Wie man lernt, lesen und schreiben zu können. So verbessern Sie Ihre Russischkenntnisse: Tipps und Hilfsdienste, Ihr Nachschlagewerk. Worauf man sich konzentrieren sollte

Für Adamovichs Werk wurde die Bekanntschaft in den frühen 1910er Jahren entscheidend. mit den St. Petersburger Dichtern Nikolai Gumilev, Anna Akhmatova und Osip Mandelstam – den Schöpfern davon poetische Bewegung, als Akmeismus und mit dem „Junior-Acmeisten“ Georgy Ivanov. Anfang 1914 wurde der junge Dichter von Gumilyov und Sergei Gorodetsky in die Akmeistische Dichterwerkstatt aufgenommen. Engagement dafür literarische Gesellschaft Adamovich behielt es später bei: 1914 beteiligte er sich an der Gründung der Zweiten Dichterwerkstatt und ab 1921 wurde er zu einem unverzichtbaren Teilnehmer an den Treffen der Dritten Werkstatt. Unmittelbar nach seiner Emigration nach Deutschland Anfang 1923 (im Herbst desselben Jahres zog er nach Paris) las er beim Workshop-Abend in Berlin einen Bericht über moderne russische Poesie.

In den akmeistischen Manifesten wurde Adamovich vor allem von der Betonung des Klassizismus, der Forderung nach emotionaler Zurückhaltung und der Verfeinerung poetischer Formen angezogen. Adamovich war bereits ein anerkannter Dichter und Teilnehmer des Dritten Workshops und erklärte seine Position als ausgesprochen antiromantisch: „Mit Pathos neue Poesie Es muss eine Beseitigung der Romantik geben.“ Er erklärte: „Die Linien der Kunst, die morgen sein sollten, zeichnen sich in der Ferne ab: Es ist nicht einfach, sie in wenigen Worten zu definieren, aber es genügt zu sagen, dass ihre Tonalität die Sättigung des Lärms und die Vielfalt des 19. und frühen 20. Jahrhunderts ist.“ Jahrhunderte, eine Reaktion gegen die Romantik<…>. Wer mit der Entwicklung von Poesieformen vertraut ist, wird verstehen, welche theoretischen Anforderungen dieser „Neoklassizismus“ stellt“ (zitiert aus dem Artikel: Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Poesie von Georgy Adamovich) // Adamovich G. Komplette Sammlung Gedichte. S. 22).

Adamovich begann zweifellos mit dem Erbe des Symbolismus und „distanzierte sich“ davon und wich entschieden vom Futurismus ab, auf dessen romantische Wurzeln sowohl er selbst als auch beispielsweise Osip Mandelstam hingewiesen hatten (siehe Beobachtungen zu diesem Thema im Artikel von O.A. Korostelev, S. 21). Allerdings Minimalismus künstlerische Mittel, zu dem er rief, unterschied ihn sowohl vom klugen Neoromantiker – dem Akmeisten Gumilyov, als auch von einem anderen Akmeisten – vom Meister der poetischen Assoziationen und versteckte Zitate Mandelstam.

Später, bereits im Exil, verkündete Georgi Adamowitsch die Entstehung einer neuen poetischen Bewegung namens „Pariser Note“. Nach den Merkmalen von O.A. Korosteleva: „Jetzt Persönlicher Anfang kommt endlich zum Vorschein. Eine akute Angst davor, psychologisch zu verfälschen, sich der Melodie hinzugeben, nicht das zu schreiben, was ist, sondern das, was man möchte, um keine realen Erfahrungen und nicht die echten Impulse der menschlichen Seele einzufangen, sondern nur freie Fantasien zu diesem Thema oder der eigenen Zuneigung Für sie zwang die Ablehnung auch nur des kleinsten Teils ungerechtfertigter Schönheit Adamovich, jedes Wort sorgfältig abzuwägen und zu überprüfen. Dies wurde als erstes Gebot in den Kanon der „Pariser Note“ aufgenommen. Adamovich verzeihte eher eine gewisse Ungeschicklichkeit des Verses als Unaufrichtigkeit“ (Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte...“ (Gedicht von Georgy Adamovich). S. 32).

„Ökonomie der Mittel“ nannte Adamovich „den Anfang und das Ende aller Meisterschaft“ und behauptete: „Das Bild kann verworfen werden, was bedeutet, dass es verworfen werden muss.“ Das Bild ist im Wesentlichen nicht endgültig, nicht absolut. Wenn Poesie nicht aus elementarem Material, aus „Ja“ und „Nein“, aus „Weiß“ und „Schwarz“, aus „Tisch“ und „Stuhl“ ohne jegliche Verzierungen gemacht werden kann, dann kann Gott es segnen, wir können auf Poesie verzichten ! Vignetten und Bilder, allerdings aktuell eingereicht<…>Okay, wir brauchen es nicht.“ Er forderte, „alle verbalen Ausschmückungen rücksichtslos zu verwerfen und sie mit Schwefelsäure zu übergießen“ (Adamovich G.V. Comments. Washington, 1967, S. 208, 78, 105).

Die Entstehungsgeschichte von Adamovichs Gedichten ist sehr komplex. Rezensenten des letzten Buches „Unity“ definierten es anders. Für Roman Gul, der das Thema Tod als Hauptthema des Autors heraushob, „folgt die Poesie der „Einheit“ der hohen russischen lyrischen Tradition – Puschkin-Tjutschew-Baratyn“ (im Folgenden basieren Zitate aus Rezensionen des Buches). zum Kommentar von O.A. Korostelev zu „Vollständige Gedichtsammlung“, S. 319). Es ist jedoch notwendig, eine sehr unvollkommene und schlecht fokussierte Optik zu verwenden, um die Poesie von Puschkin, Tjutschew und Baratynski in dieselbe Tradition einzuordnen.

Juri Iwask wies darauf hin, dass Adamowitsch „auf seine ganz eigene Art Lermontow, Blok und Annenski sang“, wobei ersterer der bedeutendste russische Romantiker byronischer Art und letzterer der berühmteste Neoromantiker sei. Yuri Terapiano betonte, dass „‚Einheit‘ eine sehr russische Poesie sei, die organisch mit ihr verbunden sei.“ große Linie unsere Poesie“ und machte darauf aufmerksam, dass „Georgy Adamovich nicht nur Russe, sondern auch Europäer ist.“

Tatsächlich sollten die Aussagen in Adamovichs literarischen Manifesten nicht wörtlich genommen werden. Adamovichs Poesie war sowohl in der Zeit vor der Emigration als auch nach dem Verlassen seiner Heimat nicht „neoklassizistisch“, wenn wir unter „Neoklassizismus“ nicht nur „Gleichgewicht“, Zurückhaltung des Tons, sondern auch die Wahrnehmung der Welt als geordnet und harmonisch verstehen , trotz aller Tragik des Daseins. Persönlich und besonders historische Erfahrung, erworben vom Dichter seit der Revolution - der Zusammenbruch des alten, ihm vertrauten „Heimat“ Russlands und der bisherigen Lebensweise, Februar und 17. Oktober, Bürgerkrieg Bürgerkrieg, Verwüstung und Hunger, Auswanderung, Umherwandern, Unordnung – trugen in keiner Weise zu einer „hellen“ Lebenseinstellung bei. Entfremdung von der Fülle des Seins, Einsamkeit, Verzweiflung, akute Erfahrung der Sterblichkeit – das sind die Gefühle, die zu den Motiven von Adamovichs Gedichten wurden, und diese Motive können mit hinreichendem Grund als romantisch bezeichnet werden. Es ist kein Zufall, dass Adamovichs Texte viele Reminiszenzen an Lermontovs Gedichte enthalten und einige von Adamovichs Texten als deren ursprüngliche „Halbreflexionen“ konstruiert sind. Das Thema des Unaussprechlichen, das den Autor von Unity anzog und quälte, ist eines der Schlüsselthemen der Romantik. Auch Adamovichs Kontinuität in Bezug auf die Symbolik ist unbestritten. O.A. Korostelev hat wahrscheinlich Recht, wenn er behauptet: „Adamovich hat eine höhere spezifisches Gewicht jedes Wort im Vergleich zum Wort der Symbolisten“ (O. Korostelev, „Ohne Farben und fast ohne Worte...“ (Gedicht von Georgy Adamovich). S. 37). (Obwohl es solche Waagen gibt, auf denen eine so subtile, „immaterielle“ Angelegenheit wie ein Wort gewogen werden könnte?) Es ist auch wahr, dass „Adamovich im Gegensatz zu den Symbolisten in reifen Versen<…>bemühte sich, mit dem Gedicht das Bewusstsein des Lesers neu zu orientieren. Die Funktion des „Hervorrufens“ wurde durch die Funktion des „Durchdringens“ ersetzt, d. Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Gedicht Georgy Adamovich, S. 38).

