanen gewidmeten Zeichnungen wurde von N. Schukow geschaffen, der in diesen Jahren das nach ihm benannte Atelier der Militärkünstler leitete. Grekova. Die Meister des Studios haben fast alle Fronten besucht. Der natürliche Abschluss der Arbeit griechischer Künstler auf dem Gebiet der Grafik während der Kriegsjahre waren die Zeichnungen von V. Bogatkin, A. Kokorin und anderen Künstlern, die sich der Eroberung Berlins widmeten.

Während der Kriegsjahre entwickelte sich die Buchgrafik erfolgreich weiter, vertreten durch die Werke von Kukryniksy, D. Shmarinov, B. Dekhterev, E. Kibrik. Die Malerei erlangte in den letzten Kriegsjahren neue Kraft und neue Themen. Gemälde Moskauer Künstler „Nach dem Abzug der Nazis“ von T. Gaponenko (1943-1946) und „Mutter des Partisanen“ von S. Gerasimov (1943) zeigten die Stärke und Widerstandsfähigkeit des Charakters des Volkes. Das monumentale Gemälde von F. Bogorodsky „Ehre sei den gefallenen Helden“ (1945) klang wie ein feierliches Requiem für diejenigen, die für die Freiheit und Unabhängigkeit des Mutterlandes starben.

Eine große Anzahl von Kriegsgemälden ist von einem lebendigen und ausgeprägten Sinn für die Wahrheit gewöhnlicher, aber von tiefem patriotischem Inhalt erfüllter Ereignisse im Leben des sowjetischen Volkes durchdrungen. Dies sind die Werke von Yu. Pimenov, die Frontstraßen und Szenen in Gemüsegärten in der Nähe von Moskau darstellen; Werke von A. Plastov, die der harten Arbeit der Bauern gewidmet sind; Gemälde eines jungen Künstlers aus dem griechischen Atelier von B. Yemensky „Mutter“ (1945). Es erschien eine bedeutende Anzahl von Gemälden zu historischen Themen der Künstler E. Lanceray, M. Avilov, N. Ulyanov und A. Bubnov. Andere Genres der Malerei entwickelten sich während der Kriegsjahre weiter stark. In der Porträtmalerei kam das mutige Bild des sowjetischen Patrioten besonders deutlich zum Ausdruck (Werke von A. Gerasimov, P. Kotov usw.). In der Landschaftsmalerei kam die Idee der Liebe zum Vaterland und der leidenschaftlichen Verbundenheit mit dem russischen Land in zahlreichen Gemälden von V. Baksheev, V. Meshkov, M. Nesterov, N. Krymov, I. Grabar und S. Gerasimov zum Ausdruck , N. Romadin und andere. B. Rybchenkov und K. Kupetsio arbeiteten in diesen Jahren in Moskauer Landschaften. Während der Kriegsjahre entstanden in Moskau weiterhin Mosaike und monumentale Gemälde. Erinnern wir uns an das den militärischen Heldentaten des russischen Volkes gewidmete Mosaik an der U-Bahn-Station Avtozavodskaya (1943, Künstler V. Bordichenko und andere). Mit dem Bau der U-Bahn war in jenen Jahren auch die Entwicklung der Monumentalskulptur verbunden. G. Motovilov widmete seine Reliefs am Bahnhof Elektrozavodskaya der Arbeit der Moskauer Arbeiter. Generell zeichneten sich in den letzten Kriegsjahren im Bereich der Bildhauerei zwei Strömungen ab. Die erste davon ist die Schaffung von Porträts und Skulpturengruppen, in denen eine Person wie in einer Minute Pause zwischen den Kämpfen festgehalten wird. Die Porträts von Oberst Jussupow (1942) von V. Mukhina und des Dichters A. Tvardovsky (1943) von S. Lebedeva sind von lebendiger Spontaneität durchdrungen. Der zweite Trend ist das Monumental-Denkmal. Große Teams Moskauer Künstler arbeiteten an skulpturalen Porträts für Denkmäler. Bei der Entwicklung dieser Art von Skulptur, die einen verallgemeinerten heroischen Charakter hat, haben Meister wie E. Vuchetich, der Autor der temperamentvoll-romantischen Büste von I. D. Chernyakhovsky (1945), N. Tomsky, der Autor von, große Beiträge geleistet das Porträt des zweifachen Helden der Sowjetunion M. G. Gareeva (1945). Während des Krieges spielte die bildende Kunst eine große erzieherische und mobilisierende Rolle, indem sie die Heldentaten des Volkes und seiner Armee verherrlichte, zum besseren Verständnis der Ereignisse beitrug, den Hass auf die faschistischen Invasoren weckte und den Sinn des Volkes für sowjetischen Patriotismus stärkte.

1. Kriegsmusik

Die Kriegszeit war eine der fruchtbarsten in der Geschichte der sowjetischen Musik. In diesen Jahren schufen Komponisten viele herausragende Werke voller Glauben an den Sieg einer gerechten Sache. Darunter waren große symphonische Werke, Kantaten-Oratorien, Kammermusik, Opern und natürlich vor allem Lieder.

Das Kampflied und der Marsch begleiteten die Soldaten den ganzen Krieg über und spornten sie zu Heldentaten an. Und ein warmes, gefühlvolles Lied schmückte die Freizeit in den ruhigen Stunden zwischen den Schlachten und brachte die Krieger zusammen. Von den ersten Kriegstagen an wurde das Lied zu einer wahren Volkskunst, zur Stimme der heroischen Seele des Volkes. Bemerkenswert ist, dass Moskauer Komponisten allein in den ersten beiden Kriegstagen 40 Lieder schrieben und vier Tage später bereits über 100 waren.

Eines der bemerkenswertesten Lieder aus der Anfangszeit des Krieges, „Der Heilige Krieg“ von A. Alexandrov, erlangte sofort allgemeine Anerkennung. Ihr episch strenges Auftreten enthielt ein wahrhaft nationales Bewusstsein für patriotische Pflicht. Monumental im Inhalt, lakonisch im Ausdruck, wurde dieses Lied schon damals zum „musikalischen Wahrzeichen des Großen Vaterländischen Krieges“.

Auch andere Kriegslieder erfreuten sich großer Beliebtheit. Es gab vielleicht niemanden, der die Lieder von M. Blanter nicht kannte („Im Wald nahe der Front“ nach den Worten von M. Isakovsky, „Warte auf mich“ nach den Worten von K. Simonov). Zum goldenen Fundus der sowjetischen Liedkultur gehören auch „Song of the Brave“ von V. Bely (Text von A. Surkov), „Oh, my Fogs, Foggy“ von V. Zakharov (Text von M. Isakovsky), „The Harshly lauter Wald von Brjansk“ von S. Katz (Text von A. Sofronova), „Lied vom Dnjepr“ von M. Fradkin (Text von E. Dolmatovsky), „Der Schatzstein“ (Text von A. Zharov) und „Lied der Verteidiger“. von Moskau“ (Text von A. Surkov) von B. Mokrousov, „Samoware-Samoware“ „, „Wasja-Kornblume“, „Wo der Adler seine Flügel ausbreitete“ (Text von S. Alymov) von A. Novikov, „In der Unterstand“ von K. Listov (Text von A. Surkov) und vielen anderen.

