Что представляет собой электрический. Что такое ток: основные характеристики и понятия. Что такое работа тока

Драма (от греческого drama – действие) родилась в Греции в VI веке до н.э., когда окончательно установился рабовладельческий строй и центром культурной жизни Греции стали Афины. В дни определенных праздников античный театр собирал все население города и окрестностей.

Предшественником появления драмы в Греции стал длительный период, в течение которого лидерующее место занимали эпос и лирика. Драма представляла собой своеобразный синтез достижений ранее сформировавашихся родов литературы, вобрав в себя «эпический» героический, монументальный характер и «лирическое» индивидуальное начало.

Появление и развитие греческой драмы и театра связано, в первую очередь, с обрядовыми играми мимического характера, которые на ранней ступени развития отмечались у многих народов и сохранились на протяжении веков. Мимические игры земледельческих народов являлись частью праздников, посвященных умирающим и воскресающим богам плодородия. Подобные праздники имели две стороны – серьезную, «страстную», и карнавальную, прославляющую победу светлых сил жизни.

В Греции обряды были связаны с культом богов – покровителей земледелия: Диониса, Деметры, ее дочери Персефоны. На праздниках в честь бога Диониса распевали торжественные и веселые карнавальные песни. Шумное веселье устраивали ряженые, которые входили в свиту Диониса. Участники праздничного шествия всячески «маскировали» свое лицо – мазали его винной гущей, надевали маски и козлиные шкуры.

Из обрядовых игр и песен в честь Диониса ведут свое начало три жанра древнегреческой драмы – комедия, трагедия и сатировская драма.

Составной частью народных праздничных действий, связанных с земледельческими работами, являлось пение с плясками. Из них позднее возникла классическая афинская трагедия.

Театр имел две площадки. Одна – сцена – предназначалась для актеров, другая – орхестра – для хора из 12 – 15 человек.

Древние греки считали, что в театре должны раскрываться общезначимые и глубокие темы, прославляться высокие качества человеческого духа и высмеиваться пороки людей и общества. Человек, посмотрев драму, должен испытать духовное, нравственное потрясение. В трагедии, сопереживая героям, зритель должен плакать, а в комедии – вид драмы, противоположный трагедии, – смеяться.

Древние греки создали такие театральные формы, как монолог и диалог. Они широко использовали многоплановое ведение действия в драме, применяя хор в качестве комментатора происходящих событий. Хоровой склад был одноголосным, пели в унисон. В профессиональной музыке преобладали мужские хоры.

В древнегреческом театре появились специальные строения – амфитеатры, предназначенные специально для актерского исполнения и зрительского восприятия. В нем использовались сцены, кулисы, особая компоновка сидений для зрителей, применяемые и в современном театре. Эллины создавали декорации к спектаклям. Актеры пользовались особой патетической манерой произнесения текста, широко применяли пантомиму, выразительную пластику. Однако мимическая выразительность ими осознанно не использовалась, они выступали в специальных масках, символически отражающих обобщенный образ радости и горя.

Трагедия (вид драмы, проникнутый пафосом трагического) предназначалась для широких слоев населения.

Трагедия была отражением страстной стороны дионисийского культа. По свидетельству Аристотеля, трагедия, ведет свое начало от певцов дифирамба. К диалогу запевал с хором постепенно примешивались элементы актерской игры. Слово «трагедия» происходит от двух греческих слов: tragos – «козел» и ode – «песнь». Это название приводит нас к сатирам – козлоногим существам, спутникам Диониса, которые прославляи подвиги и страдания бога. Греческая трагедия, как правило, заимствовала сюжеты из хорошо известной каждому греку мифологии. Интерес зрителей концентрировался не на фабуле, а на авторской трактовке мифа, на общественной и нравственной проблематике, которая разворачивалась вокруг всем известных эпизодов мифа. В рамках мифологической оболочки драматург отражал в трагедии современную ему общественно-политическую обстановку, высказывал свои философские, этнические, религиозные воззрения. Не случайно, роль трагических представлений в общественно-политическом и этическом воспитании граждан была огромна.

Трагедия достигла значительного развития уже во второй половине VI века до н.э. Согласно античной традиции, первым афинским трагическим поэтом принято считать Феспида Весной 534 года до н.э. на празднике Великих Дионисий состоялась первая постановка его трагедии. Этот год и рассматривается как год рождения мирового театра. Феспиду приписывается ряд нововведений: например, он усовершенствовал маски и театральные костюмы. Но в качестве главного нововведения Феспида называют выделение одного исполнителя, актера, из хора. Гипокрит («ответчик»), или актер, мог отвечать на вопросы хора или обращаться к хору с вопросами, покидать сценическую площадку и возвращаться на нее, изображать в течение действия различных героев. Таким образом, ранняя греческая трагедия представляла собой своеобразный диалог между актером и хором и по форме скорее напоминала кантату. При этом, именно актер с самого своего появления стал носителем действенного энергичного начала, хотя количественно его партия в первоначальной драме была незначительна (главная роль отводилась хору).

Фриних, ученик Феспида, выдающийся трагик эпохи до Эсхила, «раздвинул» сюжетные рамки трагедии, вывел ее за пределы дионисийских мифов. Фриних славится как автор ряда исторических трагедий, которые были написаны по свежим следам событий. Например, в трагедии «Взятие Милета» представлялось взятие персами в 494 году до н.э. города Милета, который восстал против персидского владычества вместе с другими греческими городами Малой Азии. Пьеса настолько потрясла зрителей, что была запрещена властями, а сам автор был приговорен к денежному штрафу.

Произведения Феспида и Фриниха до наших дней не дошли, сведения о их театральной деятельности немногочисленны, но и они показывают, что самые первые драматурги активно откликались на актуальные вопросы современности и стремились сделать театр местом обсуждения важнейших проблем общественной жизни, трибуной, где утверждались демократические принципы Афинского государства.

blog.сайт, при полном или частичном копировании материала ссылка на первоисточник обязательна.

Трагедия

греция культура театр литература

Афинский театр

Театральное представление в эпоху расцвета греческого общества входило как составная часть в культ Диониса и происходило исключительно во время празднеств, посвященных этому богу. В Афинах V в. в честь Диониса справлялся ряд праздников, но драмы ставились только во время «Великих Дионисий» (примерно в марте -- апреле) и Леней (в январе -- феврале). «Великие Дионисии» -- праздник начала весны, знаменовавший вместе с тем открытие навигации после зимних ветров; на этот праздник являлись представители общин, входивших в состав афинского морского союза, для внесения подати в союзную кассу; «Великие Дионисии» справлялись поэтому с большой пышностью и продолжались шесть дней. В первый день происходила торжественная процессия перенесения статуи Диониса из одного храма в другой, и бог мыслился присутствующим на поэтических состязаниях, которые занимали остальную часть празднества; второй и третий день были уделены для дифирамбов лирических хоров, последние три дня -- для драматических игр. Трагедии, как уже было указано, ставились с 534 г., т. е. с того времени, когда праздник был учрежден; около 488 -- 486 гг. к ним присоединились комедии. Леней, более древний праздник, были обогащены драматическими состязаниями лишь позже; около 448 г. там начали ставиться комедии и около 433 г. -- трагедии. Все эти игры имели характер массовых зрелищ и были рассчитаны на большое количество зрителей. К состязаниям в V в. допускались, за редкими исключениями, только новые пьесы; впоследствии новым пьесам предшествовала пьеса старого репертуара, которая, однако, не служила предметом состязания.