Aber selbst wenn er sich von der Symbolik distanziert, tut der Dichter dies in symbolistischer Sprache: „Ein Wort sollte zuallererst das bedeuten, was es wirklich bedeutet, und nicht das, womit der Dichter seine Bedeutung ersetzen möchte.“ Der Triumph der Poesie über „ gesunder Menschenverstand„sollte geheimnisvoll und vor den „Uneingeweihten“ verborgen sein. Sonst ist es zu billig“ (zitiert nach: Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte...“ (Gedicht von Georgy Adamovich). S. 39). Charakteristisch für den Akmeismus ist die Bestätigung der Genauigkeit des Wortgebrauchs; Auch Mandelstam schrieb darüber und sprach ironischerweise von der Erosion der Wortbedeutung bei den Symbolisten, die zur Umwandlung von Bildern in endlose Allegorien – Korrespondenzen, in „Kuscheltiere“ mit ausgeweideter Bedeutung führe. Aber das Erfordernis, dass die Poesie „geheimnisvoll“ sein und über den „gesunden Menschenverstand“ triumphieren muss, und die Erwähnung des „Uneingeweihten“, wenn auch in Anführungszeichen, sind charakteristisch für die Symbolik.

Adamovichs Poesie wird durch Gedanken über die Existenz, über Leben und Tod in ihrer Untrennbarkeit und „Nichtverschmelzung“ „verwundet“. Und das ist auch ein Erbe der Symbolik.

In gewisser Weise wandte sich Adamowitsch romantischen Themen zu, fand jedoch eine völlig neue Sprache, um sie auszudrücken.

Eine detaillierte Beschreibung von Adamovichs Texten wurde von O.A. gegeben. Korostelev: „Das Grundprinzip von Adamovichs Gedichten ist expressive Askese. Askese in allem – in der Themenwahl, Größe, Syntax, Wortschatz. Bewusste Verweigerung von Dekoration, von der Flucht bis zur Verarmung, von der Ungeschicklichkeit bis zum Flüstern. Alle anderen Möglichkeiten wurden als zu einfach oder unnötig, jedenfalls als unangemessen in seiner persönlichen Poesie abgelehnt: „... ich spüre den Triumph des Verrats anderer Poesie“ („Ich kenne den Wert meiner Gedichte ...“) . Solche asketische Zurückhaltung, Reinheit und „Apophatismus“ führten zu transparenten, grafischen Schwarz-Weiß-Gedichten“ (Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Gedichte von Georgy Adamovich). S. 33).

Im Allgemeinen kann man dieser Meinung nur zustimmen (zurück zu den „Slogans“ aus den Manifesten des Dichters selbst). Es sind jedoch Klarstellungen und Vorbehalte erforderlich. Erstens nicht alle Poetische Texte Adamovich (auch diejenigen, die im Buch „Unity“ enthalten sind) fallen unter diese Beschreibung. Zweitens schreckt der Dichter trotz der „Askese“ künstlerischer Mittel nicht davor zurück traditionelle Wörter und Ausdrücke - Poetismen, die bereits banal geworden sind. Ihnen schwierigere Aufgabe der Dichter - das Wort neu zu wenden, mit einer Facette, die noch niemand gesehen hat, in einen semantischen und stilistischen Zusammenbruch, ein Paradoxon, das Banale und das scharf Individuelle, Neue zu stoßen. Drittens sollte man dem Dichter selbst nicht vertrauen: In einer ganz bestimmten Hinsicht sind seine Gedichte keineswegs „schwarz und weiß“: Adamovichs Farbpalette ist viel reicher. Und schließlich findet Adamovichs Poesie ihren Atem nur in der reichen Luft der literarischen Tradition: Seine Werke haben fast immer poetische Untertöne. Darin ist er sowohl ein Erbe des Symbolismus als auch ein Anhänger des Akmeismus, dessen Streben Mandelstam „Sehnsucht nach Weltkultur“ nannte.

Eine unbestrittene Eigenschaft von Adamovichs Poesie ist die Entfernung einiger „Übergänge“, Verbindungen, semantischer Verknüpfungen; Ohne die Mitgestaltung des Lesers ist ein Verständnis nicht möglich. „Adamovich glaubte, dass das wirkungsvollste Bild nicht das ist, das im Gedicht enthalten ist, sondern dasjenige, das in der Seele der Person entsteht, die sein Gedicht liest“ (Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Poesie von Georgy Adamovich). S. 37). Es ist jedoch nicht zu übersehen, dass dieses Merkmal den Autor von Unity deutlich von den Neoklassizisten unterscheidet, die es verstanden haben poetische Formen als in sich geschlossen, vollständig, autark.

Es ist auch wahr, dass Adamovich durch den Einfluss „alltäglicher Worte“ gekennzeichnet ist und dass er darin ein Anhänger von Innokenty Annensky ist (Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Gedicht von Georgy Adamovich). P . 37). Allerdings die alltäglichen Wörter selbst moderner Leser Es war unmöglich, zu überraschen: Ein solches Vokabular findet sich in der späteren Symbolik (insbesondere bei Blok), bei den Akmeisten und natürlich bei den Futuristen. Was für den Autor von „Unity“ (wie auch für Annensky) charakteristisch ist, ist nicht die Wirkung der „alltäglichen Wörter“ selbst, sondern ihrer unerwarteten Kombination mit Wörtern, die durch die poetische Tradition geweiht sind, und im Thema – der Übergang von Alltag zu Aktuelle Fragen Sein und zurück.

O.A. Korostelev bemerkt, dass Adamovich bei dem Versuch, das Unaussprechliche auszudrücken, herausfand: „ besondere Form Ausdrucksformen des Denkens<…>. Er versuchte nicht, das Unaussprechliche zu definieren, sondern fand eine andere Technik: „um“ ihn herum zu sprechen und sich ihm ständig zu nähern verschiedene Seiten und verstummen am richtigen Platz, ohne die Grenzen zu überschreiten, die Lücken einiger Verbindungen mit Bedeutung zu füllen Logikschaltung"(Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte …“ (Gedicht von Georgy Adamovich). S. 40-41). Bei der Entwicklung dieser Idee schreibt der Forscher: „Adamovich war in erster Linie daran interessiert.“ innere Rede„, gerade noch entstehend, fast nicht zu Worten geformt, diese „Musik“, die die Seele des Dichters manchmal einfängt und sich über den Alltagszustand erhebt“ (Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Gedicht von Georgy Adamovich) . S. 49 ). Und das ist zweifellos wahr.

Adamovich hat sein eigenes, besonderes poetische Syntax: „Gumilev sprach über Achmatowas „kurzen Atem“. Adamovichs ist sogar noch kürzer. Seine Gedichte sind im wahrsten Sinne des Wortes mit Punkten und Ellipsen übersät. Lücken dazwischen Referenzwörter haben noch mehr zugenommen, und diese Lücken und Lücken in der Poesie werden mit nichts gefüllt, weil sie vom Bewusstsein des Lesers gefüllt werden sollen.<…>Es besteht einfach keine Notwendigkeit, einen Teil des Satzes in eine andere Zeile zu verschieben, diese Sätze sind so kurz“ (O. Korostelev. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Gedicht von Georgy Adamovich). S. 50). Das stimmt natürlich auch, allerdings mit einer kleinen Klarstellung. Intonation und semantische Pausen sowie die Verpflichtung des Dichters zu kurzen, sogar ultrakurzen Sätzen prägen sich im Gedächtnis des Lesers ein, sind aber nicht für alle Gedichte Adamovichs charakteristisch. Gleichzeitig beschließt der Dichter jedoch in manchen Fällen sogar, die syntaktischen Strukturen im Text zu zerstören.