In den harten Kriegsjahren erlangte die militärische Blasmusik große Bedeutung. In Einheiten der Sowjetarmee waren in Radiosendungen ständig Volksmärsche zu hören: „Kapitän Gastello“, „Volksrächer“, „Heimat Moskau“, „Siegesmarsch“ von N. Ivanov-Radkevich, „Der Sieg gehört uns“, „Der Der Feind wird besiegt“, „Fighting Friends“ von M. Starokadomsky, „Marsch der Mörsergarde“, „Gegenmarsch“ von S. Chernetsky, „Helden des Vaterländischen Krieges“ von A. Khachaturyan, „Für das Mutterland“ von N. Rakov usw.

In dem Bemühen, die Ereignisse unserer Zeit künstlerisch und philosophisch zu verallgemeinern, schufen sowjetische Komponisten neben der Gattung des Massenliedes eine Reihe monumentaler symphonischer Werke.

Die Werke der symphonischen Musik offenbarten die bemerkenswerten Merkmale des russischen Nationalcharakters, die reiche geistige Welt des Sowjetmenschen, seinen Mut und sein Heldentum. Während der Kriegsjahre lernte man D. Schostakowitschs 7. Symphonie kennen; mit der 22., 23. und 24. (1941-1943) „militärischen“ Symphonie von N. Mjaskowski; S. Prokofjews 5. Symphonie (1944), die der Autor als „eine Symphonie der Größe des menschlichen Geistes“ verstand. Die 2. Symphonie von V. Muradeli (1944) war „Unserem Kampf und Sieg“ gewidmet, die monumentale 2. Symphonie von A. Khachaturian (1943) erregte großes Interesse.

Die Kammervokalmusik wurde deutlich bereichert und ihr Genreumfang erweitert. Erweiterte Formen wurden vorherrschend - Ballade, Arioso,

Monolog, Liebeszyklen, vereint durch ein gemeinsames Thema. Grundlage des Inhalts, der Bandbreite ihrer Themen und Handlung waren heroische und lyrische Motive. Dies sind die Gesangszyklen von A. Aleksandrov „Three Cups“ (Text von N. Tikhonov), Y. Levitin „My Ukraine“ (Texte von M. Golodny, S. Gorodetsky, S. Golovanivsky), V. Netschajew „Über Tapferkeit , über Leistung, über Ruhm“ (Texte von A. Akhmatova, E. Dolmatovsky, K. Simonov und M. Isakovsky), Romanzen von A. Alexandrov, N. Rakov, T. Khrennikov usw.

Im Genre der Chormusik erfreuen sich die leuchtenden Werke von D. Kabalevsky großer Beliebtheit: die Suite „People's Avengers“ (1942) zum Text von E. Dolmatovsky, die Chorsuite von M. Koval „Ural-Bogatyr“ (1943). ) zu den Texten von V. Kamensky, M. Matusovsky, Chören A. Novikov.

Das moderne Thema, Bilder der Helden des Vaterländischen Krieges, das Thema der Liebe zum Vaterland haben das Genre der Kantate und des Oratoriums weithin durchdrungen. In den Kriegsjahren entstanden so bedeutende Werke wie das Oratorium von Yu. Shaporin „Die Legende der Schlacht um das russische Land“ (1943-1944) nach Texten von K. Simonov, A. Surkov, M. Lozinsky und S . Severtsev, Kantaten von N. Myaskovsky „Kirov ist bei uns“ nach dem gleichnamigen Gedicht von N. Tikhonov (1943) und „Am Ufer des Wolchow“ (1943) von M. Chulaki nach dem Text von V . Rozhdestvensky – beide sind der Heldenstadt Leningrad gewidmet, Kantate „Das große Vaterland“ (gest. 1942) von D. Kabalevsky nach Texten von S. Stalsky, A. Prokofjew, G. Tabidze, R. Rza und anderen.

1941-1945. sah die Veröffentlichung der Oper „Emelyan Pugachev“ (1942) von M. Koval, „Suworow“ (1942) von S. N. Vasilenko, „Krieg und Frieden“ (Erstausgabe, 1943) von S. Prokofjew, deren Hauptfigur war das heldenhafte russische Volk. Und es ist kein Zufall, dass die besten Episoden dieser Opern mit der Verkörperung des Volksbildes verbunden sind. Zum ersten Mal wurde S. Prokofjews Oper „Krieg und Frieden“ am 2. und 11. Juni 1943 in Moskau im Großen Saal des Moskauer Konservatoriums konzertant aufgeführt.

In der Ballettmusik haben sich heroische und märchenhaft-fantastische Themen entwickelt. Interessante und grundlegend neue Aufführungen der Kriegszeit waren S. Prokofjews Ballett „Aschenputtel“ (1941-1944), das im Dezember 1945 auf der Bühne des Bolschoi-Theaters aufgeführt wurde, und Yu. Yurovskys Ballett „Scharlachrote Segel“, das von a Filiale des Bolschoi-Theaters in Moskau im Dezember 1943

Moskauer Komponisten haben im Bereich der Filmmusik viel Interessantes und Neues geschaffen. Musik für Filme beschränkte sich bei weitem nicht nur auf Lieder: Gerade in Filmen, die dem Krieg gewidmet waren, erlangte die Musik eine eigenständige Bedeutung, indem sie mit verallgemeinerten symphonischen Mitteln den dramatischen Hauptkonflikt des Films zum Ausdruck brachte. Dies ist die Musik von S. Prokofjew für den Film „Meine Ukraine“, G. Popov für den Film „Sie verteidigt das Mutterland“, D. Schostakowitsch für den Film „Zoya“ und A. Khachaturyan für den Film „Man No. 217“. “, wo lebendige künstlerische, kontrastierende Bilder zweier Welten: einerseits Bilder des Mutterlandes, seiner glorreichen Helden und andererseits faschistische Eindringlinge. Die Musik von T. Khrennikov für den Film „Um sechs Uhr abends nach dem Krieg“, N. Bogoslovsky für den Film „Two Fighters“, Lieder von A. Lepin für „Combat Film Collection“ Nr. 7, usw. erfreuten sich großer Beliebtheit.

Die Bedeutung und Rolle der Musikkunst während der Kriegsjahre wurde jedoch nicht nur von schöpferischen Leistungen bestimmt. Musikalische Figuren leisteten einen großen Beitrag zur Organisation des Musiklebens sowohl an der Front als auch im Hinterland. Künstler der Musiktheater und Philharmoniegesellschaften der Hauptstadt, vereint in Frontbrigaden und Theatern, traten oft vor Soldaten der aktiven Armee auf. Künstler des Musiktheaters benannt nach. K. S. Stanislavsky und Vl. I. Nemirovich-Danchenko gründete das Fronttheater für Musikkomödie, dessen Aufführungen bei den Soldaten ein großer Erfolg waren. Die berühmten Künstler des Bolschoi-Theaters V. V. Barsova, M. D. Mikhailov, E. K. Kruglikova, das berühmte Quartett, das nach ihm benannt ist. Beethoven wurde oft an die Front geschickt; Beliebt waren die sogenannten Trench-Ensembles, die an vorderster Front auftraten.

Die Aktivitäten professioneller und Amateur-Konzertgruppen im Dienste der Soldaten nahmen ein enormes Ausmaß an. Neben den Konzertbrigaden traten auch Gesangs- und Tanzensembles der Armee an den Fronten auf.

