Wie viele lateinische Wörter gibt es im Russischen? Welche Wörter in der russischen Sprache stammen aus lateinischen Wörtern? Test in Latein

Einführung

Ein künstlerisches Bild ist eine universelle Kategorie künstlerischen Schaffens: eine der Kunst innewohnende Form der Reproduktion, Interpretation und Beherrschung des Lebens durch die Schaffung ästhetisch wirkender Objekte. Unter einem Bild wird oft ein Element oder Teil eines künstlerischen Ganzen verstanden, meist ein Fragment, das sozusagen unabhängiges Leben und Inhalt (zum Beispiel Charakter in der Literatur, symbolische Bilder). Aber im allgemeineren Sinne ist das künstlerische Bild die Existenzweise eines Werkes, gesehen von der Seite seiner Ausdruckskraft, beeindruckenden Energie und Bedeutung.

Unter anderen Ästhetische Kategorien Dieses ist relativ späten Ursprungs, obwohl die Anfänge der Theorie des künstlerischen Bildes in der Lehre des Aristoteles über die „Mimesis“ zu finden sind – über die freie Nachahmung des Lebens durch den Künstler in seiner Fähigkeit, integrale, in sich angeordnete Objekte und das damit verbundene ästhetische Vergnügen zu schaffen mit diesem. Während die Kunst in ihrem Selbstbewusstsein (aus der antiken Tradition stammend) dem Handwerk, dem Können, dem Können näherkam und dementsprechend in der Vielzahl der Künste der plastische Kunst der führende Platz eingeräumt wurde, begnügte sich das ästhetische Denken mit den Konzepten des Kanons, dann Stil und Form, durch die die transformative Haltung des Künstlers gegenüber dem Material beleuchtet wurde. Die Tatsache, dass künstlerisch transformiertes Material eine gewisse ideale Formation einfängt und in sich trägt, die dem Denken in gewisser Weise ähnelt, wurde erst mit der Förderung „spirituellerer“ Künste – Literatur und Musik – in den Vordergrund gerückt. Hegelianische und posthegelianische Ästhetik (einschließlich V.G. Belinsky) verwendeten häufig die Kategorie des künstlerischen Bildes und stellten das Bild als Produkt künstlerischen Denkens jeweils den Ergebnissen abstrakten, wissenschaftlich-konzeptionellen Denkens gegenüber – Syllogismus, Schlussfolgerung, Beweis, Formel.

Die Universalität der Kategorie des künstlerischen Bildes wird seitdem immer wieder bestritten, da die in der Semantik des Begriffs enthaltene semantische Konnotation von Objektivität und Klarheit eine Anwendbarkeit auf „nicht-gegenständliche“, nicht-bildende Künste zu verhindern schien. Und doch greift die moderne Ästhetik, vor allem die häusliche, derzeit weitgehend auf die Theorie des künstlerischen Bildes als die vielversprechendste zurück und trägt dazu bei, die ursprüngliche Natur der Tatsachen der Kunst aufzudecken.

Zweck der Arbeit: Analysieren Sie das Konzept eines künstlerischen Bildes und identifizieren Sie die wichtigsten Mittel zu seiner Entstehung.

Erweitern Sie den Begriff des künstlerischen Bildes.

Überlegen Sie, wie Sie ein künstlerisches Bild erstellen können

Analysieren Sie die Eigenschaften künstlerischer Bilder am Beispiel der Werke von W. Shakespeare.

Gegenstand der Studie ist die Psychologie des künstlerischen Bildes am Beispiel der Werke Shakespeares.

Untersuchungsmethode - theoretische Analyse Literatur zum Thema.

1. Psychologie des künstlerischen Bildes

1 Das Konzept des künstlerischen Bildes

In der Erkenntnistheorie wird der Begriff „Bild“ im weitesten Sinne verwendet: Ein Bild ist eine subjektive Form der Widerspiegelung der objektiven Realität im menschlichen Geist. Auf der empirischen Reflexionsstufe ist das menschliche Bewusstsein durch Bildeindrücke, Bildvorstellungen, Vorstellungs- und Erinnerungsbilder geprägt. Erst auf dieser Grundlage entstehen durch Verallgemeinerung und Abstraktion Bildvorstellungen, Bildschlüsse und Urteile. Sie können visuell sein – illustrative Bilder, Diagramme, Modelle – und nicht-visuell – abstrakt.

Neben seiner breiten erkenntnistheoretischen Bedeutung hat der Begriff „Bild“ noch mehr enge Bedeutung. Ein Bild ist eine spezifische Erscheinung eines integralen Objekts, Phänomens, einer Person, ihres „Gesichts“.

Menschliches Bewusstsein stellt Bilder der Objektivität wieder her und systematisiert die Vielfalt der Bewegungen und Zusammenhänge der umgebenden Welt. Menschliche Erkenntnis und Praxis führen die scheinbar entropische Vielfalt der Phänomene zu einem geordneten oder sinnvollen Beziehungszusammenhang und formen dadurch Bilder menschliche Welt, die sogenannte Umfeld, Wohnanlage, öffentliche Zeremonien, Sportritual usw. Die Synthese disparater Eindrücke zu ganzheitlichen Bildern beseitigt Unsicherheit, bezeichnet die eine oder andere Sphäre, benennt den einen oder anderen abgegrenzten Inhalt.

Das ideale Bild eines Objekts, das im menschlichen Kopf erscheint, ist ein bestimmtes System. Im Gegensatz zur Gestaltphilosophie, die diese Begriffe in die Wissenschaft einführte, muss jedoch betont werden, dass das Bild des Bewusstseins im Wesentlichen zweitrangig ist, es ist ein Produkt des Denkens, das die Gesetze objektiver Phänomene widerspiegelt, eine subjektive Form der Reflexion der Objektivität und keine rein spirituelle Konstruktion innerhalb des Bewusstseinsstroms.

Ein künstlerisches Bild ist nicht nur eine besondere Form des Denkens, es ist ein Bild der Wirklichkeit, das durch Denken entsteht. Die Hauptbedeutung, Funktion und der Inhalt des Bildes der Kunst liegt darin, dass das Bild die Realität, ihre objektive, materielle Welt, den Menschen und seine Umwelt in einem bestimmten Gesicht darstellt, Ereignisse sozialer und sozialer Natur darstellt persönliches Leben Menschen, ihre Beziehungen, ihre äußeren und geistig-psychischen Eigenschaften.

In der Ästhetik gibt es seit vielen Jahrhunderten die umstrittene Frage, ob ein künstlerisches Bild ein Abguss unmittelbarer Eindrücke der Realität ist oder ob es im Entstehungsprozess durch die Stufe des abstrakten Denkens und damit verbundene Abstraktionsprozesse vermittelt wird spezifische Analyse, Synthese, Schlussfolgerung, Schlussfolgerung, also Verarbeitung sensorischer Dateneindrücke. Forscher, die sich mit der Entstehung von Kunst und primitiven Kulturen befassen, identifizieren eine Periode des „vorlogischen Denkens“, aber selbst auf die späteren Stadien der Kunst dieser Zeit ist der Begriff „Denken“ nicht anwendbar. Die sinnlich-emotionale, intuitiv-figurative Natur der antiken mythologischen Kunst gab K. Marx Anlass zu der Annahme, dass es sich um frühe Stadien der Entwicklung handelte menschliche Kultur zeichnete sich durch eine unbewusste künstlerische Verarbeitung aus natürliches Material.

Im Gange Arbeitspraxis Im Laufe der menschlichen Entwicklung fand nicht nur die Entwicklung der motorischen Fähigkeiten der Funktionen der Hand und anderer Teile des menschlichen Körpers statt, sondern dementsprechend auch der Entwicklungsprozess der menschlichen Sinnlichkeit, des Denkens und der Sprache.

Moderne Wissenschaft argumentiert, dass die Sprache aus Gesten, Signalen und Zeichen besteht Alter Mann war immer noch nur eine Sprache der Empfindungen und Emotionen und nur spätere Zunge elementare Gedanken.

Das primitive Denken zeichnete sich durch seine unmittelbare Unmittelbarkeit und Elementarität aus, da es sich um das Nachdenken über eine bestimmte Situation, den Ort, das Ausmaß, die Menge und den unmittelbaren Nutzen eines bestimmten Phänomens handelte.

Erst mit dem Aufkommen der Lautsprache und des zweiten Signalsystems beginnt sich diskursives und logisches Denken zu entwickeln.

Aus diesem Grund können wir über Unterschiede in bestimmten Phasen oder Entwicklungsstadien des menschlichen Denkens sprechen. Erstens die Phase des visuellen, konkreten, ersten Signaldenkens, das die momentan erlebte Situation direkt widerspiegelt. Zweitens ist dies die Phase des fantasievollen Denkens, die dank der Vorstellungskraft über das direkt Erlebte hinausgeht elementare Ideen sowie das äußere Bild bestimmter Dinge und deren weitere Wahrnehmung und Verständnis durch dieses Bild (eine Form der Kommunikation).

Das Denken entwickelt sich wie andere spirituelle und mentale Phänomene in der Geschichte der Anthropogenese von unten nach oben. Die Entdeckung vieler Tatsachen, die auf die prälogische, prälogische Natur des primitiven Denkens hinweisen, führte zu vielen Interpretationsmöglichkeiten. Berühmter Entdecker antike Kultur K. Levy-Bruhl stellte fest, dass das primitive Denken anders ausgerichtet ist als das moderne Denken, insbesondere „prälogisch“ in dem Sinne, dass es sich mit dem Widerspruch „versöhnt“.

In der westlichen Ästhetik der Mitte des letzten Jahrhunderts ist eine weit verbreitete Schlussfolgerung, dass die Tatsache der Existenz eines vorlogischen Denkens Anlass zu der Schlussfolgerung gibt, dass die Natur der Kunst mit dem unbewusst mythologisierenden Bewusstsein identisch ist. Es gibt eine ganze Reihe von Theorien, die künstlerisches Denken mit dem elementar-figurativen Mythologismus prälogischer Formen des spirituellen Prozesses gleichsetzen wollen. Dies betrifft die Ideen von E. Cassirer, der die Kulturgeschichte in zwei Epochen einteilte: erstens das Zeitalter der symbolischen Sprache, des Mythos und der Poesie und zweitens das Zeitalter des abstrakten Denkens und der rationalen Sprache, wobei er versuchte, die Mythologie als zu verabsolutieren ideale Urgrundlage im historischen künstlerischen Denken.

Cassirer machte jedoch nur auf das mythologische Denken als Vorgeschichte symbolischer Formen aufmerksam, doch nach ihm A.-N. Whitehead, G. Reed, S. Langer versuchten, nichtkonzeptuelles Denken als die Essenz des poetischen Bewusstseins im Allgemeinen zu verabsolutieren.

Inländische Psychologen hingegen glauben, dass Bewusstsein moderner Mann stellt eine multilaterale psychologische Einheit dar, in der die Entwicklungsstadien der sensorischen und rationalen Seite miteinander verbunden, voneinander abhängig und voneinander abhängig sind. Ein Maß für die Entwicklung der sensorischen Aspekte des Bewusstseins historische Person im Prozess seiner Existenz entsprach dem Grad der Entwicklung des Geistes.