In Adamovichs Texten erfuhr das für diese Art der verbalen Kunst zumindest seit der Romantik traditionelle Bild eine Metamorphose – lyrischer Held. „Indem er die Gedichte konsequent von allem befreite, was weggeworfen werden könnte, schloss Adamovich nicht nur überflüssige Charaktere aus, sondern entfernte auch sorgfältig die Merkmale einer Privatperson durch den Autor. Das Bild des Autors verschwand fast vollständig aus den Gedichten und verschmolz mit dem lyrischen Helden und zugleich mit dem Leser. Dabei spielt es keine Rolle, ob der Autor den Leser, den Gesprächspartner oder sich selbst in der dritten oder zweiten Person anspricht. Jedes „Ich“ sowie jedes „Du“ und „Er“ richten sich gleichermaßen an sich selbst, an den Gesprächspartner, an jede Person im Allgemeinen, sie sind gleich groß und bezeichnen eine Person auf der Ebene, auf der die Unterschiede zwischen Menschen unbedeutend werden . Ein solches Gedicht mit seiner Konversationsintonation beginnt zu ähneln meditative Übung und richtet sich nicht an irgendjemanden, sondern an alle, also an alle, die es nutzen wollen und können. Der Leser wird unwillkürlich Schauspieler, ein lyrischer Held und teilweise der Autor dieser Gedichte, denn sie können nicht gelesen werden, ohne gleichzeitig ihren Inhalt zu erleben“ (Korostelev O. „Ohne Farben und fast ohne Worte ...“ (Gedichte von Georgy Adamovich). S. 52).

Streng genommen gibt es in Adamovichs Gedichten keinen lyrischen Helden als solchen. Und meist gibt es entweder eine Reihe von Gedanken über das Leben und die Existenz des „Ich“ oder eine Fixierung von Eindrücken oder eine distanzierte Beschreibung dieses „Ich“, als Anderer, als Person im Allgemeinen.

Wenden wir uns den Werken von Adamovich zu.

Hier ist ein Gedicht - ein Beispiel aus relativ frühe Liedtexte(es wurde 1919 veröffentlicht), noch ohne „expressive Askese“ und Techniken, die ein Gefühl des „Flüsterns“ erzeugen:

Wie kalt es auf dem Feld ist, wie kahl,

Und wie traurig die Augen sind

Arme russische Dörfer

(Besonders abends).

Hütte unter einer Birke. Sumpf,

Bäche entlang schwarzer Hänge.

Es macht keinen Spaß, hier zu leben, aber jemand

Es sagt mir auf jeden Fall immer wieder – live!

Wochen und Winter und Jahre,

Um deine Tränen zu weinen

Und von der Natur lernen

Ihre Gleichgültigkeit gegenüber dem Schicksal.

Adamovich hat weder Angst vor der hoffnungslos heruntergekommenen Poetik der „Augen“ noch vor dem abgenutzten Motiv von Tränen und Weinen. Aber in diesem Gedicht taucht auch eine unmerklich eingeführte Wendung der Prosa auf – die Klarstellung „Besonders abends“ und vor allem: schwieriges Spiel mit Subtext, der für den Dichter zu einem der wichtigsten wurde - mit Lermontovs Texten. Das offensichtlichste, „lauteste“ Echo ist bei Lermontovs „Mutterland“. „Die Hütte unter der Birke“ ähnelt „einem Fenster mit geschnitzten Fensterläden“ und „vier weißen Birken“, abends „arme russische Dörfer“ – „zitternde Lichter“. traurige Dörfer. (Neben Lermontovs Dörfern erinnere ich mich auch an die „grauen Hütten“ aus Bloks Gedichten, aber dieses Bild ist schon zweitrangig.) Aber in Lermontovs Birken und Dörfern finden sich Zeichen der Heimat, die dem Auge gefallen; es ist in diesen Auf den ersten Blick unansehnliche Details, die dem lyrischen Helden die Heimat offenbaren, die er wirklich liebt. Für Adamovich ist die „Birke“ ein deprimierend vertrautes Merkmal der Landschaft, und die Dörfer sind nicht „traurig“, sondern „arm“. Das Thema der Heimat wird durch das Thema der Langeweile und des Schmerzes des Daseins und das Motiv einer stoischen Haltung gegenüber den Lasten des Lebens ersetzt.

Dieser poetische Gedanke, der nicht von Lermontov stammt, wird jedoch durch Anklänge an seine Poesie ausgedrückt. Sobald der Leser sich an „Mutterland“ erinnert, beginnt er unweigerlich, nach anderen Übereinstimmungen mit den Gedichten des Autors zu suchen und findet sie. Man kann darüber streiten, ob die „Ströme“ ihren Ursprung im „Strom“ aus „Wenn das vergilbte Feld bewegt wird ...“ haben. Wenn ja, dann fordert Adamovich Lermontov erneut heraus und bietet statt eines Bildes einer glückseligen Natur mit einem Bach, der eine „mysteriöse Saga“ plätschert, eine trostlose grau-schwarze Landschaft. (Allerdings erinnert das Motiv des „Lehrens“ in der Natur vage an die „lebendigen Lektionen“ – wenn auch völlig andere –, die die Natur dem lyrischen Helden in „Wenn das vergilbte Feld bewegt wird ...“ erteilt.) Aber die Aussage „Es macht keinen Spaß, hier zu leben“ schien zunächst eine ganz bestimmte Bedeutung zu haben, aber wenn man das Ende liest, erhält es den Charakter einer philosophischen Verallgemeinerung – es klingt wie ein Echo von Leromontovs „Sowohl langweilig als auch traurig“.

Im Gegensatz dazu scheint es ein völlig entgegengesetztes Gedicht zu sein (bereits aus der Emigrationszeit, veröffentlicht 1927), als würde es alle Beobachtungen von O.A. veranschaulichen. Korostelev über die Poetik Adamowitschs

Z<инаиде>G<иппиус>

Dort, irgendwo, irgendwann,

Am Berghang, am Flussufer,

Oder hinter einem klappernden Karren,

Ständig im schrägen Regen umherwandern,

Unter dem niedrigen, weißen, endlosen Himmel,

Ich weiß nicht was, ich verstehe nicht wie,

Aber irgendwo, irgendwann, wahrscheinlich...

Sowohl die semantische als auch die syntaktische Kohärenz im Text ist gebrochen. Es ist, als ob es in diesen Gedichten um nichts geht. Der Text ist übersättigt mit zeitlichen und örtlichen Umständen, unbestimmten Pronomen („irgendwo“, „irgendwann“), aber nur in einer von acht Zeilen erscheint ein implizites Subjekt und Prädikate sind vorhanden: „Ich weiß nicht was, ich.“ verstehe nicht wie.“ Allerdings ist es überhaupt nicht offensichtlich, dass es dieses „Ich“ ist, das im schrägen Regen hinter dem klappernden Karren umherwandert. Darüber hinaus spricht die einzige „normale“ Zeile im Text, wie es der Zufall so will, gerade von Unwissenheit und Missverständnissen. Scharf definierte Objektbilder (ein klappernder Karren, schräger Regen, niedriger Himmel) verstärken nur den Eindruck der Unwirklichkeit, einer Art Transzendenz.

Dabei handelt es sich keineswegs um eine absurde, halbabstruse Übung. Der Schlüssel liegt im Gedicht „Walks“ von Zinaida Gippius (veröffentlicht ein Jahr zuvor), dem Adamovich nicht zufällig diese Zeilen gewidmet hat:

Erinnerst du dich?

Oh, wenn nur noch einmal

Entlang eines harten, borstigen Feldes

Geht zusammen, niemand weiß wohin,

Schau dir Roggen an, groß wie du,

Sprechen Sie über etwas, halbzufällig,

Einfach und lustig, ein wenig verboten ...