Die internationale Bedeutung der sowjetischen Musik nahm in den Kriegsjahren enorm zu: Die besten ausländischen Interpreten und Dirigenten nahmen Werke vieler sowjetischer Komponisten in ihr Repertoire auf. Im Juli 1942 wurde D. Schostakowitschs 7. Symphonie unter der Leitung des berühmten Dirigenten A. Toscanini zum ersten Mal in den Vereinigten Staaten aufgeführt. Die Symphonie wurde häufig in die Programme der besten Orchester Europas aufgenommen. Die Werke von D. Kabalewski, N. Mjaskowski, S. Prokofjew, A. Chatschaturjan, T. Chrennikow und anderen sowjetischen Komponisten wurden oft im Ausland aufgeführt. Die sowjetische Musikkultur, deren Grundlage der Humanismus, der Kampf für Frieden und für eine bessere Zukunft der Menschheit ist, spielte während des Großen Vaterländischen Krieges eine große Rolle. Die Werke sowjetischer Musiker flößten den Menschen Liebe zum Vaterland, Mut, Heldentum und Hass auf Sklavenhalter und Kulturfeinde ein. Sowjetische Musiker erfüllten ihre Pflicht gegenüber ihrem Vaterland mit Ehre.

1. Abschluss.

Der Kampf um Freiheit und Unabhängigkeit des Vaterlandes während der Kriegsjahre wurde zum Hauptinhalt des Lebens des sowjetischen Volkes. Dieser Kampf erforderte von ihnen extreme geistige und körperliche Kraft. Und gerade die Mobilisierung der geistigen Kräfte des sowjetischen Volkes während des Großen Vaterländischen Krieges war die Hauptaufgabe unserer Literatur und unserer Kunst.

Der Große Sieg wurde zu einer gemeinsamen, nationalen Sache. Sie arbeitete Tag und Nacht vorne und hinten. Und ohne Übertreibung können wir sagen, dass auch Kulturschaffende ihren wichtigen Beitrag zur gemeinsamen Sache geleistet haben: Schriftsteller, Künstler, Musiker, Filmemacher.

Verweise:

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4. Golovkov A. „Gestern war Krieg.“ Zeitschrift „Ogonyok“, Nr. 25 1991
5. Geschichte Moskaus während des Großen Vaterländischen Krieges und der Nachkriegszeit Nauka Publishing House, M., 1967.

Während des Vaterländischen Krieges kämpften Künstler, Grafiker und Bildhauer wie das gesamte sowjetische Volk mit Bajonett und Feder. Von den ersten Tagen der Kriegserklärung an erschienen Karikaturen und Plakate in Zeitungen, Zeitschriften, Propagandaflugblättern und Flugblättern, die zum Kampf gegen die Faschisten aufriefen. Auch Künstler und Bildhauer taten alles für die Front und den Sieg. Während des Krieges entstanden Kunstwerke voller künstlerischer und emotionaler Wahrnehmung, die auch heute noch an den Patriotismus appellieren und den Betrachter nicht gleichgültig lassen.

Die herzliche Sprache eines Kriegsplakats

Das patriotische Plakat ist zu einer wirksamen ideologischen Waffe geworden. Mit einem minimalen Satz grafischer Werkzeuge wurden in kurzer Zeit lebendige künstlerische Bilder erstellt. Die Bilder auf dem Plakat waren für alle Bürger zugänglich und verständlich. Die Helden der Plakate riefen Mitgefühl, Hass auf den Feind und Liebe zum Vaterland hervor, den glühenden Wunsch, das Vaterland zu verteidigen.

Die Schöpfer der Plakate und ihre Werke sind zu Klassikern der sowjetischen patriotischen Grafik geworden. Lehrbuchbeispiele:

• Künstler I. Toidze und seine „Motherland Calls“;
• D. Shmarinov fordert „Rache“;
• V. Koretsky ruft: „Krieger der Roten Armee, rettet!“

Die Klassiker der sowjetischen patriotischen Plakate sind V. Ivanov, V. Kasiyan, A. Kokorekin, L. Golovanov und andere.

Scharfe Federkarikatur

Während des Vaterländischen Krieges wurden künstlerische Grafiken am deutlichsten durch satirische Karikaturen repräsentiert. Die Klassiker der sowjetischen Karikatur, die Kukryniksys, arbeiten für die Zeitung Prawda und andere gedruckte Publikationen. Fast täglich tauchen bissige Karikaturen von Faschisten auf, die die Bürger zum Widerstand auffordern und erzählen, wie grausam und heimtückisch der Feind ist und wie man ihn bekämpft.

Im belagerten Leningrad halten Karikaturisten die Moral aufrecht, indem sie die Zeitschrift „Combat Pencil“ herausgeben. In Georgia veröffentlichen Karikaturisten den Almanach „Bayonet and Pen“, in dem Meister L.D. zeichnete. Gudiashvili. Die Karikaturisten Boris Efimov und M. Cheremnykh arbeiteten mit TASS Windows zusammen und reagierten umgehend auf alltägliche Ereignisse an den Fronten. Humor und Satire inspirierten die Kämpfer und lenkten den gerechten Zorn des Volkes auf den heiligen Kampf.

Militärische Staffeleigrafiken

Während der Kriegszeit entwickelte sich die Staffeleigrafik aktiv. Diese Art von bildender Kunst, dynamisch und lakonisch in ihren künstlerischen Mitteln und Techniken, erforderte keine besonderen künstlerischen Materialien. Bleistift und Kohle waren immer griffbereit und ermöglichten es dem Künstler, Zeichnungen anzufertigen und das Gesehene und seine Eindrücke auf Papier zu dokumentieren.

Skizzen von M. Saryan, Lithographien von Vereisky, Aquarellzeichnungen von A. Fonvizin und Stiche von S. Kobuladze wurden zu Klassikern des Genres. Das Leben im belagerten Leningrad spiegelt sich in Gouachen der Künstler Y. Nikolaev und M. Platunov sowie in Aquarell- und Pastellzeichnungen von E. Belukha und S. Boym wider. Eine Reihe grafischer Skizzen von Dm. Shmarinov „Wir werden nicht vergessen, wir werden nicht vergeben!“ wurde 1942 in den von den Nazis befreiten Städten begonnen. Hergestellt mit Kohle und schwarzem Aquarell.

Der militärische Alltag und das Alltagsleben wurden in den Zeichnungen von L.V. festgehalten. Soifertis in schwarzem Aquarell. Die Serien „Sewastopol“, „Krim“, „Kaukasus“ entstanden von 1941 bis 1944. Genrebilder sind voller Stolz auf das sowjetische Volk, Optimismus und verherrlichen den Kampfgeist des Volkes.

Der Vaterländische Krieg und seine Helden in Kunstwerken

Die Militärmalerei, einschließlich der Schlachtengemälde, zeichnete sich in der Anfangsphase des Krieges nicht durch Detailtiefe aus. Diese Gemälde bestechen jedoch durch die Tiefe der Gefühle und die Lebendigkeit der Eindrücke, die der Künstler vermitteln wollte. Das Porträtgenre erfährt eine besondere Entwicklung. Künstler, inspiriert von den Heldentaten der Soldaten, versuchten, die inspirierten und ausdrucksstarken Gesichter der Helden einzufangen.

Eines dieser Gemälde war „Porträt eines Partisanenkommandeurs“ von F. Modorov aus dem Jahr 1942. Der Künstler malte eine ganze Galerie mit Porträts einfacher Partisanen und Militärkommandanten. In einer Kampfsituation und im Büro sind Kriegshelden konzentriert und entscheidungsfreudig, sie sind zuversichtlich in sich selbst und in den zukünftigen Sieg. Ebenfalls 1942 wurde das Porträt von Generalmajor Panfilov vom Künstler V. Yakovlev gemalt. Der Kommandant trägt einen Feldmantel auf den Schultern und ein Fernglas in der Hand. Es scheint, dass er gerade von der Front zurückgekehrt ist, aber bereits bereit ist, erneut in die Schlacht zu ziehen.