Произведения афинских драматургов были, таким образом, предназначены для однократной постановки, и это способствовало насыщенности драм актуальным и даже злободневным содержанием.

Порядок, установленный около 501 -- 500 гг. для «Великих Дионисий», предусматривал в трагическом состязании трех авторов, из которых каждый представлял три трагедии и драму сатиров. На комедийных состязаниях от поэтов требовалось только по одной пьесе. Поэт составлял не только текст, но и музыкальную и балетную части драмы, он же был режиссером, балетмейстером и зачастую, особенно в более раннее время, актером. Допущение поэта к состязанию зависело от архонта (члена правительства), заведывавшего празднеством; этим путем осуществлялся также и идеологический контроль над пьесами. Расходы по постановке драм каждого поэта государство возлагало на какого-нибудь состоятельного гражданина, который назначался хорегом (руководителем хора). Хорег набирал хор, числом в 12, а впоследствии в 15 человек для трагедии, в 24 для комедии, оплачивал участников хора, помещение, в котором хор готовился, репетиции, костюмы и т. д. Пышность постановки зависела от щедрости хорега. Затраты хорегов бывали очень значительны, и победы в состязании присуждались совокупно хорегу и режиссеру-поэту С увеличением числа актеров и отделением актера от поэта третьим, самостоятельным участником состязания стал главный актер («протагонист»), который подбирал себе помощников: одного для вторых, другого для третьих ролей («девтерагонист» и «тритагонист»). Назначение хорегу его поэта и поэту его главного актера происходило по жребию в народном собрании под председательством архонта. В IV в., когда хор потерял свое значение в драме и центр тяжести перешел на актерскую игру, этот порядок был признан неудобным, так как он ставил успех хорега и поэта в чрезмерную зависимость от игры доставшегося им актера и успех актера от качества пьесы и постановки. Тогда было установлено, чтобы каждый протагонист выступал у каждого поэта в одной из его трагедий.

Жюри состояло из 10 человек, по одному представителю от каждого афинского округа. Они выбирались в начале состязания по жребию из заранее составленного списка. Окончательное решение выносилось на основании подачи голоса пятью членами жюри, выделенными из его состава также по жребию. На празднике Диониса допускались одни только «победы»; судьи устанавливали первого, второго и третьего «победителей» как в отношении поэтов и их хорегов, так и особо в отношении протагонистов. Реальными победителями являлись только хорег, поэт и протагонист, которые были признаны «первыми»; они увенчивались плющом тут же в театре. Третья «победа» фактически была равносильна поражению. Однако все три поэта и протагониста получали призы, которые являлись вместе с тем их гонораром. Решение жюри хранилось в государственном архиве. В середине IV в. Аристотель опубликовал эти архивные материалы. После появления его труда стали заноситься на камень сводные реестры побед на каждом празднестве и списки победителей, и до нас дошел ряд фрагментов этих надписей.

Заботу о помещении для зрителей и исполнителей, сначала об устройстве временных деревянных сооружений, а впоследствии о содержании и ремонте постоянного театра, афинское государство поручало частным предпринимателям, сдавая помещение на откуп. "Вход в театр был поэтому платным. Однако для того чтобы обеспечить всем гражданам, независимо от их материального положения, возможность посещать театр, демократия со времен Перикла предоставляла каждому заинтересованному гражданину субсидию в размере платы за вход на один день, а в IV в. и на все три дня театральных представлений.

Одно из важнейших отличий греческого театра от современного «состоит в том, что игра происходила под открытым небом, при дневном свете. Отсутствие крыши и использование естественного освещения связаны были, между прочим, и с огромными размерами гречески? театров, значительно превышающими даже самые большие современные театры. При редкости театральных представлений античные театральные помещения должны были строиться в расчете на массы справляющих праздник граждан. Афинский театр, по вычислениям археологов, вмещал 17000 зрителей, театр города Мегалополя в Аркадии -- 44000 человек. В Афинах представления сначала происходили на одной из городских площадей, и для зрителей воздвигались временные деревянные помосты; когда они однажды во время игры рухнули, для театральных целей был приспособлен южный скалистый склон Акрополя, к которому стали прикреплять деревянные сидения. Каменный театр был окончательно достроен лишь в IV в.

До второй половины XIX в. устройство греческого театра известно было лишь на основании описания в трактате римского архитектора Витрувия «Об архитектуре», написанном около 25 г. до н. э. В настоящее время археологически обследованы развалины большого количества греческих театров разных эпох, в том числе и афинский театр Диониса, для постановки в котором были в свое время предназначены почти все драмы классического греческого репертуара.

В связи с хоровым происхождением аттической драмы, одной из основных частей театра является орхестра («площадка для пляски»), на которой выступали и драматические и лирические хоры. Древнейшая орхестра афинского театра представляла собой круглый утрамбованный плац, диаметром в 24 метра, с двумя боковыми входами; через них проходили зрители, а затем вступал хор. Посреди орхестры находился алтарь Диониса. С введением актера, выступавшего в разных ролях, понадобилось помещение для переодевания. Помещение это, так называемая скена («сцена», т. е. палатка), имело временный характер и сначала находилось те поля зрения публики; вскоре его стали сооружать позади орхестры и художественно оформлять как декоративный фон для игры. Скена изображала теперь фасад здания, чаще всего дворца ила храма, перед стенами которого развертывается действие (в греческой драме действие никогда не происходит внутри дома). Перед ней воздвигалась колоннада (проскений); между колоннами ставились разрисованные доски, служившие как бы условными декорациями: на них изображалось что-либо, напоминавшее обстановку пьесы. Впоследствии скена и проскений стали постоянными каменными постройками (с боковыми пристройками -- параскениями).

При этом устройстве театра остается неясным один весьма существенный для театрального дела вопрос: где играли актеры? Точные сведения об этом имеются лишь для поздней античности; актеры выступали тогда на эстраде, высоко поднимавшейся над орхестрой, и были таким образом отделены от хора. Для драмы эпохи расцвета подобное устройство немыслимо: в это время хор принимал непосредственное участие в действии, и актерам по ходу пьесы часто приходилось вступать в соприкосновение с ним. Необходимо поэтому предполагать, что актеры в V в. играли на орхестре перед проскением, на одном уровне с хором или на очень незначительном возвышении; в отдельных случаях можно было использовать для игры актеров крышу проскения, и драматург имел возможность строить пьесу так, чтобы одни действующие лица находились на более высоком уровне, чем другие. Высокая эстрада, как постоянное место игры актеров, появилась значительно позже, вероятно, уже в эллинистическую эпоху, когда хор потерял свое значение в драме.