Und plötzlich - darunter rosa Kette Berge,

Unter dem weißen, unbeleuchteten Mond,

Sehen Sie die Meere als blauen Halbkreis,

Leuchtende Flammen himmlischer Wellen ...

Auch der Text eines der frühesten symbolistischen Dichter ist undurchsichtig: Was für ein Spaziergang „weiß wo“ ist das? Ist der „blaue Halbkreis“ das Meer oder der Himmel oder beides? Aber aus der Sicht der symbolistischen Poetik macht es durchaus Sinn. Dies ist eine Geschichte über eine Reise, vielleicht zusammen mit einem geliebten Menschen – über einen echten Spaziergang und über eine mystische Reise, die endet Ziel erreicht– eine Einführung in die Verschmelzung von Himmel und Meer in einem einzigen Blau. (In dieser Interpretation ist die Bedeutung von Gippius‘ Gedicht natürlich äußerst grob und vereinfacht.)

In Adamovichs Gedicht geht es um eine Reise dorthin, niemand weiß wohin, niemand weiß warum und niemand weiß wen. Es ist eine imaginäre Bewegung ohne Realität und Zweck. Die Erwähnung eines „rasselnden Karrens“ bezieht sich vielleicht implizit auf Lermontovs „Mutterland“, dessen lyrischer Held es liebt, genau „in einem Karren“ durch die Steppen seiner Heimat zu „springen“. Im Vergleich zu Lermontovs Text wird Adamovichs Gedicht als Ausdruck eines fast unaussprechlichen, wegen seiner Qualen verbotenen Wunsches wahrgenommen, in seine Heimat zurückzukehren – hartnäckig und hoffnungslos. Aber das ist nur eine der möglichen Interpretationen.

Adamovich ist ein Dichter der paradoxen Denkbewegung. Als er sich also an Zwetajewa wandte (mit der er im Exil sehr unfreundliche Beziehungen aufbaute) Literarische Beziehungen) Gedicht „In Erinnerung an M. Ts.“ Die Themen Schuld und Unschuld, Leben als Wunder und Leben als Hölle auf Erden sind miteinander verwoben: „Es ist nicht meine Schuld. Es gibt so viel Schmerz auf der Welt. / Aber ich mache dir auch nichts vor. / Alles ist Zufall, alles ist Gefangenschaft. / Wie wunderbar es ist zu leben. Wie schlecht wir leben.

Das gesamte Gedicht „Das Einzige, was ich liebe, ist Schlaf“ basiert auf einer unerwarteten Wendung des Themas:

Das Einzige, was ich liebe, ist Schlaf.

Was für eine Süße, was für eine Stille!

Die Glocken läuten kaum hörbar,

Der Dunst ist bewegungslos, ganz blau ...

Oh, wenn ich es nur sicher wissen könnte

Dass es ein Leben gibt und dass es kein anderes geben wird,

Dass wir in der Ewigkeit für immer schlafen werden,

Dass uns niemand jemals wecken wird.

Der als fast religiöses Sakrament dargestellte Hymnus auf den Schlaf („Die Glocken läuten kaum hörbar“), in symbolistischen Farben (Blau ist eine der Lieblingsfarben in der Symbolikpalette) schlägt im zweiten Vierzeiler plötzlich in einen Wunsch nach Nicht-Hören um. Existenz, Schlaf - Tod. Diese Zeilen sind eine polemische Bemerkung in einem Dialog mit Lermontov, der in dem Gedicht „Ich gehe allein auf die Straße“ von einem freudigen und in der Realität unmöglichen Zustand des ewigen Schlafes träumte, der keineswegs mit dem Tod identisch ist.

Poetik logisches Paradoxon Adamovich manifestiert sich in der Annäherung, fast Gleichsetzung von Tod und Liebe:

Mein Herz bricht in zwei Hälften.

Das Blut wird kalt.

Was für eine Krankheit? Wie heißt es?

Tod? Liebe?

Oh, ist unser Tod so überraschend -

Ist Liebe für dich nicht schmerzhaft?

In einem anderen Gedicht bilden Tod und Liebe mit der Poesie einen Dreiklang:

Keine Musik, keine Gedanken... nichts.

Du hattest schon lange nicht mehr genug Schreibkunst,

Das Spiel ist für Sie längst zu einem langweiligen Spiel geworden,

Was für andere sowohl ein Weg als auch ein Triumph ist.

Aber für immer in deine schläfrige Melodie eingewoben, -

Du kennst dich selbst, - trat in deine Worte ein,

Vielleicht der Tod, vielleicht Liebe.

Viele Gedichte Adamovichs zeichnen sich durch die Fragmentform aus. Die Poetik des Fragments ist auch für die Darstellung der Evangeliumsgeschichte über den Tod am Kreuz und die Auferstehung Jesu Christi und sein Erscheinen vor den Jüngern charakteristisch. (Die Auferstehung in der ersten Strophe wird offenbar im Sinne des französischen Religionshistorikers Renan interpretiert – Vision als Täuschung des Sehens oder Hörens.)

Aber der Tod war der Tod. Und die Nacht unter dem Hügel

Glühte mit einer Art überirdischem Feuer,

Und die verstreuten Studenten

Sie konnten vor Scham und Melancholie nicht atmen.

Und danach... sah ich einen transparenten Schatten

Eins. Als ob ich meinen Namen gehört hätte

Noch eins... Und fast zweitausend Jahre

Über der Erde ist ein unvergängliches Licht.

Das Ende des Gedichts ist eine scharfe semantische Wende, wie es bei Adamovich üblich ist: eine Bestätigung der Realität der Auferstehung, deren Symbol das ungeschaffene Licht aus dem Leib des Herrn ist, der zuerst begraben wurde („unter dem Hügel“). , stieg dann in den Himmel („über die Erde“) auf.

In mehreren Gedichten Adamowitschs dominieren die Poetik des Konkreten, der alltäglichen Szene und eine entfremdete Beschreibung von sich selbst als jeder anderen Person. Dies ist das Gedicht „Der Gast hinter der Theke schaut gewohnheitsmäßig schläfrig …“ (veröffentlicht 1929):

Der Gast hinter der Theke kommt mir bekannt vor, schläfrig,

Der Garçon am Tisch fasst die Anzahl der Untertassen zusammen.

Beharrlich, aufdringlich, unruhig

Einer kämpft mit dem anderen – Feuer und Rauch.

Es geht nicht darum, zu lieben, noch vom Wein betrunken zu sein.

Was weiß ein Mensch, der nicht er selbst ist?

Er grinst über sein ausgetrunkenes Glas,

Er sagt etwas und schüttelt den Kopf.

Für alles, was nicht wahr geworden ist. Für dreißig Jahre der Trennung,

Abends am Feuer, Hände auf der Schulter.

Auch für einen Engel... und diese anderen Geräusche...

Flog um Mitternacht... im Allgemeinen über den Himmel hinaus!

Er hat das Spiel verloren, er hat dafür geantwortet.

Es ist Zeit nach Hause zu gehen. Es gibt keine Hoffnung.

Und gnadenlos weiß, unaufhaltsam hell

Der Tag wird im vereisten Streifen verbracht.

Die Einzelheiten sind jedoch von symbolischen Strömungen durchdrungen: Die dem Barbesucher ausgestellte Rechnung wird mit dem Lebenskonto, mit dem Spiel – dem von der Figur verlorenen Leben – einem einsamen Exil, korreliert. Der Schließungstermin der Einrichtung erinnert an das Ende des Lebens. „Das fertige Glas“ ist ein reduziertes, prosaisches Synonym für das traditionelle Bild vom „Becher des Lebens“. In dem Gedicht ist auch Adamovichs häufiger Verweis auf Lermontov enthalten (eine Anspielung auf das Gedicht „Engel“ – „Ein Engel flog über den Mitternachtshimmel“), dargestellt durch die Poetik der Erinnerung (die gesamte Zeile wird nicht erinnert). Das Ende ist Adamovichs übliche scharfe Wendung: Die Arbeit des Tages ist nicht freudig, sondern gnadenlos und voller Tod. Der Beiname „hell“ erhält unerwartet eine negative Bedeutung.