Es gibt viele Argumente dafür, dass der sensorisch-empirische Charakter des künstlerischen Bildes sein Hauptmerkmal ist.

Schauen wir uns als Beispiel das Buch von A.K. an. Woronski „Die Kunst, die Welt zu sehen.“ Es erschien in den 20er Jahren und erfreute sich großer Beliebtheit. Das Motiv für das Schreiben dieser Arbeit war ein Protest gegen Handwerk, Plakat, didaktische, manifestierende, „neue“ Kunst.

Voronskys Pathos konzentriert sich auf das „Geheimnis“ der Kunst, das er in der Fähigkeit des Künstlers sah, einen direkten Eindruck einzufangen, die „primäre“ Emotion der Wahrnehmung eines Objekts: „Kunst kommt nur mit dem Leben in Kontakt.“ Sobald der Betrachter, der Geist des Lesers zu arbeiten beginnt, verschwindet der ganze Charme, die ganze Kraft des ästhetischen Gefühls.“

Voronsky entwickelte seinen Standpunkt und stützte sich dabei auf umfangreiche Erfahrung, sensibles Verständnis und tiefe Kunstkenntnisse. Er isolierte den Akt der ästhetischen Wahrnehmung vom Alltag und Alltagsleben und glaubte, dass ein „direktes“ Sehen der Welt, also ohne die Vermittlung vorgefasster Gedanken und Ideen, nur in glücklichen Momenten wahrer Inspiration möglich sei. Frische und Reinheit der Wahrnehmung sind selten, doch genau dieses unmittelbare Gefühl ist die Quelle des künstlerischen Bildes.

Voronsky nannte diese Wahrnehmung „irrelevant“ und stellte ihr kunstfremde Phänomene gegenüber: Interpretation und „Interpretation“.

Das Problem der künstlerischen Entdeckung der Welt definiert Voronsky als „komplexes schöpferisches Gefühl“, bei dem die Realität des primären Eindrucks offenbart wird, unabhängig davon, was eine Person darüber weiß.

Kunst „bringt die Vernunft zum Schweigen; sie sorgt dafür, dass der Mensch an die Kraft seiner primitivsten und unmittelbarsten Eindrücke glaubt“6.

Voronskys in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts verfasstes Werk konzentriert sich auf die Suche nach den Geheimnissen der Kunst in einem naiven, reinen Anthropologismus, der „irrelevant“ und nicht an die Vernunft appelliert.

Unmittelbare, emotionale und intuitive Eindrücke werden in der Kunst nie ihre Bedeutung verlieren, aber reichen sie für die Kunstfertigkeit der Kunst aus? Sind die Kriterien der Kunst nicht komplexer, als die Ästhetik unmittelbarer Gefühle vermuten lässt?

Ein künstlerisches Bild von Kunst zu schaffen, wenn es sich nicht um eine Skizze oder eine Vorskizze usw. handelt, sondern um ein fertiges künstlerisches Bild, ist allein durch die Erfassung eines schönen, unmittelbaren, intuitiven Eindrucks unmöglich. Das Bild dieses Eindrucks wird in der Kunst von geringer Bedeutung sein, wenn es nicht durch Gedanken inspiriert ist. Das künstlerische Bild von Kunst ist sowohl das Ergebnis des Eindrucks als auch das Produkt des Denkens.

V.S. Solovyov versuchte, das Schöne in der Natur zu „benennen“, der Schönheit einen Namen zu geben. Er sagte, dass die Schönheit der Natur das Sonnen-, Mond- und Astrallicht, die Lichtveränderungen während des Tages und der Nacht, die Reflexion des Lichts auf Wasser, Bäumen, Gras und Gegenständen, das Lichtspiel von Blitzen, der Sonne und dem Mond sei.

Die genannten Naturphänomene verursachen ästhetische Gefühle, ästhetischer Genuss. Und obwohl diese Gefühle auch mit der Vorstellung von Dingen verbunden sind, zum Beispiel mit einem Gewitter, mit dem Universum, kann man sich dennoch vorstellen, dass Naturbilder in der Kunst Bilder von Sinneseindrücken sind.

Ein sinnlicher Eindruck, ein gedankenloser Genuss des Schönen, auch im Licht des Mondes und der Sterne, sind möglich, und solche Gefühle sind in der Lage, immer wieder etwas Ungewöhnliches zu entdecken, aber die künstlerische Darstellung von Kunst nimmt ein breites Spektrum spiritueller Phänomene auf, beides sinnlich und intellektuell. Folglich hat die Kunsttheorie keinen Anlass, bestimmte Phänomene zu verabsolutieren.

Die figurative Sphäre eines Kunstwerks entsteht gleichzeitig auf vielen verschiedene Level Bewusstsein: Gefühle, Intuition, Vorstellungskraft, Logik, Fantasie, Gedanken. Die visuelle, verbale oder akustische Darstellung eines Kunstwerks ist kein Abbild der Realität, auch wenn sie optimal lebensecht ist. Die künstlerische Darstellung offenbart durch die Beteiligung des Denkens am Prozess der Schaffung künstlerischer Realität deutlich ihre sekundäre, durch das Denken vermittelte Natur.

Das künstlerische Bild ist der Schwerpunkt, die Synthese von Gefühl und Gedanke, Intuition und Vorstellungskraft; Die figurative Sphäre der Kunst zeichnet sich durch eine spontane Selbstentwicklung aus, die mehrere Konditionierungsvektoren aufweist: den „Druck“ des Lebens selbst, die „Flucht“ der Fantasie, die Logik des Denkens, die gegenseitige Beeinflussung der intrastrukturellen Zusammenhänge des Werkes , ideologische Tendenzen und die Denkrichtung des Künstlers.

Die Funktion des Denkens zeigt sich auch darin, das Gleichgewicht zu wahren und all diese widersprüchlichen Faktoren zu harmonisieren. Das Denken des Künstlers arbeitet an der Integrität des Bildes und des Werkes. Ein Bild ist das Ergebnis von Eindrücken, ein Bild ist eine Frucht der Vorstellungskraft und Fantasie des Künstlers und zugleich ein Produkt seiner Gedanken. Erst in der Einheit und dem Zusammenspiel all dieser Seiten entsteht ein spezifisches Phänomen der Kunst.

Aufgrund des Gesagten ist klar, dass das Bild relevant und nicht mit dem Leben identisch ist. Und es kann unzählige künstlerische Bilder derselben Sphäre der Objektivität geben.

Als Produkt des Denkens steht ein künstlerisches Bild auch im Mittelpunkt der ideologischen inhaltlichen Äußerung.

Ein künstlerisches Bild hat eine Bedeutung als „Repräsentant“ bestimmter Aspekte der Realität und ist in dieser Hinsicht ein komplexerer und vielschichtigerer Begriff als eine Form des Denkens, bei der es notwendig ist, zwischen den verschiedenen Bestandteilen zu unterscheiden Bedeutung. Die Bedeutung eines abendfüllenden Kunstwerks ist komplex – ein „zusammengesetztes“ Phänomen, das Ergebnis künstlerischer Meisterschaft, also Wissen, ästhetischer Erfahrung und Reflexion über den Stoff der Wirklichkeit. Bedeutung existiert in einem Werk nicht als etwas Isoliertes, Beschriebenes oder Ausgedrücktes. Es „ergibt“ sich aus den Bildern und dem Werk als Ganzes. Die Bedeutung eines Werkes ist jedoch ein Produkt des Denkens und daher sein besonderes Kriterium.

Künstlerischer Sinn funktioniert - Endprodukt kreatives Denken Künstler. Die Bedeutung gehört zum Bild, daher hat der semantische Inhalt des Werkes einen spezifischen Charakter, der mit seinen Bildern identisch ist.

Wenn wir von der Aussagekraft eines künstlerischen Bildes sprechen, dann ist dies nicht nur eine Bedeutung, die Gewissheit und ihre Bedeutung ausdrückt, sondern auch eine ästhetische, emotionale und intonatorische Bedeutung. All dies wird allgemein als redundante Informationen bezeichnet.

Ein künstlerisches Bild ist eine vielschichtige Idealisierung eines Objekts, sei es materiell oder spirituell, real oder imaginär; es lässt sich nicht auf semantische Eindeutigkeit reduzieren und ist nicht identisch mit Zeicheninformationen.

Das Bild enthält objektive Inkonsistenz Informationselemente, Gegensätze und Bedeutungsalternativen, die spezifisch für die Natur des Bildes sind, da es die Einheit des Allgemeinen und des Einzelnen darstellt. Das Signifikat und der Signifikant, also die Zeichensituation, können nur ein Element des Bildes oder ein Bildausschnitt (eine Bildart) sein.

Seitdem hat sich der Informationsbegriff nicht nur technisch und technisch durchgesetzt semantische Bedeutung, aber auch eine breitere philosophische Bedeutung, ein Kunstwerk sollte als spezifisches Informationsphänomen interpretiert werden. Diese Besonderheit manifestiert sich insbesondere darin, dass der visuell-beschreibende, figurativ-handlungsbezogene Inhalt eines Kunstwerks als Kunst an sich und als „Container“ von Ideen informativ ist.

Somit ist die Darstellung des Lebens und die Art und Weise, wie es dargestellt wird, an sich schon voller Bedeutung. Und die Tatsache, dass der Künstler bestimmte Bilder ausgewählt hat und dass er ihnen durch die Kraft der Vorstellungskraft und Fantasie ausdrucksstarke Elemente hinzugefügt hat – all das spricht für sich, denn es ist nicht nur ein Produkt der Fantasie und des Könnens, sondern auch ein Produkt des Denkens des Künstlers.

Ein Kunstwerk hat insofern Bedeutung, als es die Realität widerspiegelt und sofern das, was reflektiert wird, das Ergebnis des Nachdenkens über die Realität ist.

Das künstlerische Denken in der Kunst hat verschiedene Bereiche und das Bedürfnis, seine Ideen direkt auszudrücken und für diesen Ausdruck eine spezielle poetische Sprache zu entwickeln.

2 Mittel zur Schaffung eines künstlerischen Bildes

Ein künstlerisches Bild mit sinnlicher Konkretheit wird als eigenständiges, einzigartiges personifiziert, im Gegensatz zu einem vorkünstlerischen Bild, bei dem die Personifizierung einen diffusen, künstlerisch unentwickelten Charakter hat und daher ohne Einzigartigkeit ist. Die Personifizierung im entwickelten künstlerischen und fantasievollen Denken ist von grundlegender Bedeutung.

Das künstlerisch-phantasievolle Zusammenwirken von Produktion und Konsum hat jedoch einen besonderen Charakter, da künstlerisches Schaffen in gewissem Sinne auch Selbstzweck, also ein relativ eigenständiges geistiges und praktisches Bedürfnis ist. Es ist kein Zufall, dass die Vorstellung, dass Betrachter, Zuhörer und Leser gewissermaßen Komplizen sind kreativer Vorgang Künstler, wurde oft sowohl von Theoretikern als auch von Kunstpraktikern zum Ausdruck gebracht.