Третьей составной частью театра, кроме орхестры и скены». являлись места для зрителей. Они располагались уступами, окаймляя орхестру подковой, и были разрезаны проходами» радиальными и концентрическими. В V в. это были деревянные скамейки, которые впоследствии были заменены каменными сидениями (см. чертеж на стр. 270).

Механических приспособлений в театре V в. было очень немного. Когда нужно было показать зрителю то, что происходило внутри дома, из дверей скены выкатывалась платформа на деревянных колесах (эккиклема), вместе с помещавшимися на ней актерами или куклами, а затем, по миновании надобности, увозилась обратно. Для поднятия действующих лиц (например богов) в воздух, служила так называемая машина, нечто в роде подъемного крана. Расцвет греческой драмы имел место в условиях самой примитивной театральной техники.

Участники игры выступали в масках. Греческий театр классического периода полностью сохранил это наследие обрядовой драмы, хотя магического значения оно уже больше не имело. Маска отвечала установке греческого искусства на подачу обобщенных образов, притом не обыденных, а героических, возвышающихся над бытовым уровнем, или гротескно-комических. Система масок была очень подробно разработана. Они покрывали не только лицо, но и голову актера. Окраской, выражением лба, бровей, формой и цветом волос маска характеризовала пол, возраст, общественное положение, нравственные качества и душевное состояние изображаемого лица. При резком изменении душевного состояния актер в разные свои приходы надевал различные маски. В иных случаях маска могла быть приспособлена и к изображению более индивидуальных черт, воспроизводя особенности привычного облика мифологического героя или имитируя портретное сходство с высмеиваемыми в комедии современниками. Благодаря маске актер легко мог выступать на протяжении одной пьесы в нескольких ролях. Маска делала лицо неподвижным и устраняла из античного актерского искусства мимику, которая, впрочем, все равно не доходила бы до огромного большинства зрителей при размерах греческого театра и отсутствии оптических инструментов. Неподвижность лица компенсировалась богатством и выразительностью телодвижений и декламационным искусством актера. В представлении греков мифические герои превышали обыкновенных людей ростом и шириной плеч. Трагические актеры носили поэтому котурны (обувь с высокими ходулеобразными подошвами), высокий головной убор, с которого спускались длинные кудри, и подкладывали подушки под костюм. Они выступали в торжественной длинной одежде, старинном облачении царей, которое продолжали носить только жрецы. (О костюме комического актера см. ниже, стр. 156).

Женские роли исполнялись мужчинами. Актеры рассматривались как лица, обслуживающие культ, и пользовались некоторыми привилегиями, например освобождением от налогов. Ремесло актера было доступно поэтому только свободным. Начиная с IV в., когда в Греции появилось много театров и число профессиональных актеров возросло, они стали образовывать особые объединения «дионисовых мастеров».

Греческий театр и литература. Растущая популярность театральных представлений привела к тому, что они не только заняли доминирующее место в религиозных и общественных празднествах, но отделились от религиозных церемоний, стали самостоятельным видом искусства, занявшим особое место в жизни древних греков. В архаический период театральные представления давались в разных местах, в V в. до н. э. появляется специально пред назначенная для сценических действий площадка.

Как правило, она выбиралась у подножия пологого холма, склоны которого обрабатывались в виде каменных ступенек, на которых рассаживались зрители (места для зрителей назывались театрон от слова теаомай -- смотрю). Ступени располагались полукругом, разделялись на ярусы, возвышающиеся друг за другом, и сектора, разделенные проходами, как на современных стадионах.

Само сценическое действие проходило на утрамбованной круглой площадке, впоследствии вымощенной мраморными плитами и называемой орхестрой. В центре орхестры находился жертвенник Дионису, На орхестре выступали актеры и хор. Позади орхестры находилась палатка, где актеры переодевались, откуда они выходили на публику. Эта палатка называлась скена. Впоследствии вместо небольшой и теряющейся на фоне обширной орхестры палатки для переодевания стали строить постоянное высокое сооружение, на выступающей к зрителям" стене которого рисовались декорации, изображавшие, как правило, фасад дворца, храма, крепостные стены, городскую улицу или площадь.

Сценическое действие разыгрывалось как диалог между одним актером и хором. В V в. до н. э, на сцену были введены еще два актера, и сценическое действие усложнилось, а роль хора уменьшилась. Актеры выступали в масках, которые покрывали не только лицо, но и голову. Маски изображали людей самого различного типа, возраста, общественного положения, даже передавали душевное состояние и нравственные качества. Меняя маски, один актер мог по ходу действия играть несколько разных ролей, правда, маска лишала возможности видеть мимику актера, но данное обстоятельство компенсировалось его выразительными телодвижениями. Мифологические герои или боги изображались значительно более крупными, чем обыкновенные люди, для этого актеры надевали специальную обувь с высокими подошвами-котурнами, носили высокий головной убор и подкладывали под одежду прокладки, чтобы казаться мощнее. Этот реквизит был необходим еще и потому, что при очень больших размерах греческих театров и отдаленности зрительских мест от орхестры актеры в таких костюмах становились заметнее, легче было следить за их игрой. Они играли в длинных одеяниях, в которые, по преданию, облачались в древности цари и жрецы. Применялись и некоторые механические приспособления. Например, если нужно было показать действие внутри дома, на орхестру выкатывали специальную деревянную платформу, где и располагались актеры. Если по ходу действия нужно было показать парящего в небе бога, то использовали специальное приспособление. Особое шумовое устройство могло воспроизводить удары грома.

Греческие театры были рассчитаны практически на все население города и насчитывали несколько десятков тысяч мест. Театр Диониса в Афинах имел 17 тыс. мест, знаменитый театр в Эпидавре (он хорошо сохранился до настоящего времени, и современные греческие актеры разыгрывают здесь древние трагедии) -- 20 тыс. мест. Грандиозными были театры в Мега- лополе -- на 40 тыс., а театр в Эфесе даже на 60 тыс. мест. Театральные представления стали органической частью повседневной жизни. В Афинах, например, был учрежден специальный государственный фонд, так называемые «театральные деньги», который предназначался для раздачи бедным гражданам, чтобы они могли купить театральные билеты. И этот фонд не трогали даже при самых больших финансовых затруднениях государства, даже в случае военных действий.

В театрах играли пьесы прославленных греческих драматургов, в которых ставились животрепещущие вопросы современной жизни, Поскольку в театрах присутствовала обычно большая часть гражданского нассления, зрители бурно одобряли или порицали автора. Греческие драматурги попадали, таким образом, в центр внимания своего полиса, и это, естественно, стало мощным стимулом для их творчества. V в. до н. э.-- время необычайного расцвета классической греческой драматургии, появления титанов греческой и мировой литературы, великих трагиков Эсхила, Софокла и Еврипида, автора бессмертных комедий Аристофана. Их творчество знаменовало новый этап в мировом литературном процессе.