In einem anderen Gedicht – einer Skizze – verbindet sich eine philosophische Verallgemeinerung mit scharfen Konkretisierungen (Hotel, grobe Laken), psychologischer Genauigkeit („Die Tapete bewegt sich unter starrem Blick“). Aber auch hier erhält Objektivität, Materialität einen verallgemeinerten Charakter. IN buchstäblich In diesem Gedicht wird sie nicht genannt, sie ist die zufällige Geliebte des Helden. Aber im trostlosen und grausamen Licht der Einsamkeit kann ein Freund des Lebens auch so ein „zufälliger“ sein. Der Herbstregen ist spürbar, fast hörbar. Aber Herbstabend– auch ein Zeichen der Korrelation mit der Tradition der Gattung Elegie – trauriges Gedicht- Reflexionen über das gelebte Leben. Das Gedicht wird durch polemische Ironie hervorgehoben (ein stabiles Attribut von Bloks Heldinnen – Parfüm – verursacht „Erstickung“). Die Überraschung am Ende ist weniger semantischer als vielmehr syntaktischer Natur: es Nebensätze ohne die wichtigsten. Hier ist der Text (gedruckt 1928):

An einem Herbstabend, gemeinsam in einem Hotel,

Wie immer auf rauen Laken einschlafen...

Träumer, wo ist deine Welt? Wanderer, wo ist dein Zuhause?

Ist es zu spät, nach einem künstlichen Paradies zu suchen?

Herbst Starkregen ans Fenster klopfen,

Die Tapete bewegt sich unter einem starren Blick.

Wer ist diese Frau? Warum schweigt sie?

Warum liegt sie neben dir?

An einem mondlosen Abend, Gott weiß wo, zusammen,

Im Ersticken der Geister, über Rauchwolken ...

Darüber, dass wir sterben werden. Über die Tatsache, dass wir leben.

Darüber, wie beängstigend alles ist. Und wie irreparabel.

Die greifbare Objektivität der Hotelszene täuscht, die Konkretheit schon literarischen Ursprungs. „Die erste Zeile des Gedichts ist eine Paraphrase zum Thema von Baudelaires Gedicht „Nebel und Regen“: „Sind es nur wir beide, die unter dem Schluchzen eines Schneesturms unseren Schmerz auf einem zufälligen Bett in den Schlaf wiegen können?“ ( Korostelev O.A. Notizen // Adamovich G.V. Komplette Gedichtsammlung. Mit 339).

Adamovich ironisiert die Symbolik und eine seiner Lieblingsfarben – Blau, die Farbe der himmlischen Reinheit (und unterwirft gleichzeitig Lermontovs „Ozean der Luft“ aus „Der Dämon“ der Ironie) und bekräftigt und leugnet gleichzeitig die Werte ​​hinter diesem Symbol:

Aus dem blauen Ozean

Was nicht auf der Welt ist,

Wegen dichtem Nebel

Täuschend tiefes Licht.

Aus dem blauen Ozean

Vom blauen Schiff

Vom blauen Versprechen

Von Blau... la-la-la...

Blauheit, Verschwinden,

Und die unveränderliche Bedeutung der Dinge,

Die Gesang einbringen

Die ganze Tiefe seines Unsinns.

Die letzte Zeile enthält eine Kombination unvereinbarer Bedeutungen (Oxymoron): „die Tiefe des Unsinns“.

Adamovich greift immer wieder auf eine Technik wie den Dialog oder den imaginären Dialog zurück. Zum Beispiel im Gedicht „Nacht... und warum über Liebe reden?“:

Nacht... und warum über Liebe reden?

Die Rosen und Nachtigallen sind verschwunden.

Die Sterne leuchten nicht, die Wälder machen keinen Lärm,

Irreparabel... fünfzig.

Mit Rosen, das heißt, oder ohne Rosen,

Es ist Nacht und „die Frage des Lebens ist vorbei.“

...Und deshalb ist es noch mehr Nacht,

Ein Freund, der nicht lieben und helfen kann,

Freund meiner Träume, meiner Vergessenheit,

Mein Glück, meine Hoffnungslosigkeit,

Rosa Idol, persischer Fasan,

Vogel, Blitz... nun, ich bin betrunken,

Mein Freund, nun, sie werden verrückt,

Und deshalb ist es noch dunkler,

Und deshalb ist es nachts noch ruhiger,

Was von der unvergänglichen, ewigen Kerze,

Wenn Bewusstsein, dann in der Tiefe,

Wenn die Seele, dann ganz unten, -

Ein gnadenloser Strahl bricht in die Dunkelheit:

Leben und Sterben sind für sich allein gleich.

Wer versucht hier mit wem zu reden? Der Held mit sich selbst – vor uns liegt eine Dualität von Bewusstsein und Sprache, betrunkenes Delirium. Aber vielleicht spricht er mit seiner Geliebten: Die Erwähnung eines „Freundes“ widerspricht dem nicht – dies ist ein stabiler Name für die Geliebte in der russischen Poesie des „Goldenen Zeitalters“; „mein Glück“, „rosa Idol“ – das sagt man natürlich über eine Frau. Diese vulgären Bilder sind kein Zufall – es kommt zu einer Verfremdung, einer Entlarvung von Ästhetik und „Schönheit“.

Das Ende ist eine Widerlegung der Möglichkeit eines Dialogs (ein Hinweis auf unausweichliche Einsamkeit). Ebenso abrupt ist auf thematischer Ebene der Übergang zum Thema Alter (fünfzig Jahre), auf syntaktischer Ebene ein Verstoß gegen grammatikalische Regeln: „Und deshalb ist es noch mehr Nacht“, „Und deshalb gibt es noch mehr Dunkelheit“ - vergleichend an Substantive angehängt. Der Aufbau eines komplexen Satzes ist gestört; vielleicht ist sein zweiter Teil noch nicht fertig: „Und darum ist es in der Nacht noch finsterer, / Wegen der unvergänglichen, ewigen Kerze“).

Es gibt auch die Einbeziehung einer dissonanten Prosaphrase in den poetischen Kontext: „Also mit Rosen, oder ohne Rosen.“

Der Text ist eine zähe Aufzählung, dominiert vom „Mechanismus“ des halb schlafenden, halb betrunkenen Deliriums. Und ein unerwartetes Adamovich-Ende: Die Dunkelheit der Nacht war vorher letzte Zeilen real, und der Strahl im vorletzten Vers ist offensichtlich in erster Linie metaphorisch und beleuchtet seine Einsamkeit im Bewusstsein des „Ich“:

Wie ist der „verschwommene“ Dialog im Gedicht „Wann kehren wir nach Russland zurück... oh, Eastern Hamlet wann?“ aufgebaut? - vielleicht das berühmteste davon poetische Werke Adamowitsch. Entweder spricht der Autor mit dem Helden, der im Krankenhaus stirbt, oder der sterbende und im Delirium befindliche Held spricht mit sich selbst, oder es handelt sich um abwechselnde Nachbildungen der beiden „Ichs“ des Autors (in diesem Fall ist das Krankenhaus nicht so sehr). echter Ort, als Symbol für Unruhe, Exil und unvermeidlicher Tod Am Ende.

Wann kehren wir nach Russland zurück ... oh, Eastern Hamlet, wann? –

Zu Fuß, auf ausgewaschenen Straßen, bei hundert Grad Kälte,

Ohne Pferde und Triumphe, ohne Klicks, zu Fuß,

Aber wenn wir nur wüssten, dass wir rechtzeitig dort ankommen ...

Krankenhaus. Wenn wir nach Russland gehen... schwankt das Glück im Delirium,

Es ist, als würde „Kol Slaven“ in irgendeinem Garten am Meer gespielt,

Wie durch weiße Wände, in der frostigen Dunkelheit des frühen Morgens

Im frostigen und schlafenden Kreml schwanken dünne Kerzen.

Wenn wir... genug, genug. Er ist krank, erschöpft und nackt.

Die Flagge eines Bettlers flattert in dreifarbiger Scham über uns,

Und es riecht hier zu stark nach Äther, es ist stickig und es ist zu warm.