In den Besonderheiten der Subjekt-Objekt-Beziehungen, in der künstlerischen und figurativen Wahrnehmung lassen sich mindestens drei wesentliche Merkmale unterscheiden.

Das erste ist, dass ein künstlerisches Bild, das als Antwort eines Künstlers auf bestimmte gesellschaftliche Bedürfnisse, als Dialog mit dem Publikum, im Bildungsprozess entsteht, unabhängig von diesem Dialog ein eigenes Leben in der künstlerischen Kultur erhält, da es immer mehr in ihn eintritt neue Dialoge, über deren Möglichkeiten der Autor während des kreativen Prozesses vielleicht noch nicht einmal geahnt hat. Große künstlerische Bilder leben als objektiver spiritueller Wert nicht nur im künstlerischen Gedächtnis der Nachkommen weiter (zum Beispiel als Träger spiritueller Traditionen), sondern auch als reale, zeitgenössische Kraft, die einen Menschen dazu ermutigt soziale Aktivität.

Das zweite wesentliche Merkmal der dem künstlerischen Bild innewohnenden und in seiner Wahrnehmung zum Ausdruck kommenden Subjekt-Objekt-Beziehungen besteht darin, dass die „Zweigung“ in Schöpfung und Konsum in der Kunst eine andere ist als im Bereich der materiellen Produktion. Beschäftigt sich der Verbraucher im Bereich der materiellen Produktion nur mit dem Produktionsprodukt und nicht mit dem Prozess der Entstehung dieses Produkts, so nimmt im künstlerischen Schaffen, im Akt der Wahrnehmung künstlerischer Bilder, der Einfluss des kreativen Prozesses eine aktive Rolle ein . Wie das Ergebnis bei Produkten der materiellen Produktion erzielt wird, ist für den Verbraucher relativ unwichtig, während es in der künstlerischen und figurativen Wahrnehmung äußerst bedeutsam ist und einen der Hauptpunkte darstellt künstlerischer Prozess.

Wenn im Bereich der materiellen Produktion die Prozesse der Schöpfung und des Konsums relativ unabhängig voneinander sind, wie z bestimmte Form Wenn man die Lebenstätigkeit der Menschen betrachtet, ist es absolut unmöglich, künstlerische und figurative Produktion und Konsum voneinander zu trennen, ohne das Verständnis für die Besonderheiten der Kunst zu beeinträchtigen. Dabei ist zu bedenken, dass sich das grenzenlose künstlerische und figurative Potenzial nur darin offenbart historischer Prozess Verbrauch. Es kann nicht nur im Akt der unmittelbaren Wahrnehmung der „Wegwerfnutzung“ erschöpft werden.

Es gibt noch ein drittes spezifisches Merkmal der Subjekt-Objekt-Beziehungen, die der Wahrnehmung eines künstlerischen Bildes innewohnen. Sein Wesen läuft auf Folgendes hinaus: Wenn beim Konsum von Produkten der materiellen Produktion die Wahrnehmung der Prozesse dieser Produktion keineswegs notwendig ist und den Akt des Konsums nicht bestimmt, dann erscheint in der Kunst der Prozess der Schaffung künstlerischer Bilder im Prozess ihres Konsums „zum Leben zu erwachen“. Dies zeigt sich am deutlichsten bei jenen Formen künstlerischen Schaffens, die mit der Darbietung verbunden sind. Es geht umüber Musik, Theater, also jene Kunstgattungen, in denen die Politik gewissermaßen Zeuge des schöpferischen Aktes ist. Tatsächlich, in verschiedene Formen Dies ist in allen Arten von Kunst vorhanden, in manchen mehr, in anderen weniger offensichtlich, und drückt sich in der Einheit dessen aus, was und wie ein Kunstwerk versteht. Durch diese Einheit nimmt das Publikum nicht nur das Können des Darstellers wahr, sondern auch die unmittelbare Kraft der künstlerischen und figurativen Wirkung in ihrer sinnvollen Bedeutung.

Ein künstlerisches Bild ist eine Verallgemeinerung, die sich in konkreter, sinnlicher Form offenbart und für eine Reihe von Phänomenen wesentlich ist. Die Dialektik des Allgemeinen (Typischen) und des Individuellen (Individuellen) im Denken entspricht ihrer dialektischen Durchdringung in der Realität. In der Kunst drückt sich diese Einheit nicht in ihrer Universalität, sondern in ihrer Individualität aus: Das Allgemeine manifestiert sich im Einzelnen und durch das Einzelne. Poetische Darstellung ist figurativ und offenbart kein abstraktes Wesen, keine zufällige Existenz, sondern ein Phänomen, in dem das Substantielle durch seine Erscheinung, seine Individualität erkannt wird. In einer der Szenen von Tolstois Roman Anna Karenina will sich Karenin von seiner Frau scheiden lassen und wendet sich an einen Anwalt. Ein vertrauliches Gespräch findet in einem gemütlichen, mit Teppichen ausgelegten Büro statt. Plötzlich fliegt eine Motte durch den Raum. Und obwohl es in Karenins Geschichte um die dramatischen Umstände seines Lebens geht, ist es für den Anwalt wichtig, die Motte zu fangen, die seine Teppiche bedroht. Ein kleines Detail hat eine große Bedeutung: Meistens sind die Menschen einander gleichgültig und Dinge sind für sie von größerem Wert als ein Mensch und sein Schicksal.

Die Kunst des Klassizismus zeichnet sich durch Verallgemeinerung aus – künstlerische Verallgemeinerung durch Hervorhebung und Verabsolutierung eines spezifischen Merkmals des Helden. Die Romantik zeichnet sich durch Idealisierung aus – Verallgemeinerung durch die direkte Verkörperung von Idealen und deren Auferlegung auf reales Material. Die realistische Kunst zeichnet sich durch Typisierung aus – künstlerische Verallgemeinerung durch Individualisierung durch Auswahl wesentlicher Persönlichkeitsmerkmale. In der realistischen Kunst ist jede dargestellte Person ein Typ, aber gleichzeitig eine ganz bestimmte Persönlichkeit – ein „vertrauter Fremder“.

Dem Begriff der Typisierung kommt im Marxismus eine besondere Bedeutung zu. Dieses Problem wurde erstmals von K. Marx und F. Engels im Briefwechsel mit F. Lassalle zu seinem Drama „Franz von Sickingen“ gestellt.

Im 20. Jahrhundert verschwinden alte Vorstellungen von Kunst und künstlerischem Bild und auch der Inhalt des Begriffs „Typisierung“ verändert sich.

Es gibt zwei miteinander verbundene Ansätze für diese Manifestation künstlerischen und figurativen Bewusstseins.

Erstens so nah wie möglich an der Realität. Es muss betont werden, dass der Dokumentarismus als Wunsch nach einer detaillierten, realistischen und verlässlichen Darstellung des Lebens nicht nur zu einem führenden Trend geworden ist künstlerische Kultur 20. Jahrhundert. Moderne Kunst perfektionierte dieses Phänomen, füllte es mit bisher unbekannten intellektuellen und moralischen Inhalten und bestimmte maßgeblich die künstlerische und figurative Atmosphäre der Epoche. Es ist anzumerken, dass das Interesse an dieser Art von bildlicher Konvention auch heute noch anhält. Dies ist auf die erstaunlichen Erfolge des Journalismus, des Sachkinos, der Kunstfotografie sowie der Veröffentlichung von Briefen, Tagebüchern und Memoiren von Teilnehmern verschiedener historischer Ereignisse zurückzuführen.

Zweitens die maximale Stärkung der Konvention und das Vorhandensein eines sehr greifbaren Zusammenhangs mit der Realität. Dieses System von Konventionen des künstlerischen Bildes beinhaltet die Hervorhebung der integrativen Aspekte des kreativen Prozesses, nämlich: Auswahl, Vergleich, Analyse, die in organischem Zusammenhang mit den individuellen Merkmalen des Phänomens stehen. Typisierung setzt in der Regel eine minimale ästhetische Deformation der Realität voraus, weshalb dieses Prinzip in der Kunstgeschichte den Namen „Lebensechtheit“ erhalten hat und die Welt „in den Formen des Lebens selbst“ nachbildet.

Ein altes indisches Gleichnis erzählt von Blinden, die herausfinden wollten, wie ein Elefant war, und begannen, es zu spüren. Einer von ihnen packte das Bein des Elefanten und sagte: „Ein Elefant ist wie eine Säule“; ein anderer betastete den Bauch des Riesen und kam zu dem Schluss, dass der Elefant ein Krug sei; der dritte berührte den Schwanz und erkannte: „Der Elefant ist das Seil des Schiffes“; Der vierte ergriff seinen Rüssel und erklärte, der Elefant sei eine Schlange. Ihre Versuche zu verstehen, was ein Elefant ist, waren erfolglos, weil sie nicht das Phänomen als Ganzes und sein Wesen verstanden, sondern seine Bestandteile und zufällige Eigenschaften. Ein Künstler, der zufällige Merkmale der Realität zu einem typischen Typus erhebt, verhält sich wie ein Blinder, der einen Elefanten nur deshalb für ein Seil hält, weil er außer dem Schwanz nichts anderes greifen konnte. Ein wahrer Künstler erfasst das Charakteristische und Wesentliche an Phänomenen. Kunst ist in der Lage, ohne sich von der konkreten Sinnesnatur von Phänomenen zu lösen, weitreichende Verallgemeinerungen vorzunehmen und ein Weltbild zu schaffen.

Typisierung ist eines der Hauptgesetze der künstlerischen Erforschung der Welt. Vor allem dank der künstlerischen Verallgemeinerung der Realität, der Identifizierung dessen, was an Lebensphänomenen charakteristisch und wesentlich ist, wird Kunst zu einem wirksamen Mittel, um die Welt zu verstehen und zu verändern. künstlerisches Bild von Shakespeare

Ein künstlerisches Bild ist eine Einheit von Rationalem und Emotionalem. Emotionalität ist das historisch frühe Grundprinzip des künstlerischen Bildes. Die alten Indianer glaubten, dass Kunst entsteht, wenn ein Mensch seine überwältigenden Gefühle nicht zurückhalten kann. Die Legende über den Schöpfer des Ramayana erzählt, wie der Weise Valmiki einen Waldweg entlang ging. Im Gras sah er zwei Watvögel, die einander sanft zuriefen. Plötzlich erschien ein Jäger und durchbohrte einen der Vögel mit einem Pfeil. Überwältigt von Wut, Trauer und Mitgefühl verfluchte Valmiki den Jäger, und die Worte, die seinem von Gefühlen überströmenden Herzen entkamen, formten sich spontan zu einer poetischen Strophe mit dem mittlerweile kanonischen Versmaß „sloka“. Mit diesem Vers befahl der Gott Brahma später Valmiki, die Taten Ramas zu besingen. Diese Legende erklärt den Ursprung der Poesie aus gefühlsreicher, aufgeregter und reich intonierter Sprache.