Отцом греческой трагедии считается Эсхил из Элевсина (525--456 гг. до н. э.). Его зрелые годы прошли в героический период победоносной войны греков с Персидской державой. Эсхил был участником наиболее крупных сражений этой войны (при Марафоне, Саламине и Платеях). Он принимал деятельное участие в общественной жизни Афин, выезжал в Сицилию и там же провел свои последние годы. Эсхилу приписывали создание 90 трагедий, из которых сохранилось семь. Наиболее известные -- «Персы» (472 г. до н. э.), «Прикованный Прометей» (470 г. до н. э.) и трилогия «Орестея» (458 г. до н. э.), состоящая из трагедий «Агамемнон», «Хоэфоры» и «Эвмениды». Сюжетами трагедий Эсхила становятся давно известные мифологические сказания о титане Прометее, о преступлениях аргосских царей из рода Атридов. Только в «Персах» речь шла о реальных событиях -- победе греков над персами в морской битве при Саламине. Однако Эсхил переосмысливает общеизвестные и незамысловатые мифы, вносит новые сюжетные линии, наполняет рассказ идеями своего времени. Эсхил отражает в своих произведениях торжество полисного порядка и его идеологии, он прославляет мужество, волю, патриотизм греков, противопоставляя им высокомерие и чванство восточного деспота Ксеркса в трагедии «Персы», он воспевает бесстрашие героев, ради людей готовых поспорить с самими богами, торжество цивилизованной жизни в «Прикованном Прометее» и вместе с тем в самых мрачных красках рисует деспотизм и тиранию Зевса. В трилогии «Орестея» его творчество пронизано философскими рассуждениями о смысле человеческого существования, отношениях людей и богов. Для Эсхила свободная и нравственная жизнь возможна только в огражденном справедливыми законами полисном коллективе. Здесь нет места тем тягчайшим преступлениям, которыми насыщена предшествующая дополисная эпоха. Такая устроенная жизнь угодна и богам. Творчество Эсхила прославляло политические, идейные и нравственные устои греческого полиса.

В творчестве Софокла из Афин поднимаются важнейшие вопросы бытия (496--406 гг. до н. э.). Софокл, по преданию, написал свыше 120 трагедий, из которых дошло только семь. Среди них самыми знаменитыми стали две: «Царь Эдип» (429--425 гг. до н. э.) и «Антигона» (442 г. до н. э.). В них Софокл говорит о месте человека в обществе и мире. Что такое человек -- марионетка в руках всесильных богов или творец своей судьбы? В образах фиванского царя Эдипа и его дочери Антигоны Софокл намечает свое решение этой темы. Эдип -- мудрый, добродетельный и справедливый царь, любимый своим народом, но тем не менее он игрушка в руках могущественных богов. Боги судили ему вести преступную жизнь: убить своего отца, женигься на матери и родить странные существа, которые были ему детьми, но вместе с тем и братьями. Пророчество сбывается, хотя Эдип, кажется, сделал все, чтобы его отвратить. И когда наступает жестокое прозрение, Эдип не смиряется со своей страшной долей. Он бунтует против несправедливости судьбы, против жестокости богов. Он сломлен, но не раздавлен. Он бросает вызов богам. Ослепив себя, он уходит из Фив и скитается по Греции, стремясь очиститься от наложенного роком преступления. Ушедший из мира, старый и больной, но не сломленный нравственно Эдип достигает духовного очищения, находит последнее пристанище в предместье Афин Колоне, становится героем-покровителем Колона. Эдип силой своего страдания сумел преодолеть тяжелые удары судьбы, намеченной богами, и тем победил их. Софокл утверждает идею всемогущества человека, беспредельности его сил, возможности противостоять неотвратимой судьбе. Центральная идея трагедии выражена им в прекрасных стихах:

Много в природе дивных сил,

Но сильней человека -- нет.

Он под вьюги мятежный вой

Смело за море держит путь:

Кругом вздымаются волны --

Под ними струг плывет...

И беззаботных стаи птиц,

И породы зверей лесных,

И подводное племя рыб

Власти он подчинил своей.

Поставленная Софоклом проблема места человека в мире и обществе станет вечной темой всего мирового искусства. В творчестве Еврипида с Саламина (480--406 гг. до н. э.) греческая драма обогатилась новыми достижениями. Наиболее прославленной пьесой Еврипида, в которой отразилось его новаторство, является знаменитая «Медея», поставленная в 431 г. до н. э. В пьесе речь идет о страшной мести Медеи, дочери колхидского царя, которую предводитель аргонавтов Ясон увез из Колхиды в Грецию и здесь бросил на произвол судьбы, вступив в выгодный брак с дочерью коринфского царя. Оскорбленная до глубины души вероломством Ясона, которому она помогла добыть золотое руно, которого спасла от гибели ценой смерти своего брата, ради него оставила свою страну, Медея вынашивает планы жестокой мести. Совершенно неожиданно для себя самой Медея приходит к мысли об убийстве своих детей от Ясона. Еврипид психологически тонко рисует страшное смятение чувств любящей матери и жестокой мстительницы. В этой пьесе Еврипид разрабатывает несколько принципиально новых художественных приемов. Образ Медеи дан в развитии -- любящая жена, нежная мать превращается в ненавидящую своего мужа женщину и убийцу своих собственных детей. Человек у Еврипида меняется внутренне, его раздираемая противоречивыми страстями душа страдает, и какая из этих страстей одержит верх, к каким страшным последствиям это приведет, человек и сам не знает. Непредсказуемый результат борьбы страстей в душе человека и есть его судьба. В творчестве Еврипида получила разработку замечательная художественная идея об исследовании внутреннего мира человека, бушующих там низменных и высоких страстях.

Подобная трактовка образов стала художественным открытием Еврипида и оказала огромное воздействие на последующие судьбы греческой и мировой литературы. Неудивительно, что сохранилось 18 пьес Еврипида (из 92), т. е. больше, чем пьес Эсхила и Софокла вместе взятых. Художественный метод Еврипида оказал влияние на Шекспира, в театрах нашего времени ставится его бессмертная «Медея», а бушующая буря противоречивых страстей главной героини и сейчас потрясает своей художественной правдой.

В целом творчество афинских трагиков V в. до н. э. стало замечательным художественным открытием древнего мира, определило многие направления дальнейшего движения мировой литературы.

Большой популярностью пользовался и жанр комедии. Комедия родилась из непринужденных, иногда очень вольных карнавальных песен и плясок во время веселых сельских праздников в честь бога Диониса -- сельских Дионисий. Наиболее благоприятные условия для создания комедий сложились в демократических Афинах, где допускалась большая свобода критики как отдельных лиц, так и законов и учреждений. К тому же публичный характер заседаний Народного собрания, Совета 500, коллегий должностных лиц давал авторам комедий богатый материал. Так как во второй половине V в. до н. э. политические проблемы стали центральными в общественной жизни афинского государства, активно и открыто обсуждались широкими массами гражданства, то в ранних афинских комедиях стали преобладать политические сюжеты.