Kampfszenen und heldenhafter Widerstand gegen den Feind wurden auf dem monumentalen Gemälde von A.A. dargestellt. Deineka „Verteidigung von Sewastopol“ 1942. Für einen Moment erstarrten die Figuren der Matrosen, die feindliche Angriffe abwehrten. Jetzt werden Granatenbündel auf die Faschisten fliegen, einige der Feinde wurden bereits getötet. Die Intensität des Kampfes wird durch den roten Sonnenuntergang im Hintergrund verstärkt. Sonnenlicht bekämpft schwarze Rauchwolken, so wie Matrosen in Weiß gegen Faschisten in dunkelgrünen Uniformen kämpfen. Der Bewegungskontrast – ein schwingender Matrose und ein liegender Faschist – und der Farbkontrast – ein rot-schwarzer Sonnenuntergang und die strahlend weiße Uniform der Matrosen verleihen der Leinwand eine besondere künstlerische Ausdruckskraft. Es inspiriert auch den Betrachter, der vom Sieg über den Feind überzeugt ist.

Haushalts- und Genremalerei der Zeit des Zweiten Weltkriegs

Den Malern aus dem belagerten Leningrad V. Raevsky, V. Pakulin, N. Rutkovsky und N. Timkov gelang es, das Leben der Sowjetbevölkerung in der belagerten Stadt mit dokumentarischer Genauigkeit festzuhalten. Aus dem Gemälde von Y. Nikolaev „Warteschlange für Brot“, 1943. Kälte und Frost wehen über den Betrachter und die Hoffnung, auf die Brotration zu warten. Die Hoffnung hat die Stadtbewohner nie verlassen und sie haben es geschafft zu überleben!

Kuryniksy M.V. Kupriyanov, P.N. Krylov, N.A. Sokolov kam an den Ort ihres Todes, nachdem er von der Hinrichtung der Partisanin Zoya Kosmodemyanskaya erfahren hatte. Basierend auf frischen Eindrücken malten sie die Leinwand „Tanja“. Ein erschöpftes Mädchen blickt kurz vor dem Tod ungehorsam und hasserfüllt in die Augen der Henker. Zoya ist nicht gebrochen, sie hält ihren Kopf gerade, es scheint, als würde das Mädchen sprechen. Ihr Selbstvertrauen und ihre Stärke werden dem Publikum vermittelt.

Monumentale Kunst während des Vaterländischen Krieges

In der schwierigen Kriegszeit war auch die Monumentalkunst gefragt. Bildhauer gingen an die Front und schufen Skizzen und Porträts aus dem Leben unter schwierigen Kampfbedingungen. Sowjetische Monumentalisten versuchten, den patriotischen Aufstand des Volkes darzustellen: Militärszenen und heroische Arbeit an der Heimatfront. Dies gab der Entwicklung der Genre- und Monumentalskulptur neue Impulse.

Die von E. V. Vuchetich angefertigte Bronzebüste von General Tschernjachowski (1945–1946) wurde kanonisch. Die Statue „Politruk“ wurde 1942 von ihm geschaffen. Der politische Ausbilder ruft Soldaten zum Angriff auf, sein heroischer Impuls überträgt sich auf alle Anwesenden. Viele Bildhauer, die die Front besuchten, schufen Büsten und Porträts von einfachen Soldaten und Militärkommandanten. Unter ihnen:

• Werke von L. E. Kerbel – Porträts heldenhafter Piloten;
• I.G. Pershudchev - Porträt von General Kovpak, der medizinischen Ausbilderin Masha Shcherbachenko, Soldaten mit dem Siegesbanner Sergeant M.A. Egorov und Sergeant M.V. Kantaria;
• V. und Mukhina - Porträts der Obersten B. A. Yusupov, I. Ya. Khizhnyak;
• N.V. Tomsky - Porträt des zweifachen Helden der Sowjetunion M.T. Goreev.

Während des Vaterländischen Krieges spiegelten Künstler nicht nur die militärische Realität und den Kampf des sowjetischen Volkes wider, sondern entwickelten und verbesserten auch die künstlerische Kultur, unterstützten den Kampfgeist des Volkes, den Glauben an den Sieg und inspirierten es zu Heldentaten.

Mit Beginn des Großen Vaterländischen Krieges beteiligten sich Künstler aktiv am Kampf gegen den Feind. Einige von ihnen kämpften an der Front, andere schlossen sich Partisanenabteilungen und der Volksmiliz an. Zwischen den Kämpfen gelang es ihnen, Zeitungen, Plakate und Cartoons zu veröffentlichen. Im Hintergrund waren Künstler Propagandisten, sie organisierten Ausstellungen, sie verwandelten Kunst in eine Waffe gegen den Feind – nicht weniger gefährlich als das Original. Während des Krieges wurden viele Ausstellungen organisiert, darunter zwei gesamtunionische („Der Große Vaterländische Krieg“ und „Heroische Front und Rückseite“) und zwölf republikanische. In Leningrad, umgeben von der Belagerung, veröffentlichten Künstler eine Zeitschrift mit Lithografien, „Combat Pencil“, und zeigten zusammen mit allen Leningradern der ganzen Welt beispiellosen Mut und Standhaftigkeit.

Wie in den Revolutionsjahren nahm auch in den Kriegsjahren das Plakat den ersten Platz ein. Darüber hinaus sind zwei Phasen seiner Entwicklung deutlich erkennbar. In den ersten beiden Kriegsjahren hatte das Plakat einen dramatischen, ja sogar tragischen Klang. Bereits am 22. Juni erschien das Kukryniksy-Plakat „Wir werden den Feind rücksichtslos besiegen und vernichten!“. Er brachte den Hass der Bevölkerung gegen den eindringenden Feind zum Ausdruck, forderte Vergeltung und rief zur Verteidigung des Mutterlandes auf. Die Hauptidee bestand darin, den Feind abzuwehren, und sie wurde unabhängig von kreativen Individuen in einer harten, lakonischen Bildsprache ausgedrückt. Häusliche Traditionen waren weit verbreitet. Also: „Das Mutterland ruft!“ I. Toidze (1941) mit einer allegorischen Frauenfigur vor einem Hintergrund aus Bajonetten, die in ihren Händen den Text des Militäreides hält, erinnert sowohl in der Komposition als auch in der Farbe (rot, schwarz, weiß) an Moores „Haben Sie sich als angemeldet?“ Freiwilliger?" Das Plakat von V.G. klang wie ein Aufruf zur Rache. Koretsky „Krieger der Roten Armee, rette!“ (1942), das auch die Traditionen der Revolutionsjahre nutzte – Fotomontage, wie es A. Rodtschenko tat. Es gab nicht nur keinen einzigen Kämpfer, sondern anscheinend auch keinen einzigen Menschen, der nicht von der tragischen Kraft dieses Bildes einer Frau durchdrungen wäre, die entsetzt ein Kind umklammert, auf das ein Bajonett mit Hakenkreuz gerichtet ist spitz. Das Plakat wurde wie ein Eid eines jeden Kämpfers. Künstler griffen oft auf die Bilder unserer heldenhaften Vorfahren zurück (Kukryniksy „Wir kämpfen hart, wir stechen verzweifelt, Enkel von Suworow, Kinder von Tschapajew“, 1941). „Frei“, „Rache!“ - Bilder von Kindern und alten Menschen schreien aus Plakatblättern.