Um ein dauerhaftes Werk zu schaffen, ist nicht nur ein weites Spektrum an Realität wichtig, sondern auch eine mentale und emotionale Temperatur, die ausreicht, um die Eindrücke der Existenz zum Schmelzen zu bringen. Als der italienische Bildhauer Benvenuto Cellini eines Tages die Figur eines Condottieres in Silber goss, stieß er auf ein unerwartetes Hindernis: Als das Metall in die Form gegossen wurde, stellte sich heraus, dass nicht genug Metall vorhanden war. Der Künstler wandte sich an seine Mitbürger und sie brachten silberne Löffel, Gabeln, Messer und Tabletts in seine Werkstatt. Cellini begann, diese Utensilien in das geschmolzene Metall zu werfen. Als die Arbeit beendet war, erschien vor den Augen der Zuschauer eine wunderschöne Statue, aber der Griff einer Gabel ragte aus dem Ohr des Reiters und ein Löffelstück ragte aus der Kruppe des Pferdes. Während die Stadtbewohner Utensilien trugen, sank die Temperatur des in die Form gegossenen Metalls... Wenn die geistig-emotionale Temperatur nicht ausreicht, um das lebenswichtige Material zu einem Ganzen (künstlerische Realität) zu verschmelzen, ragen „Gabeln“ heraus das Werk, über das der Kunstbetrachter stolpert.

Das Wichtigste in einer Weltanschauung ist die Einstellung einer Person zur Welt und daher ist es klar, dass es sich nicht nur um ein System von Ansichten und Ideen handelt, sondern um den Zustand der Gesellschaft (Klasse, soziale Gruppe, Nation). Die Weltanschauung als besonderer Horizont der gesellschaftlichen Weltreflexion eines Menschen bezieht sich auf das gesellschaftliche Bewusstsein als das Soziale auf das Allgemeine.

Kreative Aktivitäten Jeder Künstler ist auf seine Weltanschauung, also seine konzeptionell formulierte Haltung gegenüber, angewiesen verschiedene Phänomene Realität, einschließlich des Bereichs der Beziehungen zwischen verschiedenen sozialen Gruppen. Dies geschieht jedoch nur im Verhältnis zum Grad der Beteiligung des Bewusstseins am kreativen Prozess als solchem. Dabei kommt dem unbewussten Bereich der Psyche des Künstlers eine bedeutende Rolle zu. Dabei spielen sicherlich unbewusste intuitive Prozesse eine Rolle bedeutende Rolle im künstlerischen und figurativen Bewusstsein des Künstlers. Dieser Zusammenhang wurde von G. Schelling betont: „Kunst... basiert auf der Identität von bewusstem und unbewusstem Handeln.“

Die Weltanschauung des Künstlers als vermittelndes Bindeglied zwischen ihm und dem sozialen Bewusstsein einer sozialen Gruppe enthält ein ideologisches Element. Und innerhalb des individuellen Bewusstseins selbst wird die Weltanschauung gleichsam um bestimmte emotionale und psychologische Ebenen erhöht: Einstellung, Weltanschauung, Weltanschauung. Weltanschauung in in einem größeren Ausmaß ist ein ideologisches Phänomen, während die Weltanschauung sozialpsychologischer Natur ist und sowohl universelle als auch spezifische historische Aspekte enthält. Die Einstellung gehört zum Bereich des Alltagsbewusstseins und umfasst Stimmungen, Vorlieben und Abneigungen, Interessen und Ideale einer Person (einschließlich des Künstlers). Es spielt dabei eine besondere Rolle kreative Arbeit, denn nur darin verwirklicht der Autor seine Weltanschauung und projiziert sie auf das künstlerische und figurative Material seiner Werke.

Die Natur bestimmter Kunstgattungen bestimmt die Tatsache, dass es dem Autor in einigen von ihnen gelingt, seine Weltanschauung nur durch seine Wahrnehmung der Welt zu erfassen, während in anderen die Weltanschauung direkt in das Gefüge der von ihnen geschaffenen künstlerischen Werke einfließt. Also, musikalische Kreativität in der Lage, die Weltanschauung des Subjekts produktiver Tätigkeit nur indirekt durch das von ihm geschaffene System musikalischer Bilder auszudrücken. In der Literatur hat der Autor-Künstler die Möglichkeit, mit Hilfe des Wortes, das von Natur aus mit der Fähigkeit zur Verallgemeinerung ausgestattet ist, seine Ideen und Ansichten zu verschiedenen Aspekten der dargestellten Phänomene der Realität direkter auszudrücken.

Viele Künstler der Vergangenheit zeichneten sich durch einen Widerspruch zwischen ihrer Weltanschauung und der Natur ihres Talents aus. Also M.F. Seiner Ansicht nach war Dostojewski ein liberaler Monarchist, der sich offensichtlich auch dafür interessierte, alle Übel seiner heutigen Gesellschaft durch spirituelle Heilung mit Hilfe von Religion und Kunst zu lösen. Gleichzeitig erwies sich der Schriftsteller jedoch als Besitzer des seltensten realistischen künstlerischen Talents. Und dies ermöglichte es ihm, unübertroffene Beispiele für die wahrheitsgetreuesten Bilder der dramatischsten Widersprüche seiner Zeit zu schaffen.

Doch in Übergangszeiten erweist sich die Weltanschauung der meisten selbst der talentiertesten Künstler als in sich widersprüchlich. Zum Beispiel die gesellschaftspolitischen Ansichten von L.N. Tolstoi kombinierte auf komplexe Weise die Ideen des utopischen Sozialismus, zu denen Kritik an der bürgerlichen Gesellschaft und theologische Anliegen und Slogans gehörten. Darüber hinaus kann sich die Weltanschauung einiger bedeutender Künstler unter dem Einfluss der Veränderungen der gesellschaftspolitischen Lage in ihren Ländern mitunter sehr komplex entwickeln. Daher war Dostojewskis Weg der spirituellen Entwicklung sehr schwierig und komplex: vom utopischen Sozialismus der 40er Jahre bis zum liberalen Monarchismus der 60er und 80er Jahre des 19. Jahrhunderts.

Die Gründe für die innere Widersprüchlichkeit der Weltanschauung des Künstlers liegen in der Heterogenität ihrer Bestandteile, in ihrer relativen Autonomie und in der unterschiedlichen Bedeutung für den kreativen Prozess. Wenn für einen Naturwissenschaftler aufgrund der Art seiner Tätigkeit die naturhistorischen Komponenten seiner Weltanschauung von entscheidender Bedeutung sind, stehen für einen Künstler seine ästhetischen Ansichten und Überzeugungen an erster Stelle. Darüber hinaus steht das Talent des Künstlers in direktem Zusammenhang mit seiner Überzeugung, also mit „intellektuellen Emotionen“, die zum Motiv für die Schaffung bleibender künstlerischer Bilder wurden.

Das moderne künstlerische und figurative Bewusstsein muss antidogmatisch sein, das heißt, es zeichnet sich durch eine entschiedene Ablehnung jeglicher Verabsolutierung eines einzigen Prinzips, einer einzigen Haltung, Formulierung, Bewertung aus. Keine der maßgeblichsten Meinungen und Aussagen sollte vergöttert werden, zur ultimativen Wahrheit werden oder zu künstlerischen Standards und Stereotypen werden. Die Überhöhung des dogmatischen Ansatzes zum „kategorischen Imperativ“ künstlerischen Schaffens verabsolutiert zwangsläufig die Klassenkonfrontation, die in einem spezifischen historischen Kontext letztlich zur Rechtfertigung von Gewalt führt und diese überspitzt semantische Rolle nicht nur in der Theorie, sondern auch in der künstlerischen Praxis. Eine Dogmatisierung des kreativen Prozesses zeigt sich auch dann, wenn bestimmte Techniken und Haltungen den Charakter der einzig möglichen künstlerischen Wahrheit annehmen.

Auch die moderne russische Ästhetik muss sich von ihrem seit vielen Jahrzehnten so charakteristischen Epigonismus befreien. Es ist notwendig, sich von der Methode zu befreien, endlos Klassiker zu Fragen künstlerischer und figurativer Spezifität zu zitieren, von der unkritischen Wahrnehmung anderer, selbst der verlockendsten überzeugendsten Standpunkte, Urteile und Schlussfolgerungen und vom Streben nach der Darstellung der eigenen, persönlichen Ansichten und Überzeugungen für jeden modernen Forscher, wenn er ein echter Wissenschaftler sein will und kein Funktionär in einer wissenschaftlichen Abteilung, kein Beamter im Dienste von jemandem oder etwas. Bei der Schaffung von Kunstwerken manifestiert sich der Epigonismus in der mechanischen Einhaltung der Prinzipien und Methoden jeder Kunstschule, Richtung, ohne Berücksichtigung der Veränderungen historische Situation. Unterdessen hat Epigonismus nichts mit der wirklich kreativen Entwicklung des klassischen künstlerischen Erbes und der Traditionen zu tun.

So hat das weltästhetische Denken verschiedene Schattierungen des Konzepts des „künstlerischen Bildes“ formuliert. In der wissenschaftlichen Literatur findet man solche Merkmale dieses Phänomen, als „das Geheimnis der Kunst“, „eine Zelle der Kunst“, „eine Einheit der Kunst“, „Bildbildung“ usw. Unabhängig davon, welche Beinamen dieser Kategorie verliehen werden, muss jedoch beachtet werden, dass das künstlerische Bild das Wesen der Kunst ist, eine sinnvolle Form, die allen ihren Arten und Genres innewohnt.

Ein künstlerisches Bild ist eine Einheit von Objektivem und Subjektivem. Das Bild umfasst den Stoff der Wirklichkeit, verarbeitet durch die schöpferische Vorstellungskraft des Künstlers, seine Einstellung zum Dargestellten sowie den ganzen Reichtum der Persönlichkeit und des Schöpfers.

Im Prozess der Schaffung eines Kunstwerks fungiert der Künstler als Einzelperson als Subjekt künstlerischen Schaffens. Wenn wir von künstlerischer und figurativer Wahrnehmung sprechen, dann fungiert das vom Schöpfer geschaffene künstlerische Bild als Objekt und der Betrachter, Zuhörer, Leser ist das Subjekt diese Beziehung.

Der Künstler denkt in Bildern, deren Natur konkret und sinnlich ist. Dies verbindet die Bilder der Kunst mit den Formen des Lebens selbst, obwohl dieser Zusammenhang nicht wörtlich genommen werden kann. Solche Formen wie künstlerisches Wort, musikalischer Klang oder architektonisches Ensemble, im Leben selbst gibt es kein und kann nicht sein.

Ein wichtiger strukturbildender Bestandteil des künstlerischen Bildes ist die Weltanschauung des Subjekts Kreativität und seine Rolle in der künstlerischen Praxis. Weltanschauung ist ein System von Ansichten über die objektive Welt und den Platz des Menschen darin, über die Einstellung des Menschen zur ihn umgebenden Realität und zu sich selbst sowie zu den grundlegenden Lebenspositionen der Menschen, ihren Überzeugungen, Idealen, Erkenntnis- und Handlungsprinzipien, die durch sie bestimmt werden diese Ansichten, Wertorientierungen. Gleichzeitig wird am häufigsten angenommen, dass die Weltanschauung verschiedene Schichten Die Gesellschaft entsteht als Ergebnis der Verbreitung von Ideologien im Prozess der Umwandlung des Wissens von Vertretern der einen oder anderen sozialen Schicht in Überzeugungen. Die Weltanschauung sollte als Ergebnis des Zusammenspiels von Ideologie, Religion, Wissenschaft usw. betrachtet werden Sozialpsychologie.