Als wir nach Russland zurückkehren... ist es aber mit Schnee bedeckt.

Es ist Zeit, sich fertig zu machen. Es wird hell. Es ist Zeit, sich auf den Weg zu machen.

Zwei Kupfermünzen für immer. Verschränkte Arme auf der Brust.

Das Delirium und der schizophrene Dialog des sterbenden Helden mit sich selbst werden durch das Auftauchen eines verallgemeinerten „Wir“ in der Mitte des Gedichts unterbrochen. Die in den ersten Zeilen fast identische Wahrnehmung der Wahrnehmung des Helden und des Standpunkts des Autors wird dann nach und nach durch eine Entfremdung von der Figur ersetzt: eine entfernte Erwähnung seines Aufenthalts im Krankenhaus und am Ende des Todes. Und hier prallen äußerst objektive Realitäten („Äther“, „stickig“, „zu warm“) und Details metaphorischer Natur (natürlich nur die alte russische Trikolore) aufeinander verbale Bild, und nicht materielles Objekt). Und – wie ein Dichtergemälde – ein paradoxes, für Adamowitsch typisches paradoxes Ende mit der Parallele „Morgen (Licht) – Tod“ statt der üblichen Annäherung von Tod und Dunkelheit, Tod und Nacht.

Adamovich ist gleichzeitig der klassischen Strenge und distanzierter Rhetorik verpflichtet und lehnt klassische Logik, Integrität und Klarheit trotzig ab. Eine Hommage an die klassische Tradition – häufig vom Dichter rhetorische Fragen. Von den Dichtern der Nach-Puschkin-Ära, deren Namen im Zusammenhang mit Adamowitsch erwähnt werden, liebte Tjutschew sie, sie aber nicht Besonderheit seine Poesie. Die Poetik des unerwarteten schockierenden Endes bringt Adamovich auch Tyutchev näher. Aber auch mit einigen Gedichten von Lermontov, in Westeuropäische Poesie- mit Heine. Der Aphorismus von Adamovichs Gedichten erinnert sowohl an Tyutchev als auch an Baratynsky. Aber mit Tyutchevs philosophischem Und Adamovichs Texte scheinen nichts mit der Vorstellung von Natur und Mensch gemein zu haben. Die Beziehung zu Baratynsky ist enger.

Von den zeitgenössischen Dichtern ist Adamovich einem anderen „Junior-Acmeisten“ am ähnlichsten – Georgy Ivanov. Sie verbinden sich sowohl durch die Ablehnung und gleichzeitige Akzeptanz des Ästhetischen, der Schönheit des Seins und der Berufung auf die Form eines Fragments als auch durch eine distanzierte Sicht auf das lyrische „Ich“ und den Autor auf sich selbst sowie durch eine bewusste Dissonanz zwischen poetischen und prosaischen Prinzipien. Allerdings vermeidet Georgy Ivanov die bei Adamovich so häufigen semantischen Lücken und Lücken. Und in seiner Weltanschauung wurzelte ab Mitte der 1930er Jahre ein für den Autor von „Unity“ ungewöhnlicher bitterer Zynismus.

Georgy Adamovich sagte in dem Gedicht „Ich kenne den Preis meiner Gedichte“, mit dem die Sammlung „Unity“ eröffnet wurde, dass seine Poesie „unveränderlich mit der Hilflosigkeit der Sprache versöhnt“ wird. Aber auch indem sie Schmerz und Verzweiflung ausspricht, versöhnt sie sich mit der Tragödie des Daseins und überwindet sie schmerzlich.
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Erstveröffentlichung:

Experimente. New York. 1955. Nr. 4. S. 45-61.

Nachdem ich lange über einen Artikel nachgedacht hatte, der „von innen“ über Poesie in der Emigration erzählen würde, dachte ich auch über seinen Titel nach und wollte dafür zwei bekannte nehmen historische Wörter: « bedeutungslose Träume" Aber ich habe diese Absicht verlassen: Ironie, sagte ich mir, schon wieder Ironie! Sie verursachte viele versteckte Probleme in der russischen Poesie letztes halbes Jahrhundert, es ist Zeit, sich endlich von ihr zu trennen, allerdings mit einer Handbewegung zum Abschied als Zeichen der Dankbarkeit für bestimmte kleine Dienste: „Mit Poesie“, sagen sie, „Hallo!“ Ironie ist nicht besser als Sentimentalität, es sind zwei Schwestern, beide dunkler Herkunft, beide von zweifelhaftem Verhalten, mit dem einzigen Unterschied, dass eine von ihnen, die jüngere, sich anmutiger kleidet und sich geschickter als aristokratische Dame ausgibt. In anständigen Haushalten werden sie es jedoch bald nicht mehr akzeptieren. Warum sind Träume „bedeutungslos“? Hatte das keinen Sinn? Und wenn es diese endlos schwer fassbare Bedeutung gab, waren wir dann die Ersten, waren wir die Letzten, die es versuchten? Paradiesvogel Den hier am Schwanz fangen? Ein einfacherer, genauerer Name wäre: Baedeker, Reiseführer. Aber Blok sprach bereits in einem in Apollo veröffentlichten Artikel über Baedeker, der ungefähr das gleiche Thema behandelte ... Übrigens, wer hat diesen Artikel von ihm im Alter von zwanzig Jahren gelesen, wird er ihn jemals vergessen? Ich habe versucht, den Block in zu übersetzen Gemeinsame Sprache worüber er Gedichte schrieb: Das Unternehmen war bis zum Äußersten mutig und hätte mit weniger organischer Poesie zu komischen Ergebnissen führen können. Bloks Logik scheiterte und seine Kraft reichte beim Angriff auf die Festungsmusik nicht aus. Aber der Ton seines Artikels, seine verworrenen Echos, seine meteorischen Fragmente, das ständige Rasseln einzelner Saiten, die unter dem Ansturm der Logik zerrissen wurden – all dies war eine Offenbarung für das zwanzigjährige Bewusstsein, auf das es später nicht verzichtete viel mehr gelernt.

Ich möchte das Wort „Musik“ nicht in einer vagen, wenn auch nach Nietzsche legalisierten Bedeutung verwenden. Es ist zwar schwer, darauf zu verzichten, aber über das Konzept selbst sollte nicht umsonst gesprochen werden. Selbstbeherrschung schadet nicht: Je weniger „Musik“ in Anführungszeichen, desto besser.

Aber Musik ohne Anführungszeichen ... In dem Erbe, das uns die Symbolik hinterlassen hat, gab es viel Müll und große Worte, mit denen geschrieben wurde Großbuchstaben, unbegründete Behauptungen, pompöses Geschwätz: Da war aber noch etwas anderes, das bis heute nicht ganz verpufft ist. Unsere Dichter wären wahrscheinlich überrascht, wenn sie hören würden, dass sie durch die Schuld der Symbolik (oder dank ihr) der Musik verpflichtet sind, selbst denen, für die sie nur Lärm, langweilig und „teuer“ ist, wie Wilde lachte. Die Schuld wurde auch vererbt, in jenen Eindrücken und Träumen, die uns ohne Namen, ohne Adresse, ohne Versandetikett erreicht haben. Der letzte Übergabepunkt war Wagner. Wenn sich unsere Dichter mit ihrem persönlichen Gedächtnis mehr erinnern würden, würden sie es erfassen, sie würden es erkennen – genau genommen „Erkennung“! – in einer anderen gebrochenen Melodie des „Tristan“ oder vielleicht in den wenigen Takten, die Siegfrieds sterbende Ernüchterung veranschaulichen, etwas Eigenes, seltsam nah bei ihnen. Wagner hatte viele Laster in seinem Werk, man kann ihm viele Dinge vorwerfen. Aber er machte den Mangel an Anmut in der Inspiration durch beispielloses wett durch Willenskraft, was es ihm ermöglichte, den einstigen Inhalt von Mythen zu berühren, und mit ihnen einige tiefe, geheimnisvolle Erinnerungen, die im menschlichen Geist schlummerten. Der Symbolismus, der am Ende des letzten Jahrhunderts vor den tyrannischen, erdrückenden Ansprüchen dieses Jahrhunderts Zuflucht suchte, ist ohne Wagner undenkbar, ohne Wagner dumm und lächerlich – und die Treue dazu bezeugt Baudelaire in seinem berühmten, geradezu „loyalen“ Brief .