In der zweiten Phase, nach einer Wende im Kriegsverlauf, verändern sich sowohl die Stimmung als auch das Bild des Plakats. B.C. Ivanov zeigt einen Soldaten vor dem Hintergrund der Überquerung des Dnjepr, der Wasser aus einem Helm trinkt: „Wir trinken das Wasser unseres heimischen Dnjepr. Wir werden von Prut, Neman und Bug trinken!“ (1943). L. Golovanovs Plakat „Auf nach Berlin!“ ist voller Optimismus und Volkshumor. (1944) steht das Bild des Helden Wassili Terkin nahe.

Ab den ersten Kriegstagen tauchten nach dem Vorbild von „Windows of ROSTA“ „Windows of TASS“ auf. Von Hand geschaffen – durch Auftragen von Farben auf Papier durch eine Schablone – in einem hellen, einprägsamen Farbschema reagierten sie sofort auf alle wichtigen militärischen und politischen Ereignisse. Zu den Meistern der älteren Generation, die an TASS Windows mitarbeiteten, gehörten M. Cheremnykh, B. Efimov und Kukryniksy, die auch viel an Zeitschriften- und Zeitungskarikaturen arbeiteten. Die ganze Welt ging um ihren berühmten Cartoon „Ich habe meinen Ring verloren... (und es gibt 22 Divisionen im Ring)“ über die Niederlage der Deutschen bei Stalingrad (1943) herum. Die politische Abteilung der Westfront gab ein Sondermagazin „Front-Line Humor“ heraus. Ihr künstlerischer Leiter war bis 1942 N. Radlov und von 1942 bis Kriegsende V. Goryaev. V. Lebedev fertigte Zeichnungen zu Gedichten von S.Ya. Marschak.

Ähnlich wie der Leningrader „Kampfstift“ begannen georgische Künstler, eine Reihe kleiner Propagandablätter mit dem Titel „Bajonett und Feder“ zu veröffentlichen, in denen literarische Texte eine große Rolle spielten. Zu den an dieser Veröffentlichung beteiligten Künstlern gehörten L.D. Gudiashvili, unter den Dichtern – Tabidze. Ähnliche Propagandaflugblätter wurden von ukrainischen Künstlern aufgestellt und in den besetzten Gebieten abgeworfen. Georgische und ukrainische Propagandagrafiken haben überwiegend einen heroischen und dramatischen Ton; aserbaidschanische Künstler arbeiteten satirisch gemäß der Tradition, die sich vor dem Krieg entwickelt hatte.

Während der Kriegsjahre entstanden bedeutende Werke der Staffeleigrafik, und die Vielfalt der Eindrücke ließ eine Vielfalt an Formen entstehen. Dabei handelt es sich um schnelle, dokumentarisch genaue Frontskizzen, unterschiedlich in Technik, Stil und künstlerischem Niveau. Dies sind Porträtzeichnungen von Kämpfern, Partisanen, Matrosen, Krankenschwestern, Kommandanten – die reichste Chronik des Krieges, später teilweise in Stiche übersetzt (Lithographien von Vereisky, Stiche von S. Kobuladze, Aquarelle von A. Fonvizin, Zeichnungen von M. Saryan, usw.). Dazu gehören Kriegslandschaften, unter denen Bilder des belagerten Leningrads einen besonderen Platz einnehmen (Gouachen von Y. Nikolaev und M. Platunov, Aquarelle und Pastelle von E. Belukha und S. Boym usw.). Schließlich handelt es sich um ganze Serien von Grafikblättern zu einem Thema. So entstand die Grafikserie von D. Shmarinov „Wir werden nicht vergessen, wir werden nicht vergeben!“ (Kohle, schwarzes Aquarell, 1942), das aus Skizzen entstand, die er in frisch befreiten Städten und Dörfern anfertigte, aber nach dem Krieg schließlich fertiggestellt wurde: Feuer, Asche, Weinen über den Leichen ermordeter Mütter und Witwen – alles verschmolz zu einer Tragik künstlerisches Bild.

Die Serien von L.V. sind im Geiste völlig anders. Soyfertis „Sewastopol“ (1941–1942), „Krim“ (1942–1943), „Kaukasus“ (1943–1944). Soifertis schildert nicht die tragischen Aspekte des Krieges, sondern nur den Alltag, den Kriegsalltag, mit dem er als Schwarzmeerseemann bestens vertraut war. Soyfertis‘ anmutige Zeichnungen sind in schwarzem Aquarell gemalt und voller Humor und scharfer Beobachtungsgabe. Wahrhaftig gemacht, aber in einer anderen Tonart als Shmarinov, verherrlichen sie den Heldenmut des sowjetischen Volkes. Blatt „Keine Zeit!“ (1941) zeigt beispielsweise einen Matrosen, der auf einem Plakatständer lehnt und dessen Stiefel während einer kurzen Pause zwischen den Gefechten von zwei Jungen geschickt gereinigt werden.

„Leningrad in den Tagen der Belagerung und Befreiung“ heißt eine Serie von mehr als drei Dutzend Autolithographien von A.F. Pakhomov (1908–1973), das er 1941 begann und nach dem Krieg vollendete. Pakhomov selbst überlebte die Blockade und seine Seiten sind voller tragischer Gefühle, aber auch Bewunderung für den Mut und den Willen seiner Landsleute. Die ganze Welt ging um sein Blatt „Zur Newa für Wasser“ herum, auf dem vermummte Mädchen mit großen Augen abgebildet sind, die mit aller Kraft Wasser aus der Newa holen.

Das historische Thema nimmt in der Militärgrafik einen besonderen Platz ein. Es offenbart unsere Vergangenheit, das Leben unserer Vorfahren (Stiche von V. Favorsky, A. Goncharov, I. Bilibin). Auch architektonische Landschaften der Vergangenheit werden vorgestellt.

Auch die Malerei der Kriegsjahre hatte ihre Etappen. Zu Beginn des Krieges handelte es sich hauptsächlich um eine Aufzeichnung des Gesehenen, die nicht verallgemeinert werden sollte, fast eine hastige „malerische Skizze“. Künstler schrieben auf der Grundlage lebendiger Eindrücke, und daran herrschte kein Mangel. Es gelang nicht immer, das Geplante zu erreichen; den Gemälden mangelte es an Tiefe in der Darstellung des Themas und an der Kraft der Verallgemeinerung. Aber es gab immer große Aufrichtigkeit, Leidenschaft, Bewunderung für Menschen, die unmenschlichen Prüfungen standhaft standhalten, Direktheit und Ehrlichkeit der künstlerischen Vision, den Wunsch, äußerst gewissenhaft und genau zu sein.

Die Geschwindigkeit einer scharfsichtigen Skizze schloss Ernsthaftigkeit und Tiefe des Denkens nicht aus. Skizzen von Künstlern, die sich im belagerten Leningrad befanden – V. Pakulin, N. Rutkovsky, V. Raevskaya, N. Timkov und andere – sind bis heute unschätzbare Bilddokumente (Ya. Nikolaev „Für Brot“, 1943; V. Pakulin " Newa-Ufer. Winter“, 1942). Während des Großen Vaterländischen Krieges meldeten sich viele junge Künstler, sie selbst nahmen an den Schlachten bei Moskau, der großen Schlacht um Stalingrad, teil, überquerten Weichsel und Elbe und eroberten Berlin im Sturm.