Ein sehr bedeutendes und wichtiges Merkmal des modernen künstlerischen und figurativen Bewusstseins sollte der Dialogismus sein, d. Die Konstruktivität des Dialogs sollte in einer kontinuierlichen geistigen gegenseitigen Bereicherung der Streitparteien bestehen und kreativer, wahrhaft dialogischer Natur sein. Die Existenz von Kunst wird durch den ewigen Dialog zwischen dem Künstler und dem Rezipienten (Betrachter, Zuhörer, Leser) bestimmt. Der für sie bindende Vertrag ist unauflöslich. Es entsteht ein neugeborenes künstlerisches Bild neue Edition, neue Form Dialog. Der Künstler zahlt seine Schulden gegenüber dem Empfänger vollständig zurück, wenn er ihm etwas Neues schenkt. Heute hat der Künstler mehr denn je die Möglichkeit, etwas Neues und auf neue Weise zu sagen.

Alle aufgeführten Richtungen in der Entwicklung des künstlerischen und fantasievollen Denkens sollten zur Bekräftigung des Prinzips des Pluralismus in der Kunst führen, also zur Bekräftigung des Prinzips der Koexistenz und Komplementarität vielfältiger und vielfältiger, auch widersprüchlicher Standpunkte und Positionen , Ansichten und Überzeugungen, Richtungen und Schulen, Bewegungen und Lehren.

2. Merkmale künstlerischer Bilder am Beispiel der Werke von W. Shakespeare

2.1 Merkmale der künstlerischen Bilder von William Shakespeare

Die Werke von W. Shakespeare werden im Literaturunterricht der Klassen 8 und 9 studiert weiterführende Schule. In der 8. Klasse lernen die Schüler „Romeo und Julia“, in der 9. Klasse „Hamlet“ und Shakespeares Sonette.

Shakespeares Tragödien sind ein Beispiel für die „klassische Konfliktlösung in der romantischen Kunstform“ zwischen Mittelalter und Neuzeit, zwischen der feudalen Vergangenheit und der aufstrebenden bürgerlichen Welt. Shakespeares Figuren seien „innerlich konsequent, sich selbst und ihren Leidenschaften treu, und in allem, was ihnen widerfährt, verhalten sie sich entsprechend ihrer festen Entschlossenheit.“

Shakespeares Helden sind „selbstständige Individuen“, die sich ein Ziel setzen, das nur von „ihrer eigenen Individualität“ „diktiert“ wird, und das sie „mit unerschütterlicher Konsequenz der Leidenschaft, ohne Nebenreflexionen“ verwirklichen. Im Zentrum jeder Tragödie steht diese Art von Charakter, und um ihn herum gibt es weniger vornehme und energische Charaktere.

In modernen Stücken gerät ein weichherziger Charakter schnell in Verzweiflung, doch das Drama führt ihn auch in Gefahr nicht in den Tod, was beim Publikum große Zufriedenheit hinterlässt. Wenn sich Tugend und Laster auf der Bühne gegenüberstehen, muss sie triumphieren und er muss bestraft werden. Bei Shakespeare stirbt der Held „gerade aufgrund der entschiedenen Treue zu sich selbst und seinen Zielen“, was als „tragische Auflösung“ bezeichnet wird.

Shakespeares Sprache ist metaphorisch und sein Held steht über seinem „Trauer“ oder seiner „bösen Leidenschaft“, ja sogar über seiner „lächerlichen Vulgarität“. Was auch immer Shakespeares Charaktere sein mögen, sie sind Männer mit „der freien Vorstellungskraft und dem Geist des Genies ...“ Ihr Spiegelbild steht und stellt sie über das, was sie in ihrer Position und ihrem Status sind bestimmte Zwecke" Aber auf der Suche nach einem „Analog“. innere Erfahrung„Dieser Held ist nicht immer frei von Exzessen, manchmal auch unbeholfen.“

Bemerkenswert ist auch Shakespeares Humor. Obwohl seine komischen Bilder „in ihrer Vulgarität versunken“ seien und „an flachen Witzen nicht mangeln“, seien sie zugleich „intelligent“. Ihr „Genie“ könnte sie zu „großen Männern“ machen.

Ein wesentlicher Punkt des Shakespeareschen Humanismus ist das Verständnis des Menschen in seiner Bewegung, seiner Entwicklung und seiner Bildung. Dies bestimmt die Methode künstlerische Merkmale Held. Letzteres zeigt sich bei Shakespeare stets nicht im erstarrten, bewegungslosen Zustand, nicht in der Bildhauerei einer Momentaufnahme, sondern in der Bewegung, in der Geschichte des Einzelnen. Tiefe Dynamik zeichnet Shakespeares ideologisches und künstlerisches Menschenbild und seine Methode aus künstlerisches Bild Person. Normalerweise ist der Held eines englischen Dramatikers in verschiedenen Phasen der dramatischen Handlung, in verschiedenen Akten und Szenen unterschiedlich.

Shakespeares Mann wird in der Fülle seiner Fähigkeiten gezeigt, in der vollen kreativen Perspektive seiner Geschichte, seines Schicksals. Bei Shakespeare ist es wichtig, nicht nur einen Menschen in seiner inneren schöpferischen Bewegung zu zeigen, sondern auch die Bewegungsrichtung selbst aufzuzeigen. Diese Richtung ist die höchste und vollständigste Offenlegung aller menschlichen Potenziale, aller seiner interne Kräfte. Diese Richtung - in einigen Fällen gibt es eine Wiedergeburt eines Menschen, sein inneres spirituelles Wachstum, für einige den Aufstieg eines Helden höchstes Level seine Existenz (Prinz Heinrich, König Lear, Prospero usw.). („König Lear“ von Shakespeare wird von Schülern der 9. Klasse im Rahmen außerschulischer Aktivitäten studiert).

„Es gibt niemanden auf der Welt, dem man die Schuld geben kann“, verkündet König Lear nach den turbulenten Umbrüchen seines Lebens. Bei Shakespeare bedeutet dieser Satz ein tiefes Bewusstsein für soziale Ungerechtigkeit, die Verantwortung des gesamten Gesellschaftssystems für das unzählige Leid der armen Toms. Bei Shakespeare eröffnet dieses Gefühl sozialer Verantwortung im Kontext der Erfahrungen des Helden eine umfassende Perspektive für das kreative Wachstum des Einzelnen, seine ultimative moralische Wiederbelebung. Für ihn dient dieser Gedanke als Plattform zur Bestätigung beste Qualitäten sein Held, um seine heroisch persönliche Substanz zu bekräftigen. Bei all den reichen, vielfarbigen Veränderungen und Wandlungen von Shakespeares Persönlichkeit ist der heroische Kern dieser Persönlichkeit unerschütterlich. Die tragische Dialektik von Persönlichkeit und Schicksal bei Shakespeare führt zur Klarheit und Klarheit seiner positiven Idee. In Shakespeares „König Lear“ bricht die Welt zusammen, aber der Mann selbst lebt und verändert sich und mit ihm die ganze Welt. Die Entwicklung und der qualitative Wandel bei Shakespeare sind umfassend und vielfältig.

Shakespeare besitzt einen Zyklus von 154 Sonetten, der 1609 (ohne Wissen oder Zustimmung des Autors) veröffentlicht, aber offenbar bereits in den 1590er Jahren geschrieben wurde und eines der brillantesten Beispiele westeuropäischer Lyrik der Renaissance war. Hat es geschafft, beliebt zu werden Englische Dichter Die Form unter Shakespeares Feder erstrahlte in neuen Facetten und enthielt ein breites Spektrum an Gefühlen und Gedanken – von intimen Erlebnissen bis hin zu tiefen philosophischen Reflexionen und Verallgemeinerungen.

Forscher machen seit langem auf die enge Verbindung zwischen Sonetten und Shakespeares Dramaturgie aufmerksam. Dieser Zusammenhang manifestiert sich nicht nur in der organischen Verschmelzung des lyrischen Elements mit dem Tragischen, sondern auch darin, dass die Ideen der Leidenschaft, die Shakespeares Tragödien inspirieren, auch in seinen Sonetten lebendig sind. Wie in seinen Tragödien berührt Shakespeare in seinen Sonetten die grundlegenden Probleme des Daseins, die die Menschheit seit Jahrhunderten beunruhigen, er spricht über Glück und den Sinn des Lebens, über das Verhältnis von Zeit und Ewigkeit, über Gebrechlichkeit menschliche Schönheit und ihre Größe, über Kunst, die den unaufhaltsamen Lauf der Zeit überwinden kann, über die hohe Mission des Dichters.

Das ewige, unerschöpfliche Thema der Liebe, eines der zentralen Themen der Sonette, ist eng mit dem Thema der Freundschaft verknüpft. In Liebe und Freundschaft findet der Dichter eine wahre Quelle kreativer Inspiration, unabhängig davon, ob sie ihm Freude und Glückseligkeit oder den Schmerz der Eifersucht, Traurigkeit und seelischen Qual bereiten.

In der Literatur der Renaissance nimmt das Thema Freundschaft, insbesondere die Männerfreundschaft, einen wichtigen Platz ein: Sie gilt als höchste Manifestation der Menschlichkeit. In einer solchen Freundschaft verbinden sich die Gebote der Vernunft harmonisch mit spirituellen Neigungen, frei vom sinnlichen Prinzip.

Shakespeares Bild des Geliebten ist betont unkonventionell. Wenn die Sonette von Petrarca und seinen englischen Anhängern normalerweise eine goldhaarige, engelhafte Schönheit verherrlichen, stolz und unzugänglich, dann widmet Shakespeare im Gegenteil einer dunklen Brünette eifersüchtige Vorwürfe – inkonsistent, nur der Stimme der Leidenschaft gehorchend.

Das Leitmotiv der Trauer über die Zerbrechlichkeit alles Irdischen, das sich durch den gesamten Zyklus zieht, die vom Dichter deutlich erkannte Unvollkommenheit der Welt verstößt nicht gegen die Harmonie seiner Weltanschauung. Die Illusion der Glückseligkeit nach dem Tod ist ihm fremd – er sieht menschliche Unsterblichkeit in Ruhm und Nachkommenschaft und rät seinem Freund, seine Jugend in Kindern wieder aufleben zu lassen.

Abschluss

Ein künstlerisches Bild ist also eine verallgemeinerte künstlerische Reflexion der Realität, gekleidet in die Form eines bestimmten individuellen Phänomens. Ein künstlerisches Bild zeichnet sich aus durch: Zugänglichkeit zur direkten Wahrnehmung und direkten Einfluss auf menschliche Gefühle.

Jedes künstlerische Bild ist nicht ganz konkret; klar festgelegte Grundmomente sind darin mit dem Element unvollständiger Bestimmtheit, Halbmanifestation bekleidet. Dies ist eine gewisse „Unzulänglichkeit“ des künstlerischen Bildes im Vergleich zur Realität einer Tatsache des Lebens (Kunst strebt danach, Realität zu werden, wird aber durch ihre eigenen Grenzen gebrochen), aber auch ein Vorteil, der ihre Mehrdeutigkeit in einer Reihe von Komplementären sicherstellt Interpretationen, deren Grenzen nur durch die Akzentuierung des Künstlers gesetzt werden.