Wie schade, dass den Dichtern das alles in den meisten Fällen so gleichgültig ist! Vielleicht wären ihre Gedichte auch sonst nicht besser geworden – vielleicht! Dennoch ist es schade: mal in der einen Leitung, mal in der anderen würde ein elektrischer Funke durchgehen, für dessen Entladung man Fehler verzeihen kann, die ohne ihn unverzeihlich wären. Im Grunde kein Fehler: Oder besser gesagt, die Distanz zwischen dem Wort und dem Grund seiner Äußerung ist zu kurz.

Andrei Bely argumentierte, dass es einen Konflikt zwischen Nietzsche und Wagner gab größtes Ereignis neunzehntes Jahrhundert. Ja, ohne auf Waagen und andere Dinge zurückzugreifen Messgeräte, ja, vielleicht ist das so: auf jeden Fall eines der bedeutendsten Ereignisse. Die beste Symbolik, die sie zum Leben erweckte, entstand aus einem vagen, doppelten Gefühl. der Glaube, dass Nietzsche Recht hat und Wagner unwiderstehlich ist. Nietzsche hat gerade Wagner gegenübergestellt: „Carmen“, eine bezaubernde Kleinigkeit, die Sonne, irgendwie zu unschuldig und folkloristisch wahrgenommen, ohne zurückzublicken, um Mozart um Hilfe zu rufen, die wahre Sonne, die keine spanischen Gewänder braucht! Der Symbolismus ahnte bereits, dass Wagner in Wirklichkeit ein „alter Fälscher“ war, und konnte dennoch nicht anders, als seinen Obsessionen zu erliegen. Aber die Symbolisten machten sich diesbezüglich noch Illusionen ... Und jetzt spüren wir mit ganzem Herzen, dass Wagner „das nicht“ ist. Willensanstrengung kann „das“ nicht ersetzen: Wie in einem Märchen wird irgendwann ein alter, böser, mächtiger Zauberer entlarvt. Der Nebel ist gebrochen – nichts dahinter: Leere, leerer, toter, weißer Himmel, und wir blicken nun überrascht auf die etwas zu zutraulichen Väter.

Wer sind wir"? - Ich höre eine Frage. Wenn hinter der Neugier Bosheit steckt und man sich insgeheim bereits darüber freut, dass man es geschafft hat, eine Falle zu stellen, hat es keinen Sinn zu antworten. Bei Bedarf wird es eine weitere Falle geben, gefolgt von einer dritten, und das letzte Wort Am Ende wird es bei denjenigen bleiben, die diesen Streit genießen. Aber um ehrlich zu sein, müsste ich sagen: Ich weiß es nicht genau. „Wir“ sind drei oder vier Personen, die zu der Zeit, als Blok in St. Petersburg starb, noch in St. Petersburg ansässig waren und sich später in Paris niederließen; mehrere jüngere Pariser unterschiedlicher Herkunft, die mit dem ursprünglichen „Wir“ eine gemeinsame Sprache fanden; mehrere geografisch entfernte Freunde – mit einem Wort, was in der russischen Poesie rund um die „Achse“ St. Petersburg-Paris entstand, um die Terminologie der jüngsten Kriegszeit zu verwenden ... Manchmal wird dies heute als Pariser „Note“ definiert. Ich war sehr zufrieden mit dieser „Notiz“ enge Beziehung, und da es mittlerweile fast unhörbar ist, möchte ich alles zusammenfassen, was dazu gehörte. Darüber hinaus kommen jetzt andere Zeiten, mit anderen ungeduldigen Stimmen, mit Aufmerksamkeit und dem Hören auf andere Impulse. Es ist also an der Zeit, die Zurückgebliebenen zu zählen und zu benennen, und unter ihnen – wer weiß? - Es mag Fremde geben, die nicht mehr dem zweiten, sondern dem dritten Lebensalter angehören: Werden sie dem Ruf folgen? Oder können wir nur auf das hoffen, was viel später, nach der „Klette“ kommt? Oder wird sogar das täuschen?

In Paris klappte nicht alles sofort und ungehindert, und es gab zunächst keine allgemeine Zusammenarbeit. Mit den tragischen Erinnerungen an St. Petersburg waren die Überreste von Gumilevs Zunftausbildung verflochten, sehr naiv, wenn wir über das Wesen der Poesie sprechen, sehr nützlich, wenn wir uns auf den Bereich des Handwerks beschränken. Wer war in der Nähe? Chodasewitsch runzelte prinzipiell die Stirn und erinnerte an Puschkin und die Alphabetisierung als „wahr, aber nicht interessant“, als Poplawski auf seine Anweisungen reagierte. Es gab einen Sonntagssalon für die Merezhkovskys mit Sinaida Nikolaevna, die alles über Poesie verstand, außer den Gedichten selbst... Hier machen wir jedoch einen kurzen Stopp: Da ihr Name bereits erwähnt wurde, verneigen wir uns vor der Erinnerung von Zinaida Gippius, „der Einzigen“, laut Bloks Zertifizierung! Was war daran wertvoll? Kein kapriziöses, dekadentes Gespräch, das sich wie der Rauch ihrer Zigarette windet, nicht ihre vielfältig gewürzten „Kleinigkeiten“ und „Worte“, nicht einmal das, was sie schrieb, sondern das, was sie alleine oder zusammen tat, von Angesicht zu Angesicht, ohne … Publikum, für das es notwendig war, eine Rolle zu spielen: ein Mann mit den seltensten Antennen, wenig kreativ, um die Wahrheit zu sagen, aber mit tiefe Melancholieüber Kreativität, was es ihr ermöglichte, das auf einen Blick zu erraten vollständige Worte und es würde nicht funktionieren. Da war auch Marina Zwetajewa, mit der bei uns von Anfang an etwas nicht geklappt hat, und das hat auch nie geklappt, es ist schwer zu sagen, wer daran schuld war. Zwetajewa war eine Moskauerin, die in jeder Bewegung und in jedem Wort eine Herausforderung für den St. Petersburger Stil darstellte: Es war unmöglich, unseren „Ton“ an den ihren anzupassen, außer ihn zu verzerren. Und dass es in Zwetajews Gedichten unvergleichliche Zeilen gab – wer könnte das leugnen? „Wie ein gewisser Cherub ...“, ohne jede Übertreibung. Aber sie hatte nichts zu nehmen. Zwetajewa war zweifellos sehr schlau, aber sie war zu demonstrativ schlau, auf ihre Art zu schlau – fast ein Zeichen von Schwäche – und mit ständigen „Ausrutschern“. In ihr steckte ein ewiges College-Mädchen, „Prinzessin Javakha“, mit „stolz zurückgeworfenem Kopf“, natürlich „blond“ oder noch besser „golden“, mit einer imaginären Schar junger Bewunderer: Nein, das haben wir Es gefällt mir nicht! Da war offenbar noch etwas anderes in ihr, etwas sehr Trauriges; leider bleibt es uns unbekannt.

Adamowitsch Georgi Viktorowitsch(1894–1972), russischer Dichter und Kritiker.

Georgiy Adamowitsch wurde am 7. April 1892 in Moskau geboren, lebte hier die ersten neun Jahre seines Lebens und studierte einige Zeit am Zweiten Moskauer Gymnasium. Sein Vater, ein gebürtiger Pole, diente als Bezirks-Militärkommandant und dann im Rang eines Generalmajors als Leiter des Moskauer Militärkrankenhauses. „In unserer Familie gab es viele Militärs; meine beiden älteren Brüder dienten in der Armee. Und über mich sagte der Familienlegende zufolge mein Vater: „Das hat nichts Militärisches, man sollte ihn als Zivilisten belassen.“ Also ließen sie mich als Zivilist zurück“, erinnert sich G. Adamowitsch. Halbbruder G. V. Adamovich- Boris (1870-1936) – Generalleutnant der russischen Armee, Teilnehmer der Weißen Bewegung.