Политическая комедия достигла своего высшего расцвета в творчестве великого афинского драматурга Аристофана (445-- 388 гг. до н. э.). Сохранилось 11 комедий, в которых он дает описание самых различных слоев населения, поднимает многие злободневные проблемы афинского общества: отношение к союзникам, вопросы войны и мира, коррупции должностных лиц и бездарности полководцев. Он высмеивает глупость некоторых решений народных собраний, краснобаев-софистов и философа Сократа, заседательскую суету и любовь к сутяжничеству, говорит о неравномерном распределении богатств и трудной жизни афинских земледельцев. Аристофан не ставил в своих комедиях глубоких философских вопросов, как великие трагики, но зато он дал реалистическое описание многих сторон афинской жизни, его комедии являются ценным историческим источником эпохи. В своих пьесах Аристофан разработал множество остроумных комедийных ситуаций, которые стали широко использоваться последующими комедиографами вплоть до настоящего времени. Комедии Аристофана написаны сочным образным языком.

Трагедии и комедии принадлежали к поэтическим жанрам литературы. Прозаические произведения создавались историками, авторами монументальных повествований. Сама история в отличие от современного понимания ее как научной дисциплины в древности рассматривалась как художественное повествование. Прекрасными образцами греческой прозы V--IV вв. до н. э. стали исторические сочинения Геродота, Фукидида, Ксенофонта. Художественная проза представлена также речами афинских ораторов, особенно Исократа, Демосфена, философскими работами Платона и Аристотеля, которые придавали большое значение литературной отделке своих произведений.

«Анакреонтика» 18 - 19 вв. вдохновлялась именно этим поздно-античным сборником, и он послужил источником многочисленных русских переводов «из Анакреонта» (Пушкин: «Узнаю коней ретивых»).

Ивик (вторая половина 6 в.) – уроженец италийского города Регия. Был знатного рода, но предпочёл жизнь странствующего поэта. Был убит разбойниками во время поездки в Коринф, откуда возникла легенда об «ивиковых журавлях» (прежде, чем его убили, Ивик успел призвать в свидетели своей гибели пролетавших мимо журавлей. Эти же журавли появились в небе во время праздника в Коринфе, и один из зрителей выдал себя, обратившись к товарищу: «Вот они, мстители за Ивика!». «Ивиковы журавли» стали пословицей, применяемой к случаям, когда преступление раскрывается благодаря божественному вмешательству). Доводит гимн до восхваления чисто человеческих качеств, до энкомии. Гимны Ивика были любовного содержания, склонность к эпическим мотивам.

Стесихор (7-6 в. до н.э.) – сицилиец. Писал гимны, буколические (пастушеские) и эротические произведения. Главной областью его творчества являются героические гимны. О «Елене» существует легенда о том, что Стесихор сначала изобразил её в дурном свете, и ослеп, а потом придумал версию, что был похищен призрак Елены, а не она сама, и после этого прозрел. Ввёл в лирику триаду – строфа, антистрофа, эпод. Самый большой отрывок – в шесть стихов – о золотой чаше, в которой Солнце переплывает ночью через океан. Позднейшие критики сопоставляли его с Гомером.

Ранние формы торжественной мелики (Арион, Лас Гермионский). Торжественная хоровая мелика: Симонид Кеосский. Греческие поэтессы.

Хоровая торжественная мелика была связана с культами/праздниками. При храмах создавались хоры, воспевающие культы.

Лас Гермионский (6 в.) – дифирамбист (дифирамб, культовой гимн в честь Диониса). Допускал резкий переход от одной темы к другой; приписывается первое сочинение по греческой музыке. Основой дифирамбов становятся мифы о богах и героях.

Симонид Кеосский (вторая половина 6 – первая половина 5 в. до н.э.) – сначала был предводителем хора на Кеосе на праздниках Аполлона. Жил при дворе различных сицилийских тиранов. Воспевал их и героические события. Кроме этого воспевал и простых людей, особенно победителей на состязаниях. Особая философия, основанная на жалости и сострадании к слабому человеку. Похоронные плачи отличались естественностью и реализмом. Надгробные эпиграммы. Развивает мысль о сходстве жизни с вечной сменой листвы на деревьях. Писал так же о том, что человек не может быть уверен в завтрашнем дне.

Фантасия - легендарная древнегреческая поэтесса времён Троянской войны. Ей приписывались поэмы о Троянской войне и возвращении Одиссея на Итаку, из которых Гомер, якобы, составил свой эпос, когда посетил Мемфис, где жила Фантасия.

Сапфо (7-6 в. до н.э.) – аристократка; по возвращении на Лесбос открыла школу для обучения девушек наукам и музыке. Основной темой является любовь. Симфония чувств и ощущений. Другая основная тема – природа, которая также пронизана эротическими настроениями. Любовь для неё и горька и сладка. Писала Сапфо и гимны, из которых сохранился гимн к Афродите, где она просит богиню сжалиться над ней. В гимнах больше реализма. Песни к подругам – темой является совместная жизнь и работа в школе, взаимная любовь, ненависть и ревность. Утончённая чувственность.

Коринна – писала на беотийском наречии и на основах местных мифов.

Праксилла (середина 5 в. до н.э.) – дифирамбы в честь Адониса.

Торжественная хоровая мелика: Пиндар и Вакхилид. Особенности жанра эпиникий в их творчестве.

Пиндар (5 в. до н.э.) – родился около Фив. Получил музыкальное образование. Много путешествовал, пользовался небывалой славой, его цитировал Геродот. Все его эпиникии являются восхвалением победителей на состязаниях, главным образом правителей, но так же и обычных граждан. Все эти оды писались по заказу, тем не менее не содержат никакой лести. Восхваляются слава, богатство, здоровье, сила, удача, жизненная энергия. Но без фанатизма.

Вакхилид (5-в до н.э.) – племянник Симонида Кеосского. Восхваление знаменитого афинского героя Тезея, дифирамб «Тезей» как зачатки драмы. Изображается ожидание Эгеем и народом приближающегося сына. Дионисийское волнение хора украшается мифом и видением, данным в рассказе Эгея. Неизменно стремится фиксировать детали. Несколько более заметный пессимизм. Божество у него даёт счастье в удел немногим. Идеал счастья – жизнь, свободная от тревог и волнений. Прогрессируют демократические тенденции.

Классический (аттический) период древнегреческой литературы. Общая характеристика исторической и культурной ситуации. Рождение новых жанров.

Греческое рабовладельческое общество переживает в 5 в. до н.э. период своего наивысшего расцвета - экономического, политического, художественного. Расцвет этот неразрывно связан с последовавшим за греко-персидскими войнами возвышением Афин и развитием афинской демократии.

Афины были рабовладельческой демократией; «равноправие» афинских граждан возможно было лишь в силу того, что от пользования благами демократии были устранены лишенные гражданских прав элементы, рабы,* составлявшие в действительности большинство населения.