Innere Form Das künstlerische Bild ist persönlich, es trägt eine unauslöschliche Spur des ideologischen Geistes des Autors, seiner isolierenden und umsetzenden Initiative, dank derer das Bild als geschätzte menschliche Realität, als kultureller Wert neben anderen Werten, als Ausdruck historisch relativer Tendenzen und Ideale erscheint . Aber als „Organismus“, der auf dem Prinzip der sichtbaren Revitalisierung des Materials basiert, ist das künstlerische Bild von der künstlerischen Seite aus ein Schauplatz der ultimativen Wirkung ästhetisch harmonisierender Gesetze der Existenz, in der es keine „schlechte Unendlichkeit“ und kein ungerechtfertigtes Ende gibt , wo der Raum sichtbar und die Zeit umkehrbar ist, wo der Zufall nicht absurd, aber die Notwendigkeit nicht belastend ist, wo Klarheit über Trägheit triumphiert. Und in dieser Natur gehört der künstlerische Wert nicht nur zur Welt der relativen soziokulturellen Werte, sondern auch zur Welt der Lebenswerte, die im Lichte der ewigen Bedeutung erkannt werden, zur Welt der Ideale Lebenschancen unser menschliches Universum. Daher kann eine künstlerische Annahme im Gegensatz zu einer wissenschaftlichen Hypothese nicht als unnötig verworfen und durch eine andere ersetzt werden, selbst wenn die historischen Einschränkungen ihres Schöpfers offensichtlich erscheinen.

Angesichts der Suggestivkraft künstlerischer Annahme sind sowohl Kreativität als auch Kunstwahrnehmung immer mit kognitiven und ethischen Risiken verbunden, und bei der Bewertung eines Kunstwerks ist es ebenso wichtig: sich der Intention des Autors zu unterwerfen, den ästhetischen Gegenstand nachzubilden in seiner organischen Integrität und Selbstrechtfertigung und bewahren Sie, ohne sich dieser Idee vollständig zu unterwerfen, die Freiheit Ihres eigenen Standpunkts, gewährleistet durch das wirkliche Leben und die spirituelle Erfahrung.

Beim Studium einzelner Werke Shakespeares muss der Lehrer die Aufmerksamkeit der Schüler auf die von ihm geschaffenen Bilder lenken, Zitate aus den Texten liefern und Rückschlüsse auf den Einfluss dieser Literatur auf die Gefühle und Handlungen der Leser ziehen.

Abschließend möchten wir noch einmal betonen, dass es Shakespeares künstlerische Bilder sind ewiger Wert und wird immer relevant sein, unabhängig von Zeit und Ort, denn in seinen Werken stellt er ewige Fragen, die seit jeher die gesamte Menschheit beunruhigen und beunruhigen: Wie kann man das Böse bekämpfen, mit welchen Mitteln und ist es möglich, es zu besiegen? Lohnt es sich überhaupt zu leben, wenn das Leben voller Böses ist und es unmöglich ist, es zu besiegen? Was ist wahr im Leben und was ist eine Lüge? Wie kann man wahre Gefühle von falschen unterscheiden? Kann Liebe ewig sein? Was ist überhaupt der Sinn? Menschenleben?

Unsere Forschung bestätigt die Relevanz des gewählten Themas, ist praxisorientiert und kann Studierenden der Pädagogik empfohlen werden Bildungsinstitutionen im Rahmen des Faches „Literaturunterricht in der Schule“.

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Es wurde von einem talentierten Künstler geschaffen und hinterlässt „ tiefe Spur„im Herzen und im Kopf des Betrachters oder Lesers. Was bedeutet das? starker Einfluss, lässt Sie tief in das hineinfühlen, was Sie sehen, lesen oder hören? Dies ist ein künstlerisches Bild in Literatur und Kunst, das durch das Können und die Persönlichkeit des Schöpfers geschaffen wurde, der es konnte erstaunlich Die Realität überdenken und transformieren, sie in Einklang bringen und unseren persönlichen Gefühlen nahe bringen.

Künstlerisches Bild

In der Literatur und Kunst ist dies jedes Phänomen, das von einem Künstler, Komponisten oder Schriftsteller in einem Kunstfach verallgemeinert und kreativ nachgebildet wird. Es ist visuell und sinnlich, d.h. verständlich und offen für die Wahrnehmung und in der Lage, tiefe emotionale Erfahrungen hervorzurufen. Diese Merkmale sind dem Bild inhärent, denn der Künstler kopiert Lebensphänomene nicht einfach, sondern füllt sie mit einer besonderen Bedeutung, färbt sie mit Hilfe individueller Techniken ein, macht sie geräumiger, ganzheitlicher und voluminöser. Natürlich ist künstlerische Kreativität im Gegensatz zur wissenschaftlichen Kreativität sehr subjektiv; sie zieht die Menschen vor allem durch die Persönlichkeit des Autors, den Grad seiner Vorstellungskraft, Fantasie, Gelehrsamkeit und seinen Sinn für Humor an. Ein lebendiges Bild in Literatur und Kunst entsteht auch durch völlige Freiheit der Kreativität, wenn sich dem Schöpfer die grenzenlosen Weiten der künstlerischen Vorstellungskraft und grenzenlosen Ausdrucksmöglichkeiten eröffnen, mit deren Hilfe er sein Werk schafft.

Die Originalität des künstlerischen Bildes

Das künstlerische Bild in Kunst und Literatur zeichnet sich im Gegensatz zum wissenschaftlichen Schaffen durch erstaunliche Integrität aus. Er zerlegt das Phänomen nicht in seine Bestandteile, sondern betrachtet alles in der untrennbaren Einheit von Innen und Außen, Persönlich und Sozial. Originalität und Tiefe Kunstwelt manifestieren sich auch darin, dass es sich bei den Bildern in Kunstwerken nicht nur um Menschen, sondern auch um Natur, unbelebte Gegenstände, Städte und Länder, individuelle Charaktereigenschaften und Persönlichkeitsmerkmale handelt, denen oft das Aussehen phantastischer Kreaturen verliehen wird oder im Gegenteil , sehr banale, alltägliche Gegenstände. Landschaften und Stillleben, die in den Gemälden von Künstlern dargestellt sind, sind auch Abbilder ihrer Arbeit. Aivazovsky malt das Meer andere Zeit Jahr und Tag schuf ein sehr umfangreiches künstlerisches Bild, das in den kleinsten Farb- und Lichtnuancen nicht nur die Schönheit der Meereslandschaft und die Weltanschauung des Künstlers vermittelte, sondern auch die Fantasie des Betrachters weckte und in ihm rein persönliche Empfindungen hervorrief.

Bild als Spiegelbild der Realität

Das künstlerische Bild in Literatur und Kunst kann sehr sinnlich und rational, sehr subjektiv und persönlich oder sachlich sein. Aber auf jeden Fall ist es ein Spiegelbild des wirklichen Lebens (auch in fantastischen Werken), da Schöpfer und Betrachter dazu neigen, in Bildern zu denken und die Welt als eine Kette von Bildern wahrzunehmen.

Jeder Künstler ist ein Schöpfer. Er spiegelt nicht nur die Realität wider und versucht, existenzielle Fragen zu beantworten, sondern schafft auch neue Bedeutungen, die für ihn und für die Zeit, in der er lebt, wichtig sind. Daher ist das künstlerische Bild in Literatur und Kunst sehr umfassend und spiegelt nicht nur Probleme wider objektive Welt, sondern auch die subjektiven Erfahrungen und Reflexionen des Autors, der es geschaffen hat.

Kunst und Literatur als Spiegelbild der objektiven Welt wachsen und entwickeln sich mit ihr. Zeiten und Epochen ändern sich, neue Richtungen und Trends entstehen. Übergreifende künstlerische Bilder durchlaufen die Zeit, verwandeln sich und verändern sich, aber gleichzeitig entstehen neue als Reaktion auf die Anforderungen der Zeit, historische Veränderungen und persönliche Veränderungen, denn Kunst und Literatur sind in erster Linie ein Spiegelbild der Realität durch ein sich ständig veränderndes und zeitgemäßes Bildsystem.

Poetische Kunst ist Denken in Bildern. Das Bild ist das wichtigste und direkt wahrgenommene Element Literarische Arbeit. Das Bild steht im Mittelpunkt ideologischer und ästhetischer Inhalte und verbale Form seine Inkarnation.

Der Begriff „künstlerisches Bild“ ist relativ jungen Ursprungs. Es wurde erstmals von J. V. Goethe verwendet. Allerdings ist das Problem des Bildes selbst eines der ältesten. Der Beginn der Theorie des künstlerischen Bildes findet sich in der Lehre des Aristoteles über die „Mimesis“. Der Begriff „Bild“ fand nach der Veröffentlichung der Werke von G. W. F. Hegel breite literarische Verwendung. Der Philosoph schrieb: „Wir können eine poetische Darstellung als figurativ bezeichnen, da sie uns statt eines abstrakten Wesens ihre konkrete Realität vor Augen führt.“

G. W. F. Hegel befasste sich in seiner Reflexion über den Zusammenhang zwischen Kunst und Ideal mit der Frage der transformativen Wirkung künstlerischer Kreativität auf das Leben der Gesellschaft. „Vorlesungen zur Ästhetik“ enthalten eine detaillierte Theorie des künstlerischen Bildes: ästhetische Realität, künstlerisches Maß, Ideologie, Originalität, Einzigartigkeit, universelle Bedeutung, Dialektik von Inhalt und Form.

IN moderne Literaturkritik Unter einem künstlerischen Bild versteht man die Wiedergabe von Lebensphänomenen in konkreter, individueller Form. Der Sinn und Zweck des Bildes besteht darin, das Allgemeine durch das Individuum zu vermitteln, nicht durch Nachahmung der Realität, sondern durch Reproduktion.

Das Wort ist das wichtigste Mittel zur Schaffung eines poetischen Bildes in der Literatur. Ein künstlerisches Bild offenbart die Klarheit eines Objekts oder Phänomens.

Das Bild hat folgende Parameter: Objektivität, semantische Allgemeinheit, Struktur. Motivbilder sind statisch und beschreibend. Dazu gehören Bilder von Details und Sachverhalten. Semantische Bilder werden in zwei Gruppen unterteilt: individuell – erstellt durch das Talent und die Vorstellungskraft des Autors, die die Lebensmuster in einer bestimmten Zeit und in einer bestimmten Umgebung widerspiegeln; und Bilder, die die Grenzen ihrer Zeit überschreiten und universelle Bedeutung erlangen.

Zu den Bildern, die über das Werk und oft auch über das Werk eines Autors hinausgehen, gehören Bilder, die in mehreren Werken eines oder mehrerer Autoren wiederholt werden. Bilder, die für eine ganze Epoche oder Nation charakteristisch sind, und archetypische Bilder, enthalten die stabilsten „Formeln“ der menschlichen Vorstellungskraft und Selbsterkenntnis.