Natürlich entwickelt sich zuerst das Porträt, denn die Künstler waren schockiert über den Mut, die moralische Höhe und den Adel des Geistes unseres Volkes. Zunächst handelte es sich um äußerst bescheidene Porträts, die nur die Gesichtszüge eines Mannes während des Krieges einfingen – des weißrussischen Partisanen F. Modorov und des Soldaten der Roten Armee V. Jakowlew, Porträts derjenigen, die im Hinterland für den Sieg über den Faschismus kämpften, eine ganze Serie von Selbstporträts. Die Künstler versuchten, gewöhnliche Menschen einzufangen, die gezwungen waren, zu den Waffen zu greifen, und die in diesem Kampf die besten menschlichen Qualitäten zeigten. Später erschienen zeremonielle, feierliche und manchmal sogar pathetische Bilder, wie zum Beispiel das Porträt des Marschalls G. K. Schukow von P. Korin (1945).

P. Konchalovsky hat in den Kriegsjahren viel in diesem Genre gearbeitet. In seiner gewohnt dekorativen, farbgesättigten Art kreiert er optimistische, lebenslustige Charaktere. Aber im Selbstporträt von 1943 möchte ich, obwohl es in Übereinstimmung mit den üblichen Techniken des Künstlers ausgeführt wurde, die besondere Einsicht des nachdenklichen Gesichtsausdrucks hervorheben, als ob er der schwierigsten Zeit unserer Zeit entspräche Land durchmacht. Ein bemerkenswert subtiles Porträt des berühmten Kunstkritikers N.N. Punina schreibt an V.M. Oreschnikow (1944).

Особой значительностью, монументальностью образа отличаются написанные в годы войны М. Сарьяном портреты интеллигенции (академик И.А. Орбели, 1943; композитор А. И. Хачатурян, 1944; поэт и переводчик М. Лозинский, 1944; писательница М. Шагинян, 1944, usw.).

Während der Kriegsjahre malte Saryan auch Landschaften und Stillleben. Erwähnenswert ist ein besonderes Stillleben, das er „An die armenischen Soldaten, Teilnehmer des Vaterländischen Krieges“ (1945) nannte und das die Früchte und Blumen Armeniens darstellt: als Geschenk und Dankbarkeit für diejenigen, die kämpfen und siegen, und als Erinnerung an diejenigen, die fern ihrer Heimat gestorben sind, und als Hoffnung auf ein zukünftiges friedliches Leben.

1941–1945 Sowohl häusliche als auch landschaftliche Genres entwickeln sich, aber sie sind immer irgendwie mit dem Krieg verbunden. Einen herausragenden Platz in der Bildung beider während der Kriegsjahre nimmt A. Plastov ein. In seinem Gemälde „Der Faschist flog herüber“ (1942) scheinen beide Genres vereint zu sein: junge Birken, grauer Himmel, ferne Felder, die jeder von uns kennt. Vor dem Hintergrund dieser friedlichen Herbstlandschaft erscheint die Gräueltat des faschistischen Piloten, der den Hirtenjungen und die Kühe, die er weidete, tötete, noch monströser. Sie sagen, dass die Zuschauer vor diesem Gemälde erstarrten, als es 1942 in der Ausstellung „Der Große Vaterländische Krieg“ ausgestellt wurde. Plastov malte auch sehr helle, herzliche Landschaften unserer Heimat. Im letzten Kriegsjahr malte A. Plastov ein wunderschönes Bild „Ernte“ (1945, Tretjakow-Galerie): Ein ernster und müder alter Mann und Kinder essen in der Nähe der komprimierten Garben zu Mittag – diejenigen, die hinten blieben und fütterten die Soldaten. Plastovs Malerei ist üppig, seine Pinselführung ist breit und großzügig und die Landschaft enthält nicht die traurige, schmerzliche Note, die im vorherigen Bild erklingt.

Während der Kriegsjahre arbeiteten sowohl die ältesten Meister (V. Baksheev, V. Byalynitsky-Birulya, N. Krymov, A. Kuprin, I. Grabar, P. Petrovichev usw.) als auch jüngere, wie G. Nissky das Landschaftsgenre während der Kriegsjahre. der mehrere ausdrucksstarke, sehr ausdrucksstarke Gemälde schuf. Darunter „Um Moskau zu verteidigen. Leningradskoje-Autobahn“ (1942). Ausstellungen von Landschaftsmalern während des Krieges zeugen von ihrem Verständnis der Landschaft in einem neuen Bild, das der harten Kriegszeit angehört. So blieben in diesen Jahren auch fast dokumentarische Landschaften erhalten, die im Laufe der Zeit zu einem historischen Genre wurden, wie „Parade auf dem Roten Platz am 7. November 1941“ von K.F. Yuon (1942), das diesen für alle Sowjetmenschen denkwürdigen Tag festhielt, als die Soldaten direkt vom schneebedeckten Platz in die Schlacht zogen – und fast alle von ihnen starben.

Lakonismus, Einfachheit der Bildmittel, aber auch irritierende Geradlinigkeit zeichnen die thematischen Gemälde der Jahre 1941–1942 aus. Bezeichnend hierfür ist Sergej Gerassimows Gemälde „Mutter des Partisanen“ (1943), das von Zeitgenossen eher aufgrund der Aktualität des Themas als wegen seines künstlerischen Werts hoch gelobt wurde. Gerasimov entwickelt die „Konfliktlinie“ im Anschluss an Ioganson, tut dies jedoch noch anschaulicher.

Die weibliche Figur wird als heller Fleck auf dunklem Hintergrund gelesen, während die Figur des Faschisten, der sie verhört, als dunkler Fleck auf hellem Hintergrund erscheint, und dies soll laut Autor symbolisch klingen: eine Frau, wie verwurzelt in ihrem Heimatland, aber auch wie ein Denkmal, das sich über dem Rauch des Feuers erhebt, verkörpert sie die Kraft des Schmerzes, des Leidens und der Unbesiegbarkeit der Menschen. Das kommt ganz klar, prägnant, aber auch anschaulich „literarisch“ zum Ausdruck. Die Figur des gefolterten Sohnes erscheint völlig unnötig. Und so ist der Gedanke klar und äußerst verständlich.

Dem Gemälde von A.A. mangelt es nicht an einer gewissen Plakathaftigkeit, die der Malerei so fremd ist. Deinekas „Verteidigung von Sewastopol“ (1942), entstanden in den Tagen, als „die Schlacht tobte ... heilig und richtig, eine tödliche Schlacht, nicht um des Ruhmes willen, sondern um des Lebens auf der Erde willen.“ Das Thema selbst ist der Grund für die enorme emotionale Wirkung des Gemäldes. Obwohl der Betrachter weiß, dass Sewastopol von unseren Truppen verlassen wurde, werden diese bis zum Tod kämpfenden Matrosen als Sieger wahrgenommen. Dadurch wurden sie zu ihnen. Deineka vermittelt die schreckliche Spannung der Schlacht nicht mit illusorischen Details, der Realität der Situation, sondern mit bestimmten, rein bildlichen Techniken, Übertreibungen. Indem der Künstler eine Reihe von Bajonetten mit dem Bildrand abschneidet, erweckt er den Eindruck einer Lawine feindlicher Truppen. Obwohl er nur eine kleine Gruppe von Faschisten darstellt, die zum Ufer stürmen, sind die Bewegungen der Figuren bewusst schnell, die Winkel sind scharf. Die Heftigkeit des Kampfes „heilig und richtig“ wird vor allem durch die Farbe vermittelt. Die Blusen der Matrosen sind strahlend weiß, ihre Figuren sind vor dunklem Hintergrund gut lesbar, die Figuren der Deutschen sind dunkel vor hellem Hintergrund. Zu Recht wird darauf hingewiesen, dass die Gesichter der Matrosen für den Betrachter offen sind; wir sehen ihren Ausdruck, wie zum Beispiel das Gesicht eines Matrosen im Vordergrund, der sich darauf vorbereitet, einen Haufen Granaten auf den Feind zu werfen. Seine Figur ist ein Symbol eines erbitterten Kampfes. Wir sehen die Gesichter unserer Feinde nicht. Mit einem koloristischen Mittel hat der Film nicht die Geradlinigkeit, die in „Mother of the Partisan“ zu finden ist.