Возвышение и кризис афинской демократии сопровождались заметными переломами в общественном сознании. Строго охраняя основы полисной жизни, афинская демократия отличалась известным религиозным консерватизмом. Радикальные идеи ионийской философии очень медленно проникали в Афины, и у аттических писателей эпохи роста демократии божественное управление миром не вызывает еще ни малейшего сомнения. Однако религиозные представления принимают у них все более и более отвлеченный характер. Божество теряет свою сверхъестественность, растворяется в природе и обществе.

4 в. до н.э. – распад полисов. Время преобладания прозаических жанров. В условиях сицилийской и афинской демократии широко развивается красноречие - судебное, политическое и так называемое «торжественное», т. е. речи на публичных собраниях во время праздников, поминок, пиров. Старая полисная культура требовала знания мифов и традиций; новая, подготовленная софистикой культура, отвергая значительную часть этих традиций, основана на теоретическом знакомстве с вопросами нравственности и государства и требует умения красиво и убедительно излагать свои мысли. Эта потребность вызывает к жизни новую дисциплину, риторику.

Развитие театральных жанров – драмы, комедии, трагедии.

Возникновение древнегреческой драмы. Виды драмы. Устройство древнегреческого театра и организация представлений.

Зарождение драмы – 6 в. до н.э., область Аттики. Обязательны диалог + сценическое движение. Основной элемент – хор исполняемый под аккомпанемент флейты. Драма, как сложный социальный процесс уходит корнями в культ Диониса. Диалог между хором и корифеем, облачённым в маску и костюм бога, а хор – в сатиров. Мистерии, изображающие мифы, например, похищение у Деметры её дочери, Персефоны.

трагедия – песня сатиров, спутников Диониса.

комедия – песня весёлого сельского шествия в честь Диониса.

Театральное представление – обязательная программа празднества. Греческие трагедии и комедии представляли зрителям в форме состязания трагических поэтов. Они подавали заявку, после выбирали 3-х наиболее достойных, им выдавался хор. В рамках трагедии – монолог и незначительный диалог с хором. Судит специальная коллегия из 10 человек, афинских граждан. Награда – венок из священного дерева или растения, в честь которого праздник (в Дионисиях – плющ). Результаты выбивались на большой каменной стеле.

Каждый трагический поэт состязался тетралогией (четыре драмы, связанные общим сюжетом), в неё входили одна трилогия + сатирова драма. Впоследствии драматические состязания не связываются друг с другом. Трилогия давала рассмотреть историю поколений. В основе – мифологический сюжет, связанный с социальной или политической обстановкой.

Театр состоял из трёх частей: орхестры для хора с жертвенником Дионису посередине, мест для зрителей, в первом ряду которых было кресло для жреца Диониса, и скены, строения позади орхестры, где переодевались актёры + деревянная стенка с декорациями. Не было потолка, искусственного освещения – состязание длилось, пока был солнечный свет. Не было занавеса. Каждый актёр исполнял несколько ролей. Сцен убийств не было. В роли трупа – соломенный мешок, укрытый плащом. Один полухор поддерживал героя, другой – противника. Хор всегда статичен.

Действие комедии – улица, трагедии – храм или дворец, драмы – луг, вход в пещеру.

Происхождение и структура древнегреческой трагедии. Первые трагические поэты. Сатирова драма. Аристотель о происхождении трагедии («Поэтика»).

Однако, если аттическая трагедия и развилась на основе фольклорной игры пелопоннесских «козлов» и дифирамба арионовского типа, все же решающим моментом для возникновения ее было перерастание «страстей» в нравственную проблему. Рост социального значения отдельной личности в жизни полиса и повысившийся интерес к ее художественному изображению приводят к тому, что в дальнейшем развитии трагедии роль хора уменьшается, вырастает значение актера и увеличивается число актеров; но остается неизменной самая двусоставность, наличие хоровых партий и партий актера.

Антрактов в современном смысле слова в аттической трагедии не было. Игра шла непрерывно, и хор почти никогда не покидал места игры во время действия. Необходимыми составными частями аттической трагедии являются «страдание», сообщение вестника, плач хора. Катастрофальный конец для нее нисколько не обязателен; многие трагедии имели примирительный исход.

Античная сатирова драма была, как мы уже говорили, драмой тела и телесной жизни.

Первые трагические поэты: Эсхил, Софокл, Еврипид.

Аристотель о происхождении трагедии: «трагедия есть подражание действию важному и законченному, имеющему определённый объём, при помощи речи, в каждой из своих частей различно украшенной; посредством действия, а не рассказа совершающее, путём страдания и страха, очищение подобных аффектов».

Эсхил – «отец трагедии». Этапы творчества Эсхила. Религиозные и нравственные взгляды Эсхила. Драматические особенности трагедий Эсхила. Язык и стиль Эсхила.

Раскрыл с помощью мифологических образов историческое содержание того переворота, современником которого он являлся, - возникновения демократического государства из родового общества.

Родился в 525/4 г. в Элевсине и происходил из знатного землевладельческого рода. Из трагедий видно, что поэт являлся сторонником демократического государства, хотя и принадлежал к консервативной группировке внутри демократии.

Три этапа в творчестве Эсхила, которые вместе с тем являются этапами становления трагедии как драматического жанра: «Персы», ранняя трагедия, характерны преобладание хоровых партий, слабое развитие диалога, отвлеченность образов.

К среднему периоду относятся такие произведения, как «Семеро против Фив» и «Прикованный Прометей». Появляется центральный образ героя, охарактеризованный несколькими основными чертами; получает большее развитие диалог; более четкими становятся и образы эпизодических фигур.

Третий этап представлен «Орестеей», с ее более сложной композицией, нарастанием драматизма, многочисленными второстепенными образами и использованием трех актеров.

Элементы традиционного мировоззрения тесно переплетаются с установками, порожденными демократической государственностью. Он верит в реальное существование божественных сил, воздействующих на человека и зачастую коварно расставляющих ему сети, придерживается даже старинного представления о наследственной родовой ответственности. С другой стороны, боги Эсхила становятся блюстителями правовых основ нового государственного устройства, и он усиленно выдвигает момент личной ответственности человека за свободно выбранное им поведение. В связи с этим традиционные религиозные представления модернизируются. Соотношение между божественным воздействием и сознательным поведением людей, смысл путей и целей этого воздействия, вопрос об его справедливости и благости составляют основную проблематику Эсхила, которую он развертывает на изображении человеческой судьбы и человеческого страдания. Материалом для Эсхила служат героические сказания. Однако заимствуя сюжеты из эпоса, Эсхил не только драматизирует сказания, но и переосмысляет их, пронизывает своей проблематикой.

Власть денег, бесчеловечное отношение к рабам, захватнические войны - все это встречает безусловное осуждение, суровое миросозерцание которого основано на глубоком сочувствии к человеческому страданию.