Das künstlerische Bild ist mit dem Problem des künstlerischen Bewusstseins verbunden. Bei der Analyse eines künstlerischen Bildes sollte berücksichtigt werden, dass Literatur eine der Formen des gesellschaftlichen Bewusstseins und eine Art praktisch-spirituelles menschliches Handeln ist.

Ein künstlerisches Bild ist nichts Statisches; es zeichnet sich durch seinen prozessualen Charakter aus. In verschiedenen Epochen unterliegt das Bild bestimmten spezifischen und Genre-Anforderungen, die künstlerische Traditionen entwickeln. Gleichzeitig ist das Bild ein Zeichen einzigartiger kreativer Individualität.

Ein künstlerisches Bild ist eine Verallgemeinerung von Elementen der Realität, objektiviert in sinnlich wahrnehmbaren Formen, die nach den Gesetzen der Art und Gattung einer bestimmten Kunst auf eine bestimmte individuelle schöpferische Weise geschaffen werden.

Subjektives, Individuelles und Objektives sind im Bild in einer untrennbaren Einheit vorhanden. Die Realität ist ein zu lernendes Material, eine Quelle von Fakten und Empfindungen, durch deren Erforschung ein kreativer Mensch sich selbst und die Welt studiert und in seiner Arbeit seine ideologischen und moralischen Vorstellungen über das Reale und das Richtige verkörpert.

Ein künstlerisches Bild, das Lebenstendenzen widerspiegelt, ist zugleich eine originelle Entdeckung und Schaffung neuer Bedeutungen, die es vorher nicht gab. Literarisches Bild korreliert mit Lebensphänomenen, und die darin enthaltene Verallgemeinerung wird zu einer Art Modell für das Verständnis des Lesers für seine eigenen Probleme und Konflikte der Realität.

Ein ganzheitliches künstlerisches Bild bestimmt auch die Originalität des Werkes. Charaktere, Ereignisse, Handlungen, Metaphern werden entsprechend der ursprünglichen Absicht des Autors untergeordnet und drücken in Handlung, Komposition, Hauptkonflikten, Thema und Idee des Werkes die Art der ästhetischen Einstellung des Künstlers zur Realität aus.

Der Prozess der Schaffung eines künstlerischen Bildes ist in erster Linie eine strenge Auswahl des Materials: Der Künstler nimmt die charakteristischsten Merkmale des Dargestellten, verwirft alles Zufällige, entfaltet, vergrößert und schärft bestimmte Merkmale bis zur völligen Klarheit.

V. G. Belinsky schrieb in dem Artikel „Russische Literatur im Jahr 1842“: „Mit „Ideal“ meinen wir nun keine Übertreibung, keine Lüge, keine kindische Fantasie, sondern eine Tatsache der Realität, so wie sie ist; aber eine Tatsache, die nicht der Realität nachempfunden, sondern durch die Fantasie des Dichters getragen wurde, erleuchtet durch das Licht der allgemeinen (und nicht ausschließlichen, besonderen und zufälligen) Bedeutung, zur Perle des Bewusstseins erhoben und daher sich selbst ähnlicher, sich selbst treuer, als die sklavischste und wirklich originalgetreue Kopie. So ähnelt ein Mensch in einem Porträt eines großen Malers eher sich selbst als seinem Spiegelbild in einer Daguerreotypie, denn der große Maler brachte mit scharfen Linien alles zum Vorschein, was in einem solchen Menschen verborgen ist und was vielleicht auch so ist ein Geheimnis für diese Person selbst“

Die Überzeugungskraft eines literarischen Werkes beschränkt sich nicht auf die Treue der Wiedergabe der Realität und der sogenannten „Wahrheit des Lebens“. Sie wird durch die Originalität der schöpferischen Interpretation bestimmt, die Modellierung der Welt in Formen, deren Wahrnehmung die Illusion des Verständnisses des menschlichen Phänomens erzeugt.

Die von D. Joyce und I. Kafka geschaffenen künstlerischen Bilder sind nicht identisch mit der Lebenserfahrung des Lesers; es ist schwierig, sie als völligen Zufall mit den Phänomenen der Realität zu lesen. Diese „Nichtidentität“ bedeutet keine fehlende Übereinstimmung zwischen Inhalt und Struktur der Werke der Autoren und lässt uns sagen, dass das künstlerische Bild kein lebendiges Original der Realität ist, sondern ein philosophisches und ästhetisches Modell der Welt darstellt und Mann.

Bei der Charakterisierung der Elemente eines Bildes sind ihre Ausdrucks- und visuellen Fähigkeiten von entscheidender Bedeutung. Unter „Ausdruckskraft“ ist die ideologische und emotionale Ausrichtung des Bildes zu verstehen, unter „Bildhaftigkeit“ seine sinnliche Existenz, die den subjektiven Zustand und die Einschätzung des Künstlers in künstlerische Realität umsetzt. Die Ausdruckskraft eines künstlerischen Bildes lässt sich nicht auf die Übertragung der subjektiven Erfahrungen des Künstlers oder Helden reduzieren. Es drückt die Bedeutung von Gewissheit aus psychologische Zustände oder Beziehungen. Der figurative Charakter des künstlerischen Bildes ermöglicht es Ihnen, Objekte oder Ereignisse in visueller Klarheit nachzubilden. Ausdruckskraft und Bildhaftigkeit eines künstlerischen Bildes sind in allen Phasen seiner Existenz – von der ersten Idee bis zur Wahrnehmung des fertigen Werkes – untrennbar miteinander verbunden. Die organische Einheit von Bildlichkeit und Ausdruckskraft bezieht sich vollständig auf das ganzheitliche Bildsystem; Einzelne Bildelemente sind nicht immer Träger einer solchen Einheit.

Erwähnenswert sind die soziogenetischen und epistemologischen Ansätze zur Untersuchung des Bildes. Der erste stellt die sozialen Bedürfnisse und Gründe fest, die bestimmte Inhalte und Funktionen des Bildes hervorbringen, und der zweite analysiert die Übereinstimmung des Bildes mit der Realität und verknüpft sie mit den Kriterien der Wahrheit und Wahrhaftigkeit.

In einem literarischen Text kommt der Begriff „Autor“ in drei Hauptaspekten zum Ausdruck: dem biografischen Autor, den der Leser als Schriftsteller und Person kennt; der Autor „als Verkörperung des Wesens des Werkes“; Das Bild des Autors ist, ähnlich wie andere Bildcharaktere des Werkes, für jeden Leser Gegenstand persönlicher Verallgemeinerung.

Definition künstlerische Funktion Das Bild des Autors wurde von V.V. Vinogradov gegeben: „Das Bild des Autors ist nicht nur Gegenstand der Rede, meistens wird es nicht einmal in der Struktur des Werkes genannt.“ Dies ist eine konzentrierte Verkörperung des Wesens der Arbeit, die das gesamte System vereint Sprachstrukturen Charaktere in ihrer Beziehung zum Erzähler, Geschichtenerzähler oder den Geschichtenerzählern und dadurch, dass sie der ideologische und stilistische Mittelpunkt, der Mittelpunkt des Ganzen sind.“

Es muss zwischen dem Bild des Autors und dem des Erzählers unterschieden werden. Der Erzähler ist ein besonderes künstlerisches Bild, das wie alle anderen vom Autor erfunden wurde. Es weist das gleiche Maß an künstlerischer Konvention auf, weshalb es inakzeptabel ist, den Erzähler mit dem Autor zu identifizieren. In einem Werk kann es mehrere Erzähler geben, und dies beweist einmal mehr, dass es dem Autor freisteht, sich „unter der Maske“ des einen oder anderen Erzählers zu verstecken (zum Beispiel mehrere Erzähler in „Belkin's Tales“, in „Hero of Our Time“). ). Das Bild des Erzählers in F. M. Dostojewskis Roman „Dämonen“ ist komplex und vielschichtig.

Der Erzählstil und die Spezifität des Genres bestimmen auch das Bild des Autors im Werk. Wie Yu. V. Mann schreibt: „Jeder Autor strahlt im Licht seines Genres.“ Im Klassizismus ist der Autor einer satirischen Ode ein Ankläger, in einer Elegie ein trauriger Sänger und im Leben eines Heiligen ein Hagiograph. Wenn die sogenannte Periode der „Genre-Poetik“ endet, erhält das Bild des Autors realistische Züge, erhält erweiterte emotionale und semantische Bedeutung. „Statt einer, zwei oder mehreren Farben gibt es ein buntes Mehrfarbiges und Schillerndes“, sagt Yu. Es erscheinen Abschweifungen des Autors – so kommt die direkte Kommunikation zwischen dem Werkschöpfer und dem Leser zum Ausdruck.

Die Entstehung des Romangenres trug zur Entwicklung des Erzählerbildes bei. In einem Barockroman agiert der Erzähler anonym und sucht keinen Kontakt zum Leser, in einem realistischen Roman ist der Autor-Erzähler ein vollwertiger Held des Werkes. Die Hauptfiguren der Werke drücken in vielerlei Hinsicht das Weltbild des Autors aus und verkörpern die Erfahrungen des Autors. M. Cervantes schrieb zum Beispiel: „Müßiger Leser! Sie können ohne einen Eid glauben, wie ich möchte, dass dieses Buch, die Frucht meines Verständnisses, den Gipfel der Schönheit, Anmut und Tiefe darstellt. Aber es liegt nicht in meiner Macht, das Naturgesetz aufzuheben, nach dem jedes Lebewesen seinesgleichen hervorbringt.“

Und doch sind die Helden eines Werkes, selbst wenn sie Verkörperungen der Ideen des Autors sind, nicht mit dem Autor identisch. Selbst in den Genres Beichte, Tagebuch und Notizen sollte man nicht auf die Angemessenheit von Autor und Held achten. Verurteilung von J.-J. Rousseaus Idee, dass die Autobiographie eine ideale Form der Selbstbeobachtung und Erkundung der Welt sei, wurde von der Literatur des 19. Jahrhunderts in Frage gestellt.

Bereits M. Yu. Lermontov bezweifelte die Aufrichtigkeit der im Geständnis geäußerten Geständnisse. Im Vorwort zu Petschorins Tagebuch schrieb Lermontow: „Rousseaus Geständnis hat bereits den Nachteil, dass er es seinen Freunden vorlas.“ Zweifellos ist jeder Künstler bestrebt, das Bild lebendig und das Thema faszinierend zu machen, und verfolgt daher den „herrlichen Wunsch, Teilhabe und Überraschung zu wecken“.