Nicht nur die Farbe, auch die Komposition ist auf Kontraste aufgebaut. Im Hintergrund wird dem tödlich verwundeten Matrosen die Figur eines getöteten Deutschen gegenübergestellt. Der dritte Plan ist ein Bajonettkampf, bei dem die Kämpfer im letzten tödlichen Kampf aufeinandertreffen. Deineka enthüllt den heroischen Inhalt durch die Hauptsache und ignoriert sekundäre Details. Mittels plakativer, aber auch ausdrucksstarker künstlerischer Sprache entsteht das Bild einer erbitterten Schlacht.

Deineka war auch maßgeblich am Aufbau einer neuen, militärischen Landschaft beteiligt, die von einem ausgeprägten Zeitgefühl geprägt war („Stadtrand von Moskau. November 1941“). Die benannte Landschaft, die verlassene Moskauer Straßen zeigt, die von Furchen und stählernen „Igeln“ blockiert sind, vermittelt die unvergessliche Atmosphäre jener schrecklichen Tage, als der Feind auf Moskau zustürmte und vor seiner Haustür stand.

Bezeichnend ist, dass der Geist des Krieges, durchdrungen von einem Gedanken – dem Krieg – von Künstlern manchmal im Charakter eines einfachen Genrebildes vermittelt wird. So stellte B. Nemensky eine Frau dar, die über schlafenden Soldaten saß, und nannte sein Werk „Mutter“ (1945): Sie mag eine Mutter sein, die den Schlaf ihrer eigenen Söhne-Soldaten bewacht, aber dies ist auch ein verallgemeinertes Bild aller Mütter von jene Soldaten, die mit dem Feind kämpfen.

Nemensky war einer der ersten, der sich in diesen für die Kunst schwierigen Jahren entschieden von der pathetischen Verherrlichung verabschiedete. Durch das Gewöhnliche und nicht durch das Außergewöhnliche schildert er die alltägliche Leistung der Menschen in diesem blutigsten aller Kriege, die es auf der Erde gegeben hat. Im Wesentlichen bringt die programmatische Arbeit die innovative Rolle des Künstlers zum Ausdruck.

In den letzten Kriegsjahren schufen die Kukryniksy eines ihrer besten Gemälde, das sich dem Bild der Antike zuwandte – Sophia von Nowgorod als Symbol der Unbesiegbarkeit des russischen Landes („Flucht der Nazis aus Nowgorod“, 1944–1946). ). Vor dem Hintergrund der majestätischen, von Granaten verwundeten Fassade der Kathedrale wirken die umherhuschenden Brandstifter erbärmlich, und der Haufen verdrehter Trümmer des Denkmals „Millennium Russlands“ schreit nach Rache. Die künstlerischen Mängel dieses Bildes werden durch seine Aufrichtigkeit und echte Dramatik wettgemacht.

In der historischen Malerei tauchen Bilder von Helden der glorreichen Vergangenheit unseres Vaterlandes auf, die sowjetische Soldaten zum Kampf gegen den Feind inspirieren und an die Unvermeidlichkeit des Todes und das unrühmliche Ende der Eroberer erinnern. So nimmt den zentralen Teil von P. Korins Triptychon eine Ganzkörperfigur von Alexander Newski in Rüstung mit einem Schwert in der Hand vor dem Hintergrund von Wolchow, der Sophienkathedrale und einem Banner mit der Darstellung „Der nicht gemachte Erlöser“ ein by Hands“ (1942–1943, Tretjakow-Galerie). Später würde der Künstler sagen: „Ich habe es in den harten Kriegsjahren gemalt, ich habe den unbesiegten, stolzen Geist unseres Volkes gemalt, der „in der Gerichtsstunde seiner Existenz“ zu seiner vollen gigantischen Höhe stand.“ Das Wichtigste für Korin ist nicht die archäologische Authentizität historischer Details, sondern die Offenbarung des spirituellen Wesens des Helden, seiner Entschlossenheit, die auf dem Weg zum Sieg keine Hindernisse kennt. Der rechte und linke Teil des Triptychons – „Northern Ballad“ und „Ancient Tale“ – sind Gemälde über einen mutigen und geistig belastbaren russischen Mann. Aber sie sind deutlich schwächer als der Mittelteil; es wurde zu Recht festgestellt, dass ihnen auch die bekannte „Verschlüsselung“ der Handlung schadet. Charakteristisch für Korin ist die malerische und plastische Lösung: Die Formen sind äußerst verallgemeinert, die Plastizität der Figur ist starr, die Kontur ist grafisch, die Farbgebung basiert auf lokalen, kontrastierenden Kombinationen.

Der älteste Künstler E.E. arbeitet viel im historischen Genre. Lansere. N. Uljanow malt ein Bild über den Krieg von 1812 („Loriston im Hauptquartier von Kutusow“, 1945). Aber auch im historischen Genre der Kriegsjahre, insbesondere gegen Kriegsende, wie auch in anderen, zeichnen sich Veränderungen ab: Die Gemälde werden komplexer, tendieren zu Mehrfiguren, sozusagen zu einer „entwickelten Dramaturgie“. In diesem Sinne lohnt es sich, die bereits erwähnte lakonische, majestätische Komposition „Alexander Newski“ mit dem Gemälde „Morgen auf dem Kulikovo-Feld“ (1943–1947) von A. P. Bubnov (1908–1964) oder mit dem Gemälde von M. zu vergleichen. Avilov „Das Duell von Peresvet mit Tschelubey“ (1943), um zu verstehen, dass „Nationalität“ in einem historischen Gemälde nicht durch die Anzahl der dargestellten Personen erreicht wird.

Natürlich hatte die monumentale Malerei in den Kriegsjahren nur wenige Möglichkeiten. Aber auch in dieser Zeit der schwierigsten Prüfungen existierte und entwickelte sich die Kunst der „ewigen Materialien“, Fresken und Mosaike, weiter. Bezeichnend ist, dass im belagerten Leningrad in der Mosaikwerkstatt der Akademie der Künste Mosaike für die U-Bahn aus Deinekas Kartons hergestellt werden.

Trotz der schwierigeren Arbeitsbedingungen eines Bildhauers im Vergleich zu einem Maler und Grafiker (spezielle Arbeitsausrüstung ist erforderlich, teurere Materialien usw.) arbeiteten sowjetische Bildhauer seit den ersten Kriegstagen aktiv und nahmen an Wanderausstellungen teil 1941 und in den Ausstellungen „Der Große Vaterländische Krieg“ (1942), „Heroic Front and Rear“ (1944) usw.