Свойственны известная торжественность и величавость, особенно в лирических частях. Торжественный, «дифирамбический» стиль Эсхила и малая динамичность его пьес казались уже в конце V в. несколько архаическими. Из образов, созданных Эсхилом, наибольшее значение имел Прометей. Мощь и величие трагедий Эсхила получили должную оценку лишь с конца XVIII в.; однако буржуазные исследователи и поныне искажают образ основоположника трагедии, подчеркивая исключительно консервативную, религиозно-мифологическую сторону его творчества и игнорируя его глубоко прогрессивную сущность.

Софокл – основные этапы творчества. Театральные реформы Софокла. Религиозно-нравственные и политические взгляды Софокла. Особенности языка и стиля Софокла.

Этапы: Троянский миф («Аякс»), Фиванский цикл («Антигона», «Царь Эдип»), мифы о Геракле.

Второй великий трагический поэт Афин V в. до н.э. Родиной Софокла был Колон, предместье Афин. По происхождению Софокл принадлежал к состоятельным кругам. До конца жизни держался лишь умеренно-демократических взглядов. Софистическое свободомыслие почти не затронуло Софокла: он верил в оракулы и в чудесные исцеления. Уважение к полисной религии и морали и вместе с тем вера в человека и его силы - основные черты мировоззрения Софокла. Поэт был любимцем современников; после смерти он был причислен к лику «героев».

Проблемы, волнующие Софокла, связаны с судьбой индивида, а не с судьбой рода. Выступая с тремя трагедиями, он делает каждую из них самостоятельным художественным целым, заключающим в себе всю свою проблематику. Изображая величие человека, богатство его умственных и нравственных сил, Софокл вместе с тем рисует его бессилие, ограниченность человеческих возможностей.

Другое значительное драматургическое новшество Софокла - допущение третьего актера. Сцены с одновременным участием трех актеров позволяли разнообразить действие введением второстепенных лиц и не только противопоставлять непосредственных противников, но и показывать различные линии поведения в одном и том же конфликте.

Драмы Софокла обычно строятся таким образом, что герой уже в первых сценах выступает с твердым решением, с планом действия, определяющим весь дальнейший ход пьесы. Этой экспозиционной цели служат прологи; пролог к «Антигоне» содержит и другую черту, очень частую у Софокла, - противопоставление суровых и мягких характеров: непреклонной Антигоне противопоставляется робкая Исмена, сочувствующая сестре, но не решающаяся действовать вместе с ней.

Софокл очень часто удовлетворяется убеждением, что боги справедливы, какими бы непонятными ни оставались их действия. Изображая жестокую судьбу Эдипа, он избегает постановки вопросов, которые могли бы смутить веру в правоту богов. Это связано также и с тем, что Софокл в своих поздних трагедиях уже является защитником полисной старины. Уделяет большое внимание женским образам.

Язык был приближён к разговорной речи. Приёмы стихомифии (перебрасывание репликами между героями, перебивающими друг друга). Много внимания по-прежнему уделялось диалогам.

Еврипид – «философ на сцене». Новый тип трагедии. Социальные и религиозно-нравственные взгляды Еврипида. Миф в творчестве Еврипида. Язык и стиль Еврипида.

480-406 г. До н.э. Знатное происхождение; беседовал с философами и математиками. В конце жизни перебрался в Македонию. Его трагедии очень любила римская аристократия.

Идея прославления Афин, «идеального города», и тема войны, хотя он был пацифистом; тема самопожертвования, единственный вид войны – оборона.

Называли «философом на сцене», презрительно.

Хор перестаёт быть действующим лицом, становится фоном для действия. Всё внимание сосредотачивается на актёрах. Выводится любовная тематика как основа сюжета; семейная/бытовая тема. Современники называют его женоненавистником за излишнюю жестокость в трагедиях.

Сложная интрига, разрешаемая при помощи героя или божества (приёмы «бог из машины», поднимая актёра на подъёмнике). За основу брал редкие, малоизвестные версии мифов. Своеобразная трактовка прологов: максимально подробно и быстро ввести зрителей в курс дела. Чаще всего о сюжете рассказывал герой или божество.

Конфликт богов и героев/людей; зависть или гнев богов, от которых возникает масса проблем, нередко влекущих за собой гибель.

Новый тип женской героини: любящей, но и мстительной. На образы богов переносили психологию человека со всеми недостатками, как приём снижения, к которому зрители не испытывали симпатии.

Язык и стиль:

знание риторики, красноречие, споры в сценах диалогов.

чередование реплик, «перебивание».

вестник или гонец, его монолог, максимально приближённый к разговорной речи, с эпическими намёками.

тематика: морально-этические проблемы, философские рассуждения.

Периодизация древнегреческой комедии. Происхождение и структура древнегреческой комедии. Первые комические поэты.

староаттическая (древняя) комедия – 2 половина 5 в. до н.э.

среднеаттическая – середина 4 в. до н.э.

новоаттическая – конец 4 в. до н.э. – 3 и 2 в. до н.э.

Состязания «комедийных хоров» были установлены на «Великих Дионисиях» только около 488 - 486 гг. До этого комедия входила в состав Дионисовых празднеств лишь как народная обрядовая игра, и государство не брало на себя ее устройства.

«Древняя» аттическая комедия представляет собой нечто исключительно своеобразное Архаические и грубые игры празднеств плодородия причудливо сплетены в ней с постановкой самых сложных социальных и культурных проблем, стоявших перед греческим обществом.

Построение на осмеянии. Характерны резкая критика современных событий, ярко выраженный политический характер, лица современников (реальных) в фарсовом виде, но сюжет чаще всего фантастический. Ее объект - не мифологическое прошлое, а живая современность, текущие, иногда даже злободневные, вопросы политической и культурной жизни.

Начинается с пролога; парод (вступительная песня хора, обозначающая действие в комедии в роли птиц, зверей); агон (конфликт между главным героем и его соперником, заканчивающийся моральной победой героя); эписодий (отстаивание правды при помощи драки); эксод (заключительная песня хора).

Первые комические поэты: сицилийские мимы Софрона и Ксенарха (5 в. до н.э.); Эпихарм (520-500 г. До н.э.) ввёл в комедию фабулу; Аристофан (450-390 г. До н.э.).

Аристофан – представитель древней комедии. Этапы творчества Аристофана. Социально-политические взгляды Аристофана. Язык и стиль его комедий.

425-421 г. До н.э. – «Облака», «Мир». Совпадает с первой войной между Афинами и Спартой, отсюда – прославление Афин, надежды на союз.

414-405 г. До н.э. – победа Спарты. «Птицы», «Лягушки», «Лисистрата». Почти исчезают персональные нападки на политиков и военных; проблемы мира, литературы; большое количество пародий на трагедии и Еврипида.

390-388 г. До н.э. – «Женщины в народном собрании». Переход от политики к бытовой тематике. Фантастический аспект.

Он нередко высмеивает модных лирических поэтов. В его комедии отражены самые разнообразные слои общества, мужчины и женщины, государственные деятели и полководцы, поэты и философы, крестьяне, городские обыватели и рабы; карикатурные типические маски получают характер четких, обобщающих образов.