A. S. Puschkin bestritt in der Prosa generell die Notwendigkeit eines Geständnisses. In einem Brief an P. A. Vyazemsky über Byrons verlorene Notizen schrieb der Dichter: „Er (Byron) gestand seine Gedichte unfreiwillig, von der Freude an der Poesie mitgerissen.“ In kaltblütiger Prosa lügte und täuschte er, manchmal versuchte er, seine Aufrichtigkeit zur Schau zu stellen, manchmal besudelte er seine Feinde. Er wäre gefasst worden, genau wie Rousseau gefasst worden wäre, und dann hätten Bosheit und Verleumdung wieder gesiegt ... Du liebst niemanden so sehr, du kennst niemanden so gut wie dich selbst. Das Thema ist unerschöpflich. Aber es ist schwierig. Es ist möglich, nicht zu lügen, aber aufrichtig zu sein ist körperlich unmöglich.“

Einführung in die Literaturkritik (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin usw.) / Ed. L.M. Krupchanow. - M, 2005

Ein Mittel und eine Form, das Leben durch Kunst zu meistern; Seinsweise eines Kunstwerkes. Das künstlerische Bild ist dialektisch: Es vereint lebendige Kontemplation, ihre subjektive Interpretation und Bewertung durch den Autor (sowie den Darsteller, Zuhörer, Leser, Betrachter). Ein künstlerisches Bild entsteht auf der Grundlage eines der Medien: Bild, Ton, sprachliche Umgebung oder eine Kombination aus mehreren. Er ist untrennbar mit ihm verbunden materieller Untergrund Kunst. Zum Beispiel die Bedeutung Interne Struktur Die Klarheit des musikalischen Bildes wird maßgeblich von der natürlichen Materie der Musik bestimmt – den akustischen Qualitäten musikalischer Klang. In Literatur und Poesie entsteht ein künstlerisches Bild auf der Grundlage eines Konkreten Sprachumgebung; In der Theaterkunst kommen alle drei Mittel zum Einsatz. Gleichzeitig erschließt sich die Bedeutung eines künstlerischen Bildes nur in einer bestimmten Weise Kommunikationssituation, Und Endergebnis Eine solche Kommunikation hängt von der Persönlichkeit, den Zielen und sogar der momentanen Stimmung der Person ab, der sie begegnet, sowie von der spezifischen Kultur, der sie angehört.

Ein künstlerisches Bild ist eine Form künstlerischen Denkens. Das Bild umfasst: das Material der Realität, verarbeitet durch die schöpferische Vorstellungskraft des Künstlers, seine Einstellung zum Dargestellten, den Reichtum der Persönlichkeit des Schöpfers. Hegel glaubte, dass ein künstlerisches Bild „unserem Blick nicht ein abstraktes Wesen, sondern seine konkrete Realität offenbart“. V. G. Belinsky glaubte, dass Kunst existiert kreatives Denken. Für Positivisten ist ein künstlerisches Bild eine visuelle Demonstration einer Idee, die ästhetisches Vergnügen bereitet. Es entstanden Theorien, die den figurativen Charakter der Kunst leugneten. So ersetzten russische Formalisten den Bildbegriff durch die Begriffe Konstruktion und Technik. Die Semiotik hat gezeigt, dass ein künstlerisches Bild durch ein Zeichensystem entsteht, es ist paradox, assoziativ, es ist ein allegorischer, metaphorischer Gedanke, der ein Phänomen durch ein anderes offenbart. Der Künstler lässt gewissermaßen Phänomene miteinander kollidieren und zündet Funken, die das Leben mit neuem Licht erhellen. In der Kunst gibt es laut Anandavardhana (Indien, 9. Jahrhundert) drei Formen des figurativen Denkens (dhvani). Hauptelement: poetische Figur (alamkara-dhvani), Bedeutung (vast-dhvani), Stimmung (rasa-dhvani). Diese Elemente werden kombiniert. Der Dichter Kalidasa drückt die Dhvani-Stimmung auf diese Weise aus. Das sagt König Dushyanta zu der Biene, die um das Gesicht seiner Geliebten kreist: „Du berührst ständig ihre flatternden Augen mit ihren beweglichen Ecken, du summst sanft über ihr Ohr, als würdest du ihr ein Geheimnis verraten, obwohl sie ihre Hand abweist, Du trinkst ihren Nektar. Die Lippen sind der Mittelpunkt des Vergnügens. Oh, Biene, du hast wirklich dein Ziel erreicht und ich bin auf der Suche nach der Wahrheit. Ohne das Gefühl, das Dushyanta besessen hat, direkt zu benennen, vermittelt der Dichter dem Leser die Stimmung der Liebe, indem er den Liebhaber, der von einem Kuss träumt, mit einer Biene vergleicht, die um das Mädchen herumfliegt.

In den ältesten Werken kommt der metaphorische Charakter des künstlerischen Denkens besonders deutlich zum Ausdruck. So kombinieren die Werke skythischer Künstler im Tierstil auf raffinierte Weise reale Tierformen: Raubkatzen mit Vogelklauen und Schnäbeln, Greife mit dem Körper eines Fisches, menschliches Gesicht und Vogelflügel. Bilder Fabelwesen sind ein Modell eines künstlerischen Bildes: ein Otter mit dem Kopf eines Mannes (Stämme Alaskas), die Göttin Nyu-wa – eine Schlange mit dem Kopf einer Frau (altes China), der Gott Anubis – ein Mann mit dem Kopf eines Schakals ( Antikes Ägypten), Zentaur – ein Pferd mit dem Rumpf und Kopf eines Mannes (antikes Griechenland), ein Mann mit dem Kopf eines Hirsches (Lappen).

Künstlerisches Denken verbindet reale Phänomene und schafft so ein beispielloses Geschöpf, das Elemente seiner Vorfahren auf komplexe Weise kombiniert. Die altägyptische Sphinx ist ein Mann, der durch einen Löwen dargestellt wird, und ein Löwe wird durch einen Mann verstanden. Durch die bizarre Kombination von Mensch und König der Tiere lernen wir etwas über die Natur und uns selbst – königliche Macht und Herrschaft über die Welt. Logisches Denken stellt die Unterordnung von Phänomenen her. Das Bild zeigt gleichwertige Objekte – eines durch das andere. Künstlerisches Denken wird den Gegenständen der Welt nicht von außen aufgedrängt, sondern fließt organisch aus ihrem Vergleich. Diese Merkmale des künstlerischen Bildes sind in der Miniatur des römischen Schriftstellers Aelian deutlich sichtbar: „... wenn man ein Schwein berührt, fängt es natürlich an zu quieken. Ein Schwein hat keine Wolle, keine Milch, nichts als Fleisch. Bei Berührung ahnt sie sofort die Gefahr, die ihr droht, denn sie weiß, wozu sie bei den Menschen gut ist. Tyrannen verhalten sich genauso: Sie sind immer voller Misstrauen und haben vor allem Angst, weil sie wissen, dass sie wie ein Schwein ihr Leben jedem geben müssen.“ Elians künstlerisches Bild ist metaphorisch und wie eine Sphinx (Mensch-Löwe) konstruiert: Laut Elian ist der Tyrann ein Schweinemensch. Ein Vergleich weit voneinander entfernter Lebewesen bringt unerwartet neue Erkenntnisse: Tyrannei ist widerlich. Die Struktur eines künstlerischen Bildes ist nicht immer so klar wie bei der Sphinx. Aber auch in komplexeren Fällen in der Kunst werden Phänomene nacheinander offenbart. In den Romanen von L.N. Tolstois Helden werden durch die Reflexionen und Schatten offenbart, die sie aufeinander und auf die Welt um sie herum werfen. In „Krieg und Frieden“ offenbart sich der Charakter von Andrei Bolkonsky durch seine Liebe zu Natascha, durch seine Beziehung zu seinem Vater, durch den Himmel von Austerlitz, durch Tausende von Dingen und Menschen, die, wie dieser tödlich verwundete Held qualvoll erkennt, miteinander verbunden sind mit jedem Menschen.

Der Künstler denkt assoziativ. Für Tschechows Trigorin (im Stück „Die Möwe“) sieht eine Wolke aus wie ein Klavier, und „und der Hals einer zerbrochenen Flasche scheint auf den Damm und der Schatten eines Mühlrads wird schwarz – und die mondhelle Nacht ist fertig.“ ” Ninas Schicksal wird durch das Schicksal des Vogels offenbart: „Die Handlung einer Kurzgeschichte: Ein junges Mädchen lebt seit seiner Kindheit am Ufer eines Sees ... liebt den See wie eine Möwe und ist glücklich und frei wie eine Möwe.“ . Aber zufällig kam ein Mann, sah es und tötete es, weil er nichts tun konnte, so wie diese Möwe.“ In einem künstlerischen Bild werden durch die Kombination weit voneinander entfernter Phänomene unbekannte Aspekte der Realität offenbart.

Das figurative Denken ist mehrdeutig, es ist so reich und tief in seiner Bedeutung und Bedeutung wie das Leben selbst. Einer der Aspekte der Mehrdeutigkeit des Bildes ist die Untertreibung. Für A.P. Tschechows Schreibkunst ist die Kunst des Durchstreichens. E. Hemingway verglich ein Kunstwerk mit einem Eisberg: Ein Teil davon ist sichtbar, der Hauptteil liegt unter Wasser. Dadurch wird der Leser aktiv; der Prozess der Wahrnehmung des Werkes erweist sich als Mitschöpfung, die das Bild vollendet. Dies ist jedoch keine willkürliche Spekulation. Der Leser erhält einen Denkanstoß, er erhält einen emotionalen Zustand und ein Programm zur Informationsverarbeitung, behält aber den freien Willen und Spielraum für kreative Fantasie. Das Understatement eines künstlerischen Bildes regt die Gedanken des Betrachters an. Dies äußert sich auch in Unvollständigkeit. Manchmal bricht der Autor die Arbeit mitten im Satz ab, lässt die Dinge unvollendet und löst die Handlungsstränge nicht auf. Das Bild ist vielfältig, es enthält einen Abgrund an Bedeutung, der sich im Laufe der Zeit offenbart. Jede Epoche findet neue Seiten des klassischen Bildes und gibt ihm seine eigene Interpretation. Im 18. Jahrhundert Hamlet galt im 19. Jahrhundert als Denker. - als reflektierender Intellektueller („Hamletismus“) im 20. Jahrhundert. - als Kämpfer „gegen ein Meer von Nöten“ (in seiner Interpretation stellte er fest, dass er die Idee von „Faust“ nicht mit Hilfe einer Formel ausdrücken könne. Um sie zu enthüllen, wäre es notwendig, dies zu schreiben wieder arbeiten.

Ein künstlerisches Bild ist ein ganzes Gedankensystem; es entspricht der Komplexität, dem ästhetischen Reichtum und der Vielseitigkeit des Lebens selbst. Wenn ein künstlerisches Bild vollständig in die Sprache der Logik übersetzbar wäre, könnte die Wissenschaft die Kunst ersetzen. Wäre es völlig unübersetzbar in die Sprache der Logik, dann gäbe es keine Literaturkritik, keine Kunstkritik und keine Kunstkritik. Ein künstlerisches Bild lässt sich nicht in die Sprache der Logik übersetzen, weil bei der Analyse ein „übersemantischer Rest“ zurückbleibt, und wir übersetzen es gleichzeitig, weil wir durch ein tiefes Eindringen in das Wesen des Werkes seine Bedeutung besser enthüllen können . Kritische Analyse ist ein Prozess der endlosen Auseinandersetzung mit der unendlichen Bedeutung eines künstlerischen Bildes. Diese Analyse war historisch unterschiedlich: neue Ära gibt eine neue Lesart des Werkes.