Nach dem Tod seines Vaters zog die Familie nach St. Petersburg, wo der Junge das 1. St. Petersburger Gymnasium besuchte. „Ich war von den Verwandten meiner Mutter umgeben; sie waren die gewöhnlichste, durchschnittliche bürgerliche Familie. Sie hatten wenig Interesse an Politik und wollten, dass alles so weitergeht, wie es ist, dass alles an seinem Platz bleibt, dass die Ordnung gewahrt bleibt“, sagte er Adamowitsch.

Im Jahr 1910 trat er in die Fakultät für Geschichte und Philologie der Universität St. Petersburg ein und wurde 1914 eng mit ihm verbunden Akmeisten . In diesen Jahren Adamowitsch Ihn interessierten, wie er sich erinnerte, ausschließlich literarische Themen: „Schon früh lernte er die Dichterkreise von St. Petersburg kennen, in denen auch wenig über Politik gesprochen wurde.“ Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs änderte sich alles. Wann Adamowitsch Ich fragte meinen Bruder, den Kommandeur der Leibgarde des Kexholm-Regiments, der 1916 von der Front kam, wie seiner Meinung nach der Krieg enden würde, und er (beeindruckt von der Stimmung der Soldaten) antwortete: „Er wird enden.“ mit uns allen, die gehängt werden.“

Zu diesem Zeitpunkt Adamowitsch war bereits in die „Werkstatt der Dichter“ eingetreten und wurde (1916-1917) einer ihrer Leiter. Die erste Geschichte wurde 1915 veröffentlicht Adamowitsch„Merry Horses“ („Stimme des Lebens“, Nr. 5), gefolgt von „Marie Antoinette“ („Birzhevye Wedomosti“, 1916). Poetisches Debüt Adamowitsch fand ebenfalls im Jahr 1916 statt, als die Sammlung „Wolken“ veröffentlicht wurde, die durch „zu dieser Zeit leicht erkennbare Merkmale der akmeistischen Poetik“ gekennzeichnet war. Das Buch erhielt eine allgemein positive Rezension von N. Gumilyov; Letzterer schrieb, dass man hier „eine gute Schule und einen bewährten Geschmack spürt“, obwohl er die zu offensichtliche Abhängigkeit des aufstrebenden Dichters von I. Annensky und A. Akhmatova anmerkte. Im Jahr 1918 Adamowitsch wurde Teilnehmer (und einer der Leiter) zunächst der zweiten, dann der dritten „Werkstatt der Dichter“.

Veröffentlicht in „New Magazine for Everyone“, „Apollo“, „Northern Notes“, Almanachen „ Grüne Blume"(1915) und andere.

Die zweite Sammlung, Purgatory, wurde 1922 veröffentlicht; Es wurde in Form eines lyrischen Tagebuchs verfasst und mit einer Widmung an N. Gumilyov („In Erinnerung an Andrei Chenier“) eröffnet, den der Autor als seinen Mentor betrachtete.

Nach Oktoberrevolution Adamowitschübersetzt für den Verlag“ Weltliteratur» Französische Dichter und Schriftsteller (Baudelaire, Voltaire, Heredia), Gedichte von Thomas Moore („Feueranbeter“) und J. G. Byron, damals im Exil – Jean Cocteau und zusammen mit G. V. Ivanov „Anabasis“ von Saint-John Perse und Albert Camus‘ The Fremder.

Im Jahr 1923 Adamowitsch wanderte nach Berlin aus und lebte dann in Frankreich. Er veröffentlichte regelmäßig kritische Artikel und Essays, die in der Zeitschrift „Zveno“ und seit 1928 in der Zeitung „Zveno“ veröffentlicht wurden. Letzte Neuigkeiten“, wo er eine wöchentliche Buchrezension durchführte. Adamowitsch erlangte nach und nach den Ruf des „ersten Kritikers der Auswanderung“, galt als einer der führenden Autoren der Zeitschrift „Numbers“ und gab die Zeitschrift „Meetings“ (1934) heraus.

Im Exil Adamowitsch schrieb nur wenige Gedichte, aber er gilt als Begründer der Gruppe der Dichter der „Pariser Note“, deren Werk sich durch einen äußerst aufrichtigen Ausdruck seiner selbst auszeichnete Herzenskummer, Demonstration der „Wahrheit ohne Ausschmückung“. Position Adamowitsch, das die „Suche nach der Wahrheit“ in den Vordergrund stellte, nannte G. P. Fedotov „asketische Pilgerfahrt“.

Im September 1939 G. Adamowitsch hat sich ehrenamtlich gemeldet Französische Armee; Nach der Niederlage Frankreichs wurde er interniert.

Es wird angenommen, dass in Nachkriegsjahre Adamowitsch Es verging eine kurze Zeit der Faszination für die UdSSR und J. W. Stalin, in der Hoffnung auf die Möglichkeit einer politischen Erneuerung in der UdSSR. In den späten 1940er Jahren erschienen seine Artikel in westlichen prosowjetischen Zeitungen, und das auf Französisch verfasste Buch „Another Motherland“ (1947) wurde von einigen russischen Pariser Kritikern als Akt der Kapitulation vor dem Stalinismus angesehen.

Seit 1959 war er Kolumnist für Exilliteratur bei Radio Liberty.

1967 erschien das letzte Gedichtband Adamovichs Sammlung"Einheit". Gleichzeitig erschien das letzte Buch seiner kritischen Artikel, „Comments“; Mit diesem Begriff definierte der Autor seine literarischen Essays, die ab Mitte der 1920er Jahre regelmäßig veröffentlicht wurden (zunächst in der Pariser Zeitschrift „Zveno“, seit 1928 in der Zeitung „Last News“). Adamowitsch Er hinterließ auch eine Reihe von Memoiren und mündlichen Erinnerungen, die von Yuri Ivask aufgezeichnet wurden.

Bücher:

Poesie

• Adamovich G. V. Clouds: Gedichte. - M., S.: Alcyona, 1916. - 40 S.
• Adamovich G. V. Fegefeuer: Gedichte. Buch zwei. - Petersburg: Petropolis, 1922. - 96 S.
• Adamovich G. V. Im Westen. - Paris: Haus der Bücher, 1939. - ??? Mit.
• Adamovich G. V. Einheit: Gedichte verschiedene Jahre. - New York: Russian Book, 1967. - 56 S.
• Adamovich G.V. Gesammelte Werke: Gedichte, Prosa, Übersetzungen / Einführung. Artikel, Komp. und ca. O. A. Korosteleva. - St. Petersburg: Aletheia, 1999. - ??? Mit.
• Adamovich G. V. Vollständige Gedichtsammlung / Komp., vorbereitet. Texte, wird eintreten. Artikel, Notiz O. Korosteleva. - St. Petersburg: Akademisches Projekt; Ulme, 2005. - 400 S.

Kritik

• Adamovich G. V. Einsamkeit und Freiheit, 1955
• Adamovich G. V. Über Bücher und Autoren, 1966
• Adamovich G. V. Kommentare, 1967

Manuskriptveröffentlichungen

• Adamovich G. V. Geschichte der Jupiter-Loge: (Anfang) / Vorwort (Zur Entstehung der „Geschichte“ der Jupiter-Loge), Vorbereitung zur Veröffentlichung und Kommentare: A. I. Serkov // Notizen der Manuskriptabteilung. Bd. 52 / Ed. V. Losev, A. Vikhryan; Russisch Staatsbibliothek. - M.: Pashkov House, 2004. - S. 373-435. — 696 S. — 500 Exemplare.
• Adamovich G. V. Geschichte der Jupiter-Loge: (Ende) / Vorbereitung zur Veröffentlichung und Kommentare: A. I. Serkov // Notizen aus der Manuskriptabteilung. Bd. 53 / Komp., rep. Hrsg. S. M. Sergeev; Künstler V. V. Pokatov; Russische Staatsbibliothek. - M.: Pashkov House, 2008. - S. 507-550. - 624, S. — 500 Exemplare.