Впервые поднимается вопрос о смысле творчества. Сам себя Аристофан называл очистителем и критиком. Средство воздействия: смесь серьёзности и шутки, высказывание правды. Идеализация – эпоха марафонских героев. Положительные идеалы – в деревнях. Все новые школы называл сборищем шарлатанов; отрицательно относился к городской культуре.

Язык и стиль:

Воспроизведение стилей трагедии, лирики, пародии на оракулов и юридическую терминологию, декламации софистов, публичные выступления и дебаты. Коверкание речи + выдумывание новых слов или скороговорок.

Язык – образец аттической речи. В хоре – подражание животным.

Эстетические законы творчества Аристофана. Идеальный образ трагического поэта («Лягушки»). Еврипид и Аристофан.

Литературно-эстетические взгляды Аристофана выражены главным образом в комедиях «Лягушки» и «Женщины на празднике Фесмофорий», где он сопоставляет стиль Еврипида, представляющийся ему субъективистским и декламационным, с древним торжественным стилем Эсхила, и отдаёт предпочтение последнему.

В религиозных взглядах весьма принципиален, но это не мешало ему выводить богов в смешном, даже шутовском виде, давать карикатуру на молитву и пророчества.

В «Лягушках» Еврипид изображён в виде сентиментального, изнеженного, антипатриотически настроенного поэта. Эсхил – поэт высокой и героической морали, серьёзного, глубокого и стойкого патриота. Стихи трагиков взвешиваются на весах, стихи Эсхила оказываются солидными, вескими, а лёгкие стихи Еврипида подскакивают вверх. У Еврипида – личное, бытовое, у Эсхила – вечное. А цель трагического искусства – сделать его бессмертным + моральное воспитание.

Борьба трагиков носит политический характер: здесь оправдывается прежний крепкий политический строй и осуждается современная, разбогатевшая, но весьма жалкая демократия.

Философская проза: Аристотель. Литературная теория Аристотеля.

Аристотель из города Стагиры (384-322 г. До н.э.), воспитатель Александра Македонского, ученик Платона.

Выступил против основных принципов идеалистической философии своего учителя: прежде всего, он отрицал наличие двух миров, мира идей и мира вещей, считая, что существует лишь один мир – материальный.

Наряду с материалистическими принципами, ему не чужды идеалистические взгляды: он признаёт чистую форму без содержания.

В своём трактате «Поэтика» ставит вопрос о сущности красоты. Отталкивается от этического понимания красоты, и видит прекрасное в самой форме вещей и их расположении. Считал искусство творческим подражанием природе, что искусство помогает людям познать жизнь. По его мнению, задача поэта – «говорить не о действительно случившемся, но о том, что могло бы случиться, следовательно, о возможном – по вероятности или необходимости». Считал, что поэзия философичнее и серьёзнее истории. Поэзия и выдвигается на первый план из всех видов искусств, а из форм поэзии выше всего ставится трагедия.

Образцом трагического характера является образ Эдипа Софокла. Аристотель настаивал на единстве действия, требовал лишь изображения людей, благородных по образу мыслей, по поведению, а не происхождению.

Проблема катарсиса:

этическая – очищение человека от пороков.

эстетическая – соединение музыкального ритма, гармонии достигается в человеке чувство страха или сострадания, понятие справедливости.

катарсис – высшая эмоциональная точка, как следствие сострадания происходящему.

религиозная.

Эстетические взгляды Платона.

427-347 г. До н.э.

Происходил из старинного аристократического рода. В молодости был драматургом, музыкантом, живописцем, атлетом. Однако все эти занятия прекратились после встречи с Сократом. А его смерть так подействовала на Платона, что Сократ стал постоянным героем почти всех его сочинений.

Основал в Афинах Академию, где провёл всю свою жизнь, обучая философии.

По учению Платона, существует мир вечных, неизменных идей. Материальный мир никак не может быть совершенным. Отсюда вытекает эстетика. Если материальный мир есть только отражение мира идеального, а художник и поэт в своих произведениях стремятся подражать окружающему миру, его мастерство ложное, является только бледной копией высших идей. Такого рода искусство не может существовать в идеальном обществе, а потому даже Гомер должен быть изгнан из стен города, которым управляют философы.

Для Платона высшим воплощением красоты является соразмерный, гармоничный космос.

Диалоги Платона – своеобразные драматические сцены. Драма человеческой мысли, т.к. поиски истины не менее драматичны, чем события жизни.

Диалог «Пир» состоит из пиршественных речей, каждая из которых посвящена определению эроса. Часто использует мифы, созданные им самим.

Греческая историография. «История» Геродота – тема, композиция, особенности стиля. Новелла Геродота.

«Отцом истории» древние называли Геродота из Галикарнасса (484-426г. До н.э.). Жизнь и творчество проходили в годы после великих побед греков над персами, в годы блестящих достижений афинской культуры.

Геродот – горячий патриот Афин; много путешествовал в Средиземноморье, глубоко изучал Египет, Скифию. Труды Геродота разделены на девять книг, названных именами муз.

Композиция «Истории» напоминает эпическую поэму в прозе. Как основная тема взята героическая борьба греков с персами; особенно сильно звучит в этой теме прогрессивная мысль о превосходстве греков – воинов-патриотов, прекрасно обученных гимнастике и военному делу, - над полчищами персов, гонимых бичами.

Наряду с научными наблюдениями и географическими описаниями есть много легендарно-мифологических сказаний, идущих от древних историков. Много народных сказок-новелл придают истории литературно-художественную специфику. Вводится драматизм, если повествуется о знаменитых людях древности (Солон, Поликрат). При этом Геродот проводит основную идею – судьба и боги жестоко карают «гордого» человека, есть суровый закон о превратности жизни.

Вторая книга «Истории» посвящена описанию того, что он видел и слышал во время своего путешествия по Египту. Он поражён мощью и красотой Нила. Богатейший материал о сооружениях египтян, о законах, обычаях, растениях и животных, о папирусах, даже о нравах. Жизнь племён и героев, полумифические сказания.

В творчестве Геродота имелись характерные для эпохи рационалистические черты. Материал о жизни скифов дают главы третьей книги.

Греческая историография. «История» Фукидида – тема, особенности композиции и стиля. Функции речей.

460-396 г. До н.э. Родился в Аттике, принадлежал к знатному и богатому роду. Принимал участие в Пелопонесской войне. Был избран стратегом, но вовремя не оказал помощи городу Амфиполю, был обвинён в государственной измене и около двадцати лет провёл в изгнании.

Искренний патриот афинской демократии, высоко ценил Перикла, прославлял культуру Афин. В политических взглядах и в его концепции исторического процесса сказывается эпоха Перикла с её высоким уровнем науки, искусства, и философии, эпоха рационалистической критики мифов и развития софистических школ. Фукидид стремился к систематической критической проверке источников и выяснению причинности, закономерности событий. Интересы его лежали в современности. Обзор предшествующих периодов служит у него целям анализа и показа особенностей современных ему событий Пелопонесской войны.