Noch deutlicher als in der Malerei ist in der Skulptur der Kriegsjahre der Vorrang des Porträtgenres zu spüren. Bildhauer streben vor allem danach, das Bild eines Kriegshelden einzufangen, ihn wahrheitsgetreu und frei von äußerer Wirkung zu machen. Das Gesicht des Piloten, Colonel I.L., ist überhaupt nicht „heldenhaft inspiriert“. Khizhnyak, der unter schwerem Feuer einen Munitionszug rettete, oder das vernarbte Gesicht von Colonel B.A. Jussupow, der ein Duell mit feindlichen Panzern überlebte, in den Büsten von V. Mukhina (beide Gips, 1942). „Unser Vaterländischer Krieg“, schrieb V.I. Mukhina, die so viele neue Helden hervorgebracht hat, war ein Beispiel für solch strahlenden und außergewöhnlichen Heldentum, dass die Schaffung eines Heldenporträts den Künstler nur fesseln kann. Die russischen Helden unseres antiken Epos sind im sowjetischen Menschen wieder auferstanden und epische Bilder leben mit ihm und unter uns ...“

Die Komposition ihrer Porträts ist schlicht und klar, ebenso die klare plastische Modellierung. Die Hauptsache im Gesicht wird durch das reiche Spiel von Licht und Schatten betont. Dadurch werden die Schatten im unteren Teil von Khizhnyaks Gesicht, auf den Wangen und auf den Wangenknochen dicker, was die Konzentration, Strenge und Integrität des Bildes verstärkt. Es gibt keine unnötigen Details, sogar das Bild eines Militärbefehls ist auf dem Stand platziert. Eine dramatischere Charakterisierung findet sich im Porträt von N.N. Burdenko (Gips, 1943) basiert auf dem Kontrast der inneren Emotionalität und dem eisernen Willen, der sie zurückhält. Diese Porträts von Mukhina heben sich durch ihre Einfachheit und Aufrichtigkeit glücklich vom Hintergrund zukünftiger falsch-heroischer, pompöser Entscheidungen ab, die für so viele Meister, insbesondere aus der Nachkriegszeit, charakteristisch sind. Aber Mukhina selbst hat auch Werke aus derselben Kriegszeit, in denen sie anscheinend versucht, ihre Beobachtungen zu verallgemeinern, um eine Art kollektives Bild vieler Patrioten zu schaffen, die gegen die Faschisten kämpften, aber gleichzeitig in eine zuckersüße Idealisierung verfällt , zum Beispiel in „Partisan“ (Gips, 1942), dieses „Bild des Zorns und der Unnachgiebigkeit gegenüber dem Feind“, „Russische Nike“, wie sie damals dennoch genannt wurde.

Eine große Rolle spielten Mukhinas Experimente mit verschiedenen modernen Materialien, die sie in einem Werk kombiniert und dabei deren unterschiedliche Texturen und vor allem unterschiedliche Farben nutzt (Porträt von H. Jackson, Aluminium, farbiges Kupfer usw., 1945). Der Künstler schien die Möglichkeiten der Verwendung von Farbe in der Skulptur wiederentdeckt zu haben, obwohl sie der Menschheit seit der Antike bekannt waren. Wichtig sind auch Mukhinas Glasexperimente und ihre Verwendung von Glas in der Skulptur.

S. Lebedeva arbeitete in den Kriegsjahren in einer anderen Tonart, mit anderen Techniken, mit einer völlig anderen Herangehensweise an das Modell und schuf nicht weniger bedeutsame Bilder. Ihr analytischer Verstand und ihre Nachdenklichkeit ermöglichen es ihr, die Intensität des Innenlebens, die hohe Intelligenz und die Nuancen des Geisteszustands des Modells zu vermitteln, wie in der Büste von A.T. Tvardovsky, ein Kriegsberichterstatter dieser Jahre (Gips, 1943). Mit einer leichten Neigung des Kopfes, die in der Bewegung mit der Drehung der Schultern kontrastiert wird, betont der Bildhauer gekonnt, aber nicht direkt, die Stärke seines Charakters, die es ihm ermöglichte, die Position eines Dichters und Bürgers bis zu seinem Ende zu verteidigen Tage.

In der Skulptur der sogenannten Kleinformen, Figuren, die vor allem nach dem Krieg entstanden, hinterlässt Lebedeva unvergesslich ergreifende, poetische Bilder („Sitzender Tatlin“, Gips, 1943–1944).

Bildhauer aus allen Republiken und nationalen Schulen arbeiten an den Bildern von Kriegern (A. Sargsyan – in Armenien, Y. Nikoladze, N. Kandelaki – in Georgien usw.). Unter diesen Werken sticht das Bild von N.F. durch seine ungewöhnliche Komposition hervor. Gastello des weißrussischen Bildhauers A. Bembel (Bronze, 1943): ein Dreieck einer Halbfigur mit erhobener Hand auf einem Ständerblock – in dieser Komposition hielt der Künstler den tragischen und majestätischen Moment fest, als er ein brennendes Auto auf einen warf feindlicher Zug. Der älteste Bildhauer V. Lishev und Matveevs Schüler V. Isaeva arbeiten im belagerten Leningrad.

Mit der Zeit gewinnt, wie in der Malerei, auch in einem skulpturalen Porträt das Ideale, das erhaben Heroische und oft offen Idealisierte den Vorrang vor dem individuell Konkreten. In diesem Sinne porträtiert N.V. Helden der Sowjetunion. Tomsky wird in den Porträts von E.V. ein noch spektakulärer romantischer Anfang betont. Vuchetich, vergleichen Sie einfach die Porträts von Armeegeneral I.D. Chernyakhovsky beider Meister.

Während des Krieges war der Bau von Denkmälern nicht möglich. Doch gerade in den Kriegstagen kamen viele Bildhauer auf neue Ideen und Projekte. Also arbeitet Mukhina an einem Denkmal für P.I. Tschaikowsky (bereits 1954 in der Nähe des Moskauer Konservatoriums aufgeführt, Architekt A. Zavarzin). Bereits 1943 wurde es konzipiert und unmittelbar nach Kriegsende, 1946, in Wjasma ein Denkmal für den von E. Vuchetich hingerichteten Generalmajor M.G. errichtet. Efremov, der hier im ersten Kriegsjahr starb. Die Komposition des Denkmals besteht aus fünf Figuren: In der Mitte steht General Jefremow, der tödlich verwundet weiter kämpft, als er und die überlebenden Soldaten von allen Seiten von Feinden umgeben waren. In diesem Bild hat der Bildhauer nicht auf erzählerische und illustrative Elemente verzichtet, aber Wahrhaftigkeit, Aufrichtigkeit und sogar Leidenschaft bei der Vermittlung der Atmosphäre der letzten Schlacht, in der die Menschen so viel Mut bewiesen haben, bestimmen die künstlerische Bedeutung dieses Denkmals.

Nach dem Krieg (1945–1949) schuf Vuchetich die berühmte 13 Meter hohe Bronzefigur eines Soldaten mit einem Kind auf einem Arm und einem gesenkten Schwert im anderen für das grandiose Denkmal für den „Sowjetischen Soldatenbefreier“ im Treptower Park in Berlin (Architekt Ya.B. Belopolsky und andere). Die räumliche architektonische und skulpturale Komposition in der Parkanlage umfasst zwei Gassen und ein Parterre mit Bestattungen, das mit einem Hügel mit einem Mausoleum endet. Am Anfang der Gassen, die zum Hügel führen, steht auf einem Sockel aus poliertem rotem Granit eine Figur der Mutter Heimat aus grauem Granit. Aus dem gleichen Material bestehen Banner mit bronzenen Figuren kniender Krieger auf den Propyläen. Das Mausoleum wird von der Figur eines Kriegers gekrönt, der ein Kind im Arm hält – die zentrale Figur des Denkmals. Das Erscheinen eines solchen Denkmals unmittelbar nach dem Krieg war selbstverständlich: Es spiegelte die Rolle unseres Staates beim Sieg über den Faschismus wider.

In den Jahren 1941–1945, in den Jahren des großen Kampfes gegen den Faschismus, schufen Künstler zahlreiche Werke, in denen sie die gesamte Tragödie des Krieges zum Ausdruck brachten und die Leistung des siegreichen Volkes verherrlichten.